Der Livingroom von Thomas Dellert-Dellacroix in seinem Kreuzberger Loft

In den 70er-Jahren beschloss Andy Warhol, dass Tommy Dollar besser klingt als Thomas Dellert. Das war die Zeit der ‚Sex Pistols‘ und Dellert ein Punkrocker und Wegbegleiter Warhols. Ob ‚Phantom of the Opera‘ oder ‚The Rocky Horror Picture Show‘: das Multi-Talent Thomas Dellert hat kaum ein Musik- oder Kunst-Genre ausgelassen. Seit fünf Jahren lebt der gebürtige Stockholmer mit familiären Verbindungen zum schwedischen Königshaus in Berlin-Kreuzberg. Das 120 Quadratmeter große Loft des ehemaligen Berliner Mauer-Malers ist randvoll mit Erinnerungen und gewidmeten Fotos von Yoko Ono über Michael Jackson bis zu Nina Hagen. Es verwundert nicht, dass der antike Samowar ein Geschenk der russischen Zarenfamilie an einen Ahnen Dellerts war und er die vielen, mittlerweile leeren Kaviardosen zusammen mit dem einstigen Schah von Persien und dessen Frau, Kaiserin Farah Diba gelöffelt hat.

Multimedia-Künstler, Schauspieler, Sänger, Maler & Filmemacher: Thomas Dellert-Dellacroix

MyStylery: Dein Leben hat Dich schon in viele Städte geführt, Paris, London, New York. Heute lebst Du in einer ehemaligen Schokoladenfabrik in Berlin. Muss man als Künstler jetzt hier sein?
Thomas Dellert: Nein, Berlin ist für mich nur ein Zwischenstopp. Ich bin ein Getriebener und gedanklich eigentlich schon weg. Vielleicht gehe ich als nächstes wieder nach Paris oder Stockholm.

Highheel auf Telefonhörer: Artpiece von Thomas Dellert

MS: In Deinem Loft wohnst Du mit Deiner Frau und zwei Kindern. Und Du arbeitest auch hier…
TD: Ich trenne Arbeit und Privates nie. Mein Leben ist meine Arbeit.

So sieht die Wohnung eines manischen Sammlers aus

MS: Zweimal wurdest Du innerhalb von fünf Jahren ausgeraubt. Bekommen die Dinge, die Dir geblieben sind, eine andere Bedeutung?
TD: Ja, wie die Trompete von Miles Davis oder meine Strumpf-Sammlung aus den 30er und 40er-Jahren. Darunter auch ein Paar, das mir Marlene Dietrich 1973 schenkte. Es sind vor allem die Dinge wichtig, die sich nicht ersetzen lassen. Meine Projekte habe ich deshalb alle auf Festplatten gesichert, die ich in einem 100 Jahre alten, sehr dicken Stahl-Safe aufbewahre.

Dellert liebt die Provokation – auch und besonders in seiner Kunst

MS: Wohin man hier blickt, ständig entdeckt man Neues. Warst Du immer ein Sammler?
TD: Oh ja, ein leidenschaftlicher. Mein Stil ist kreativ und voller Liebe. Die Teppiche habe ich selber entworfen. Ich mag aber auch gern dänisches Design wie den Sessel von Kjaerholm.

Der schwarze Leder-Sessel ist von Kjaerholm, die Teppiche sind Dellert-Design

MS: Wie kamst Du auf die Idee, Dein Schlafzimmer mit einem Leoparden-Print zu tapezieren?
TD: (lacht) Schon als 18-Jähriger hatte ich in meinem Zimmer eine Leotapete. Es ist die Energie von früher, auf die ich hoffe und mir damit zurückhole. Jetzt bin ich über 60, dreimal geschieden, habe Brände und Autounfälle überlebt. Ich stehe heute im Herbst des Lebens und schaue zurück.

