„Das Bild mit den Eisblasen ist auf dem See „Lake Abraham“ in Kanada entstanden. Trotz der Warnungen des Lodge-Besitzers bin ich auf den See mit seinem fast schwarzen Eis gegangen. Das Bild ist ziemlich abstrakt, könnte auch Popart sein“, erzählt Tom Jacobi

Es ist Gallery Weekend in Berlin! Bereits in der vergangenen Woche eröffnete der Hamburger Fotograf Tom Jacobi seine Ausstellung „Into the Light“ in der Charlottenburger Galerie SR Contemporary Art. Einige seiner großformatigen, schwarz-weiß Fotografien wurden vom Pariser Luxuslabel Hermès auf Seide gedruckt, was bislang einzigartig ist. Tom Jacobi war Modefotograf und Art Director des Magazins „Stern“. Seine Leidenschaft für das Fotografieren hätte er dabei fast verloren.

MyStylery: Glückwunsch zu Deinem Coup mit Hermès! Wie kam es dazu?
Tom Jacobi: Fotos auf Papier machen ja alle und so kam mir die Idee, auf Stoff zu drucken, da ich ja auch immer einen Bezug zur Natur suche. Seide war ein naheliegender Gedanke. Es folgten Gespräche und Tests und Hermès gab mir eine unverhoffte Zusage. Nun werden die Bilder auf Originalseide von Hermès in Frankreich produziert.
MS: Wie alt warst Du, als Du das erste Mal eine Kamera in der Hand gehalten hast?
TJ: 14 oder 15. Ich bekam eine Novoflex geschenkt und fotografierte die Katze auf dem Fensterbrett und Sonnenuntergänge.

Tom Jacobi: Peaceful Mind

MS: Kam Dir damals schon die Idee, Fotograf zu werden?
TJ: Erst mit 17, als ein Foto von mir in einem Buch veröffentlicht wurde. Es zeigte einen Kendo-Meister beim japanischen Schwertkampf. Ein Sport, den ich damals auch selber praktiziert habe. Wenn man zum ersten Mal ein Bild von sich auf Papier gedruckt sieht, das ist eine Magie, die ich heute noch spüre.
MS: Druckst Du private Fotos noch aus?
TJ: Oh ja, ich habe einen schweren Fehler gemacht, als ich meiner Frau zu ihrem ersten Geburtstag nach unserem Kennenlernen ein Fotoalbum geschenkt habe, mit selbst eingeklebten Fotos, kreierten Layouts und handschriftlichen Kommentaren. Seitdem bin ich dazu verdonnert, unser gesamtes Privatleben und Reisen in altmodischen Fotoalben zu dokumentieren. (lacht)

Tom Jacobi: Black Line

MS: Dein Vater war der legendäre Journalist Claus Jacobi, Chefredakteur von Spiegel, Stern und BILD-Zeitung. Hat Dich das davon abgehalten, selber in den Journalismus zu gehen?
TJ: Total. Ich hätte mich ja dem ständigen Vergleich ausgesetzt. Durch meine Freundschaft zu Sven Simon, dem Sohn von Axel Springer, kam ich nach Bonn und arbeitete dort in seiner Fotoagentur. Ich habe in erster Linie Politiker fotografiert, zum Beispiel Willy Brandt, Helmut Schmidt und Helmut Kohl. Später war ich als Fotograf für den „Stern“ unterwegs. Mit allen Risiken. Während einer Reportage im Iran hat man mich an die Wand gestellt und wollte mich erschießen, da ich für einen Spion gehalten wurde.
MS: War das der Grund, dass Du 14 Jahre lang gar nicht mehr fotografiert hast?
TJ: Nein, das entwickelte sich in meiner Zeit als Mode und Werbefotograf. Dieses kommerzielle Arbeiten und die Wünsche der Kunden, den Mantel von links oder doch lieber von rechts zu shooten, das Auto von oben oder unten, hat mir die Leidenschaft damals komplett ausgetrieben. Und was nützt ein gutgefülltes Bankkonto, wenn jede Kreativität flöten geht. Ich war damit einfach nicht mehr glücklich und habe sogar alle meine Kameras verkauft, weil ich überzeugt war, dass ich nie wieder fotografieren würde.

Tom Jacobi: The Majestic

MS: Jetzt bist Du wieder mit der Kamera unterwegs. Für die aktuelle Ausstellung „Into the Light“ sogar zwei Jahre rund um den Globus, zusammen mit Deiner Frau Kati.
TJ: Das war eine spannende Zeit, auch für uns als Paar. Wir sind wahnsinnig gern zusammen. Kati hat auch großen Einfluss auf das, was ich fotografiere. Sie ist mein Korrektiv. (lächelt) Man wird demütig, wenn man in der Weißen Wüste Ägypten unterwegs ist, dort mit zwei Beduinen campt, ohne sich groß um Sicherheit Gedanken zu machen. Im Nachhinein betrachtet war es riskant.
MS: Es kommt vor, dass Du fünf Stunden auf einer Klippe sitzt, um auf das richtige Licht zu warten. Was ist das richtige Licht, der richtige Moment?
TJ: Das kann ich nicht sagen. Es ist ein Gefühl. Meine Arbeit hat viel mit Geduld und Disziplin zu tun, oft warte ich tagelang auf den passenden Moment, obwohl ich die Motive zuvor ja sehr genau recherchiert habe.

Tom Jacobi und ich vor einem Foto in der Charlottenburger Galerie SRC, das eine riesige Salzwüste in Bolivien in 4.000 Meter Höhe zeigt: Nur während der Regenzeit steht das Wasser auf dem Salz und erzeugt damit diesen perfekten Spiegeleffekt

MS: Du bist häufig fernab von allem. Wie erträgst Du Stille?
TJ: Ich mag das sehr gerne. Stille kann nicht jeder aushalten. Ich wurde mal von einem Freund begleitet, der schon nach kurzer Zeit nervös wurde, was mich wiederum gestresst hat. In dem Moment habe ich beschlossen, niemanden mehr mitzunehmen. Ich bin da komplett eins mit mir, das hat etwas sehr Kontemplatives.
MS: Gab es auf Deiner Reise eine gefährliche Situation?
TJ: Als Fotograf ist man auch immer ein Jäger, der Risiken eingeht. In Island wollte ich zu einem Wasserfall, wobei ich mehrfach über vereiste Fläche gestürzt bin und einen Abhang runterrutschte. Eine Einöde ohne Handynetz oder die Chance, gefunden zu werden. Danach habe ich mir ein satellitengestütztes Notrufsystem zugelegt. Denn wegen eines gebrochenen Knöchels zu sterben, ist doch ziemlich unnötig. BvH

Ausstellung „Into the Light“

Bis 20. Mai sind die Arbeiten Tom Jacobis in der Galerie SR Contemporary Art, Niebuhrstraße 11a in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Kontakt Tom Jacobi

tomjacobi.de

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Christian Awes Bilder entstehen, indem gesprayte Muster mit vielen Schichten aus Acrylfarbe überdeckt werden, um sie anschließend an verschiedenen Stellen wieder freizulegen

Christian Awe betupft seine Augenpartie mit Aloe Vera: „Das soll bei Sonnenbrand helfen“, kommentiert er und deutet auf die Rötung unterhalb seines rechten Auges, „ich habe die Sonne in Gießen unterschätzt“. Dort hält der Berliner Künstler an der Justus-Liebig-Universität Vorlesungen über Urbane Kunst. Früher hat er illegal Häuserwände besprüht, heute ist er ein international anerkannter Künstler.

„Ein gewisses Chaos ist der Kunst ganz zuträglich und auch irgendwie anregend“, kommentiert Christian Awe seine Atelier-Atmosphäre augenzwinkernd

Ein Besuch im Atelier von Christian Awe in Berlin-Lichtenberg: ein großer heller Raum, vollgestellt mit großformatigen Leinwänden. Regalweise Farben in unterschiedlichen Varianten. Im Hintergrund eine Sofaecke. Warum hat er sich für das Arbeiterviertel Lichtenberg entschieden, wo es in Berlin doch durchaus attraktivere Gegenden gibt. „Ich bin hier aufgewachsen, reise mehrere Monate im Jahr durch die Welt. Das hier ist mein Zuhause, mein Ankerpunkt.“ Klar hätte er auch schon in Mitte gelebt. Friedrichshain? Nee. Eher nicht. Da ist es zu etabliert, zu touristisch, da fehle ihm die Kreativität. „Selbst in Spandau passiert mehr. Lichtenberg war jahrelang eine harte Gegend, aber mit guten Arbeitsbedingungen.“

Christian Awe studierte bei Georg Baselitz und war Meisterschüler von Daniel Richter

Awe, der an der Universität der Künste in Berlin bei Georg Baselitz studierte und als Meisterschüler von Daniel Richter abschloss, wählte neben der Kunst auch das Fach Sport. Ist das nicht eine eher ungewöhnliche Kombination? „Nein, überhaupt nicht“, lacht Awe. „Malerei hat viel mit Bewegung zu tun.“ Und er erzählt von den „Kunst am Bau“-Projekten, wo er zum Teil bei Wind und Regen in 33 Metern Höhe agiert. Zwölf Wochen hat er für das Wandbild in Lichtenberg gearbeitet, jeden Tag musste er 20 Mal rauf auf‘s Gerüst. Das ist 6 Mal den Mount Everest hoch und wieder runter. War er schon immer schwindelfrei? Ja, mittlerweile sei er das, alles eine Frage des Trainings. „Der Hubwagen schwingt bis zu eineinhalb Metern. Da frage ich mich manchmal schon, warum mach‘ ich das eigentlich.“