Wohin man blickt, man entdeckt immer wieder etwas Neues

MS: Küchenmöbel, Fußboden, Lampenschirme, fast alle Wände hier sind schwarz. Warum?
TD: Darüber habe ich noch nie nachgedacht. Schwarz ist keine Farbe, es ist eine kraftvolle Basis, ein Symbol und hat etwas Sedatives. Wenn ich die Augen schließe, sehe ich schwarz, aber auch alle anderen Farben. Eigentlich ist Schwarz der Anfang und das Ende von allem. BvH

Neben Andy Warhol ist Dellert der einzige Künstler, der je für Mercedes eine SL-Edition gestaltet hat

Thomas Dellerts Konterfei als Flaschenlabel – auch ein Ausdruck seiner Vielseitigkeit

Dellert – der von Andy Warhol Tommy Dollar genannt wurde – begeisterte sich für Popart und inspirierte Warhol zu dessen Camouflage-Serie

VIP-Klo: An den Wänden Fotos, Autogramme und Widmungen von Nina Hagen bis Michael Jackson

Der ehemalige Mauer-Maler Dellert, der nur acht Jahre nach Ende des zweiten Weltkriegs geboren wurde, setzt sich in seinen Werken immer wieder mit der Kriegsthematik, dem Holocaust und der deutschen Teilung auseinander

Thomas Dellert in seinem Schlafzimmer: Auch hier verwahrt er Schätze seiner Sammlung wie Schlangenleder-Highheels von Leni Riefenstahl oder ein Bühnenoutfit von Jimi Hendrix

Dellerts Kunst ist u.a. in der ‚The Absolut Vodka‘-Sammlung und der ‚The Heinz Collection‘ vertreten sowie im Holocaust Memorial Museum

Leoprints haben Dellert schon als Kind fasziniert. Heute ist sein komplettes Schlafzimmer damit tapeziert

Erinnerungen an Afrika. Dellert lebte in New York, Barcelona, zwölf Jahre in Paris, acht Jahre in London, in Barcelona und in Stuttgart

Individualisierter Arbeitsplatz

Dellert hat einen gewissen Hang zum Morbiden

Und noch mal Leo: dieses Mal kein Print, sondern ein echter

Kontakt Thomas Dellert:

www.thomasdellert.com

The post Zu Besuch bei Künstler Thomas Dellert appeared first on My Stylery.

Giganten aus Stahl: Die 200 Tonnen schwere Installation „Effondrement of Arcs“

Als ich kürzlich mit meinen Freunden, Kunstsammler und Mäzene aus Recklinghausen, ein Geburtstagswochenende in Südfrankreich verbrachte, kam es zu einer besonderen Begegnung: Ich lernte den französischen Künstler Bernar Venet kennen, einen der international herausragenden Bildhauer der Gegenwart. Seine monumentalen Stahlskulpturen zieren weltweit die Metropolen – von New York bis Paris. In Berlin steht seit 1987 der Stahlbogen „Arc de 124,5°“ an der Urania, ein Geschenk Frankreichs zur 750-Jahr-Feier der Stadt.

Wenn ich die kolossalen Stahlskulpturen Bernar Venets betrachte, stellt sich mir sofort die Frage, wie die einzelnen, tonnenschweren, ineinander verschlungenen Fragmente gebogen werden. Wohl kaum per Hand. Bernar Venets Antwort: „Mit dem Kran.“ Begleitet mich und Bernar Venet auf einen exklusiven Spaziergang durch seine Kunststiftung in der Provence.

In der ehemaligen Fabrikhalle sind frühe Werke von Bernar Venet aus den Jahren 1961 bis 1966 zu sehen, Bilder und Reliefs von 1976-1984 sowie die „Indeterminate Surfaces“, die zwischen 1995 und 1999 entstanden sind

Vor drei Jahren gründete Bernar Venet, der sich 1963 entschloss, das „d“ aus seinem Vornamen zu streichen, seine Stiftung. Das künstlerisches Refugium des Bildhauers, der neben Pierre Soulages, Martial Raysse oder Robert Combas zu den Nachkriegskünstlern Frankreichs mit den höchsten Auktionsergebnissen zählt, liegt abseits vom Trubel der Côte d’Azur in Le Muy, einem kleinen Ort oberhalb von Cannes und Saint-Tropez.

„Ich arbeite 28 Stunden täglich, neun Tage die Woche“, sagt Bernar Venet, der 1977 auf der Documenta in Kassel ausstellte und im Jahr drauf auf der Bienale in Venedig

Auf dem Gelände einer ehemaligen Fabrik und einer Wassermühle aus dem 16. Jahrhundert fand Bernar Venet einen Ort, der es ihm ermöglichte, drei Dinge zu verbinden: Erstens seine gigantischen Arbeiten in einer hangarartigen Halle und einem Skulpturenpark auszustellen. Zweitens seine bedeutende, minimalistische Kunstsammlung erstmals öffentlich zu zeigen. Und drittens so große Formate zu produzieren wie noch nie zuvor.

Meine Gastgeber Bernar und Diane Venet

Bernar Venet und seine Frau Diane haben es sich mit der „Venet Foundation“ zur Aufgabe gemacht, auch Arbeiten anderer befreundeter Künstler wie Donald Judd, Sol Lewitt, Dan Flavin der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und zu zeigen. Auf unserem Spaziergang durch das fünf Hektar große Anwesen, das er 1989 kaufte, schlendern wir vorbei an Arbeiten von Anthony Caro, Carl Andre, Richard Long, Tony Cragg, Tony Smith, Philip King, Robert Morris, Larry Bell and Ulrich Rückriem – und der Kapelle, die Frank Stella für den Skulpturenpark baute und mit Reliefs aus Metallfragmenten ausstattete.

2017 wird zudem der US-Künster Fred Sandback mit der Einzelausstellung „Pedestrian Space“ geehrt. Und gelegentlich wird die Sammlung Bernar Venets um neue Exponate ergänzt. Wobei das größte Werk im Park von Venet selbst geschaffen wurde: eine 200 Tonnen schwere Skulptur aus Stahlbögen, die übrigens nicht das Ergebnis einer mathematischen Berechnung sind, sondern dem Zufall folgen. Da stehe ich also, tauche ein in die südfranzösische Landschaft, lausche dem Rauschen des Flusses Endre, bemerke das Zirpen der Grillen und kann meinen Blick nicht abwenden von diesen Giganten aus Stahl.  BvH

In der Fabrik erschließen sich dem Besucher immer wieder überraschende Sichtachsen

Besuch der Bernar Venet-Stiftung:

Geführte Touren werden im Sommer (bis 15. September) Donnerstagnachmittag und ganztägig Freitag angeboten. Dauer der Führungen ca. 1,5 Stunden. Nur mit Online-Voranmeldung zu vorgegebenen Terminen möglich. Eintritt 15 Euro. Weitere Informationen unter venetfoundation.org.

Die Einzelausstellung 2017:

In der Galerie wird 2017 die Einzelausstellung „Pedestrian Space“ des US-Künstlers Fred Sandback gezeigt …

… der Blick aus der Galerie gibt den Blick frei auf die monumentalen Arbeiten Bernar Venets

Der Skulpturenpark:

Blick auf die ehemalige Fabrik, die heute Zentrum der Bernar Venet Stiftung ist – davor Arbeiten des Künstlers

Der Pool im Park ist ein Entwurf des befreundeten Künstlers François Morellet von 2008

„Jede meiner Arbeiten beginnt mit einem 30 bis 40 Zentimeter großen Modell. Daran sehe ich, was künstlerisch interessant ist. Ich suche Aspekte, die es vorher noch nicht gegeben hat und wie ich damit die Grenzen der Bildhauerei ein wenig verschieben kann.“

Palmen und Pinien bilden den Rahmen für die Skulpturen und die ehemalige Fabrik. Venet, der fast fünf Jahrzehnte in New York lebte, bezeichnet seine Grundkonzeption als „unbestimmte Linien“

Eingebettet in eine romantische Parklandschaft im Süden Frankreichs …

… liegt die Mühle aus dem 16. Jahrhundert, die Teile der Sammlung Bernar Venets enthält sowie seine Privaträume

Sorgt für kräftiges Rauschen: Die Endre, ein 29 Kilometer langer Fluss in der Provence. In dem kleinen Ort Le Muy erstreckt sich zu beiden Uferseiten der fünf Hektar große Park der Bernar Venet Stiftung

Ein Tunnel mit „Aha-Effekt“: Durch den hallenden Gang aus rostrotem Corten-Stahl gelangt der Besucher über den Fluss Endre, der an der fünf Hektar großen Parkanlage entlangrauscht

Der Tunnel von innen: „Wenn die Sonne im richtigen Winkel steht, glitzern im Inneren Hunderte Lichtsprenkel“, beschreibt Bernar Venet die von Löchern durchsiebten Wände