Arbeitsmaterial – Ordnung im kreativen Chaos

Überhaupt hat er viel Sport gemacht, was ihm den Titel „Deutscher Meister“ im Streetball einbrachte. „Basketball fand ich schon immer toll, aber das gab‘s in der DDR nicht“, sagt Christian Awe und grinst: „Bei uns hieß das Korbball.“ Er erzählt, wie er als Elfjähriger den Mauerfall erlebte. Da gab es ein kulturelles Vakuum, gewohnte Strukturen brachen weg, die alten Sportvereine waren plötzlich nicht mehr da. Die Kids hingen auf der Straße rum. „Trotzdem war da viel Energie und der ideale Nährboden für das Entstehen der Graffiti-Szene, die ja auch Ausdruck der damaligen Hip Hop-Kultur war.“ Damals entstand ein kultureller Freiraum, von dem Hype Berlin heute noch profitiert.

Art-works in progress, dazwischen ein Koffer: Christian Awe ist immer auf dem Sprung

Christian Awe, der mittlerweile auf Einzelausstellungen in Istanbul, Perm und Miami verweisen kann und Lehraufträge an der Princeton University und in Yale hatte, ist der Sprung von der Urban Art in die Kunstgalerien gelungen. Und er engagiert sich für andere: Charity-Malen zugunsten von SOS-Kinderdörfer, Kunst-Workshops für Jugendliche oder das Projekt „The young Mesopotamiens“, das sich dem Wiederaufbau von Kunst und Kultur im Irak widmet. Ganz aktuell unterstützt er den Aufbau einer Schule in Burkina Faso, Westafrika.

Fertige Arbeiten vorbereitet für den Transport

Mit seinen Wandbildern will er die Demokratisierung der Kunst in den Fokus rücken. „Vieles geht in unserer Gesellschaft heute verloren, viele Menschen werden ausgegrenzt. Ich versuche die Kunst vor die Haustür zu bringen. Ich glaube, Kunst und Kultur ist der Kitt der unsere Gesellschaft zusammen hält“, erklärt er seine hauswandgroßen Bilder, von denen jüngst das tennisplatzgroße Wandbild „Adanzé“ während des Berliner Gallery Weekends in Schöneberg enthüllt wurde.

15 Helfer waren notwendig, um das tennisplatzgroße Wandbild Adanzé an einer Hauswand in Berlin-Schöneberg zu installieren

Feierliche Enthüllung in Schöneberg mit Filmvorführung im ‚Odeon‘ während des letzten Berliner Gallery Weekends

Allein das Wandbild in Lichtenberg ist 500 Quadratmeter groß. Die Schwierigkeit bestünde darin, die Bewegung in der Größenordnung zu übersetzen. „Eigentlich arbeite ich am liebsten frei drauf los. Bei einem so großen Bild geht das nicht. Es muss einen Entwurf geben und eine Grobeinteilung.“ Für das Lichtenberger Wandbild gab es 36.000 Übertragungspunkte. Es wurde ein Gitter angelegt und jeder Punkt skizziert, dafür wurden 13.000 Meter Klebeband verbraucht. Und er fügt hinzu: „Jedes Bild, das größer ist als fünf mal fünf Meter, ist unüberschaubar. Wahrscheinlich gibt es deshalb kaum Maler, die gut großformatig malen können.“

Neue Werkserie: dreidimensionale Wassertropfen

Christian Awe, so scheint es, mag keinen Stillstand. Jemand wie er, der auch nachts aufsteht, um zu malen, hat das nächste Projekt schon in der Pipeline: eine Werkserie, welche auf der Leinwand dreidimensional Wassertropfen wiederzugeben scheint. Man steht davor und wundert sich über den verblüffend realen Effekt. Diese Arbeiten werden derzeit in der Düsseldorfer Galerie Ludorff im Rahmen der Gruppenausstellung „Open Water“ mit Werken anderer Künstler gezeigt, u.a. Max Liebermann und Gerhard Richter. Durchaus illustre Gesellschaft, möchte man meinen. „Ich bin da so’n bisschen ‚the new kid on the block‘ “, antwortet Christian Awe fast ein wenig verlegen, „aber ist es ist schon toll, in so einem Rahmen gezeigt zu werden.“ BvH

Noch mehr dreidimensionale Wassertropfen

Zeit für Entspannung muss sein

Aktuell sind Ausstellungen in der Berliner Galerie Fahnemann, in Frankfurt zusammen mit der Deutschen Bank, der Galerie Tristan Lorenz und im Kunstverein Bad Dürkheim in Vorbereitung sowie ein weiteres „Kunst am Bau“-Projekt in Miami

Demnächst erscheint eine erste Monographie über Christian Awes bisherige Arbeiten

„Die Farbigkeit der Graffiti-Zeit prägt meine Bilder heute noch. Trotzdem haben meine heutigen Bilder mit Street Art nichts mehr zu tun.“

Kontakt:
www.christianawe.com

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