Im Atelier von Frank Stella begeisterten Bernar Venet sechs imposante Wandreliefs: „Ich hatte einen Riesenrespekt vor ihm, er war schon damals ein Gigant. Ich habe eine Zahl auf einen Zettel geschrieben, Stella addierte 40 Prozent, und ich kratzte die Summe innerhalb eines Jahres zusammen.“

Jetzt sind die Reliefs Teil dieser Kapelle im Skulpturenpark und Stella der beste Freund Venets

„Die Sammlung repräsentiert die Geschichte unserer Leben“, sagt Venet über die hier gezeigten Werke – seine eigenen und die seiner Künstlerfreunde, die allesamt unverkäuflich sind

„Es gibt viele Menschen, die den Zugang zur Kunst erst im öffentlichen Raum erleben und mit Freude entdecken, was zeitgenössische Kunst ist und kann.“

Ein Neuzugang: Dieses Kunstwerk wird seinen Platz im Skulpturenpark noch finden

Larry Bell: Something Green, 2017, Laminiertes Glas, 244 x 1219 x 244 cm

Robert Morris: Labyrinth, 2012, Maschendrahtzaun, 213 x 1371 x 427 cm

Ein Werk aus Eisenketten des mittlerweile verstorbenen, französischen Künstlers Arman, einem engen Freund Bernar Venets – im Hintergrund die Mühle aus dem 16. Jahrhundert

Giganten aus Stahl: Das größte Werk im Skulpturenpark stammt von Bernar Venet selbst

Die Baumstämme werden in China mit einer Bleilegierung gefertigt, jeder ist sechs Tonnen schwer. Seine Werke werden aber auch in Frankreich und Ungarn produziert

Es ist angerichtet: Ein Lunch mit Freunden an einem perfekten Sommertag in Südfrankreich

Bernar et moi: Merci beaucoup!

Kontakt Bernar Venet:

bernarvenet.com

The post Zu Besuch bei Frankreichs berühmtesten Bildhauer Bernar Venet appeared first on My Stylery.

Best of MyStylery

Haralampi Oroschakoff in seinem Atelier …

Das Atelier des Künstlers Haralampi Oroschakoff liegt in einem 30er Jahre-Gebäude eines Industrieviertels im Berliner Westen. Obwohl ich den gebürtigen Österreicher  schon seit vielen Jahren kenne, ist dies mein erster Besuch in dem knapp 300 Quadratmeter großen Atelier, durch dessen bodentiefe Fenster der Blick auf eine Kleingartensiedlung fällt und das Licht hinein in die loftartigen Räume, in denen die großformatigen Bilder Oroschakoffs entstehen. Der bekennende Wiener entstammt dem altrussischen Adelsgeschlecht der Bojaren Haralamow-Oreschak, das sich bis ins elfte Jahrhundert zurückverfolgen lässt. Seit 16 Jahren lebt der international erfolgreiche Künstler  zusammen mit seiner Frau, der Galeristin Diana Gräfin von Hohenthal und Bergen und den gemeinsamen Kindern in der Hauptstadt. Seine Werke hängen bei Prominenten wie Vicky Leandros, Jette Joop oder Prinzessin Firyal von Jordanien. Trotzdem war sein künstlerischer Werdegang immer auch ein Kampf um Anerkennung.

… das in einem 30er Jahre-Gebäude eines Industrieviertels im Berliner Westen liegt

MyStylery:  Das Atelier eines Künstlers assoziiert automatisch den Gedanken an kreatives Chaos. Ich bin erstaunt, wie aufgeräumt es bei Dir ist, es ist geradezu wohnlich …
Haralampi G. Oroschakoff: Das Atelier ist für mich nicht nur Denkfabrik, sondern der letzte Ort, an dem persönliche Freiheit möglich ist. Ich muss mich außerdem wohlfühlen, weshalb die Räume nicht auf die reine Zweckmäßigkeit reduziert sind.

Im Hintergrund des Büros an der Wand lehnend das Bild „Wanderer – Am Morgen vor der Enthauptung der Strelitzen“, 1997

MS: Wofür steht das Initial ‚G‘ in Deinem Namen?
HGO: Georgijewitsch.
MS: Dein Vater war ein erfolgreicher Stahl-Fabrikant in Wien, wo Du Teile Deiner Kindheit verbrachtest. Du hättest in seine Fußstapfen treten können.
HGO: Mein Vater hat nie den Verlust des russischen Imperiums und den Fall der Aristokratie verwunden. Ich sollte die Fabrik übernehmen, aber nach einem Jahr war klar, dass das nichts für mich ist. Ich habe oft verschlafen und fand’s auch amüsanter, mittags essen zu gehen, anstatt auf die Baustellen zu fahren. Mein Vater war zudem Mathematiker und Statiker, er baute beispielweise den Franz-Josef-Bahnhof in Wien. Ich hingegen war ein wahnsinnig schlechter Schüler, der aus zehn Internaten geflogen ist.
MS: Hat Dein Vater Dich das spüren lassen?
HGO: Er sprach nie mit mir, sondern nur zu mir. Sogar als ich 1988 auf der Biennale ausstellte, blieb er unversöhnlich. Erst als ich 1990 von Forbes als Newcomer-Star neben Jeff Koons und Franz West gelisted wurde, die Preise der Bilder jeweils daneben und gleichzeitig deren Wertsteigerung, verstand mein Vater und kam sogar mal zu einer Ausstellung nach Belgrad.

An der Wand im Büro Plakate von Haralampis Ausstellungen

MS:  Das muss sehr traurig für Dich gewesen sein, als junger Mensch keinerlei Anerkennung zu erfahren.
HGO: Als Kind war ich ein schweigendes, in sich gehendes Kraftpaket. Ich habe vieles durch Sport kompensiert, habe Tennis gespielt, bin geritten, später Oldtimer-Rallyes gefahren. Und ich habe gemalt. Zeichnen war für mich denken mit dem Bleistift.

Haralampis Ur-Ur-Großvater war der Königliche Regent von Serbien. Links die Arbeit „Different Worlds (17)“ von 2013; Rechts „Different Worlds (30)“, 2014

MS: Warum hast Du die Wiener Kunstakademie nach nur drei Monaten abgebrochen?
HGO: Das waren zu starre Strukturen. Dogmen und Ideologien habe ich immer gehasst. Es ist eine innere Ambivalenz in mir. Als Künstler muss ich Dinge zerstören, um etwas Neues zu schaffen. Eigentlich habe ich meine Karriere dreimal selber beschädigt.
MS: Wie meinst Du das?
HGO: In den 80ern hatte ich die mediale Aufmerksamkeit, die man braucht, um als erfolgreich zu gelten. Das hat mir nicht gereicht und ich glaubte, mich in den 90ern mit Osteuropa auseinander setzen zu müssen, auch als Hommage an meine Wurzeln. Zur Jahrtausendwende ging ich nach Berlin. Meine Galeristen haben diese Entscheidungen allerdings nicht mitgetragen. Es war jedes Mal ein neuer Anfang.

„Es gibt kaum noch wahre Persönlichkeiten. Heute ist alles Konsum und verbale Gleichmacherei.“

MS: Die extreme Lebensweise und die Provokation scheinen Teile Deiner Persönlichkeit zu sein.
HGO (lacht): Der Dandy und Aristokrat haben die Kunstszene immer irritiert, allein schon durch sein Erscheinen. Ich habe das auch stets gepflegt, inklusive Saufgelagen und Prügeleien. Aber immer mit der notwendigen Eleganz.
MS: Jahrelang war die ‚Paris Bar‘ in Berlin Dein zweites Wohnzimmer. Heute scheinst Du eher brav zu sein. Fehlt Dir da was?
HGO: Sagen wir’s so: Ich habe dem Wodka weitestgehend Adieu gesagt. I’ll come back.
MS: Du bezeichnest Dich selber als Familienmenschen. Ist die Familie gerade nach Deinen eigenen Kindheitserlebnissen so wichtig für Dich?
HGO: Ich sehe mich als „Vorletzter“ in der Familienreihe, also muss ich verstärkt die gelebte Tradition in die nächste Generation tragen. Dazu gehört nicht nur Freundschaft und Respekt, Ehrgefühl und Verantwortung. Ich wünsche mir auch, dass meine Kinder später einmal mein Werk bewahren. BvH

Argo 3, 2012

Mit der Doppelkreuz-Serie gelang Haralampi G. Oroschakoff der internationale Durchbruch. Mit dem historischen Sachbuch „Die Battenberg Affaire“ machte sich Oroschakoff auch als Buchautor einen Namen

Malerei, Zeichnungen und Texte sind für Haralampi Oroschafkoff heute gleichwertige Ausdrucksmittel. Hier die Arbeit „Different Worlds (31), 2014

Haralampi Oroschakoff: Ein Dandy in der Kunstszene, der zum Arbeiten lautstark Rockmusik von Lou Reed und Metallica aufdreht

Haralampi Oroschakoff: I’ll come back

Während in dem Berliner Atelier die großformatigen Werke Haralampi Oroschakoffs entstehen, malt er auf dem Familiensitz in Cannes Aquarelle: „Mit Blick aufs Meer und einem unfassbar schönen Licht.“

Ein wahrer Grandseigneur: Haralampi Oroschakoff spricht Russisch, Französisch, Englisch, Bulgarisch – und Wienerisch

Kontakt:

www.oroschakoff.com

Merken

The post Atelier-Besuch bei Haralampi Oroschakoff appeared first on My Stylery.

Alle wollen dabei sein und die Chance nutzen, einmal über Wasser zu wandeln

Es ist gut, überall Freunde zu haben. Insbesondere, wenn diese dann auch noch ein Haus am Lago D‘Iseo haben, wo der amerikanische Verpackungskünstler Christo gerade den halben See verhüllt hat. Lago was? Ich kenne zwar den Lago di Como und auch den Luganer See, muss aber gestehen, dass ich vom viertgrößten der oberitalienischen Seen zuvor noch nie gehört hatte. Am vergangenen Wochenende baten unsere Freunde also zum Terrassenfest in ihr Anwesen oberhalb des Sees, von wo aus wir Christos Kunst-Spektakel ‚The Floating Piers‘ auf dem Wasser aus optimaler Perspektive beobachten konnten. Ein Anlass, zu dem die internationale Kunstwelt anrückt und seit dessen Beginn am 18. Juni* bereits über 500.000 Kunstenthusiasten aus aller Welt in den beschaulichen Ort Sulzano pilgern ließ.

Blick auf den Iseosee, der an seiner tiefsten Stelle 250 Meter misst und sich über eine Länge von 25 Kilometer erstreckt

Seit Christos Projekten ‚The Gates‘ 2005 in New York und dem verhüllten Berliner Reichstag 1995, die er mit seiner 2009 verstorbenen Frau Jeanne-Claude realisierte, sind die Floating Piers das größte und vermutlich auch das letzte Verhüllungsprojekt des 81 Jahre alten Künstlers. 2014 fiel die Wahl von Christo und seinem Team auf den von Bergamasker Alpen umrahmten, malerischen Lago D’Iseo. Hier installierte Christo drei Kilometer lange Stege, die Sulzano mit den Inseln Monte Isola und  San Paolo verbinden. Das besondere Merkmal dieser schwimmenden Pontons ist der gelb-orangefarbene Stoff, der die Stege verhüllt und diese optisch mit dem Festland verbindet durch weitere eineinhalb Kilometer Fußgängerwege in Sulzano und der Monte Isola.

Majestätisch ragt die Monte Isola aus dem Iseosee, sie ist die größte Insel in einem südeuropäischen Binnensee

Der Besucheransturm ist – auch für die Veranstalter – größer als erwartet: mehr als 55.000 Besucher drängen täglich durch die schmalen Gassen Sulzanos, und warten geduldig bei Temperaturen von 35 Grad am vergangenen Wochenende teilweise bis zu vier Stunden, bevor sie die Floating Piers betreten dürfen. Am Abend entspannt sich die Lage ein wenig und so konnte ich die schwimmenden Pontons ohne stundenlanges Anstehen betreten. Was für eine tolle Stimmung! Die tiefstehende Sonne ließ das Gelb-Orange des von einer deutschen Firma gefertigten Stoffes leuchten. Wie die Gesichter der Besucher, die nach extremen Wartezeiten in der Hitze dankbar die erfrischende Brise genossen. Die Stimmung war so gelöst, alle irgendwie gut drauf: Was für ein Happening!

MyStylery im Einsatz

Ich bin barfuß über die Floating Piers gelaufen, wollte die griffige und trotzdem weiche Oberfläche des Stoffes spüren. Herrlich, dieses permanente, sanfte Schaukeln, das sich intensivierte, wenn die patrouillieren Rettungsboote vorbei fuhren. Die Aussicht auf das Bergpanorama und die Sichtachsen der Piers genießend, mit leicht schwankendem Seegang, obwohl ich doch schon längst wieder Festland unter den Füßen hatte. Die Floating Piers sind ein Appell an alle Sinne, ein absolutes Highlight, wenn auch ein temporäres, wie alle Events von Christo zeitlich begrenzt sind. Am 3. Juli ist die Show vorbei, dann werden die Floating Piers abgebaut und in dem idyllischen Sulzano – und dem Haus meiner Freunde – kehrt wieder Ruhe ein.  BvH

Blick aufs Ufer von Sulzano

Idyllisches Sulzano: Hier ist der Zugang zu den Floating Piers

*Info Floating Piers:

Insgesamt 16 Tage ist Christos Kunstinstallation ‚The Floating Piers‘ zu sehen. Wer von Sulzano die Insel Monte Isola und von dort die Insel San Paolo zu Fuß über die 16 Meter breiten, im Wasser schwimmenden Stege erreichen möchte, hat noch bis zum 3. Juli 2016 Gelegenheit. Danach wird das von Christo finanzierte, 15 Millionen teure Kunstwerk wieder abgebaut und recycelt. Der Eintritt ist frei.

Der Lago D’Iseo liegt 100 Kilometer östlich von Mailand und 200 Kilometer westlich von Venedig

Tipp:

Keine Lust auf stundenlange Warterei? Dann heißt es früh aufstehen. Morgens um 6 Uhr oder nach 20 Uhr sind die Floating Piers weniger stark frequentiert. Gegen 22 Uhr werden die letzten Besucher auf die Stege gelassen. Es gibt die Möglichkeit, die Insel Monte Isola per Boot anzusteuern. Tickets hierfür unbedingt vorher im Internet buchen.

Das Haus meiner Freunde am Lago D’Iseo

Ich bin ganz verliebt in das satte Grün des Sees

Für Sulzano mit seinen 1917 Einwohner sind normalerweise zwei oder drei Carabinieri zuständig. Für Christos Kunst-Happening wurde die Polizeipräsenz erheblich aufgestockt

100.000 Quadratmeter des dahlien-gelben, schimmernden Hightech-Stoffes wurden verarbeitet …

… der zuvor in Münster gefertigt und von einer Lübecker Firma genäht wurde

Floating-Piers-Projektleiter Wolfgang Volz, der Christo schon seit vielen Jahren begleitet, fotografiert die Besucher und lässt sich feiern

Über Wasser wandeln

Das Örtchen Perschiera Maraglio – auf der übrigens autofreien Monte Isola …

… bezaubert mit romantischen Gassen und typisch italienischen Häusern …

… seinem pittoresken Hafen …

… und kleinen Cafés. Tipp: Sehr einladend wirkt das ‚Ristorante Al Castello‘ unterhalb des Hotels ‚Residence Castello Oldofredi‘

Die Insel San Paolo gehört der Familie Beretta, der großen italienische Waffenherstellerdynastie

Die Villa der Familie Beretta ist gesichert wie Fort Knox: Da sind natürlich alle neugierig, wie Waffenhändler wohl so wohnen

Ein gigantischer Besuchermagnet

Mal ein Auge zudrücken: Auf den 16 Meter breiten Stegen sorgen Ordner in ihren orangefarbenen Westen für geregelte Abläufe: Hinsetzen oder gar picknicken ist eigentlich nicht erlaubt

Und da ist der Maestro höchstpersönlich auf einem Spezialboot: Christo (mit seinen schlohweißen Haaren oben rechts) passiert die applaudierende Menge: Grazie und thank you, Christo!

Übrigens: The Floating Piers bestehen aus 220.000 Polyethylen-Kuben, die jeweils 35 Zentimeter hoch und am Boden des Sees mit tonnenschweren Gewichten verankert sind

Auch bei diesem gefiederten Seebewohner kommen die Floating Piers gut an

Ist das nicht die perfekte Farbkombi – mein pinkfarbenes Kleid und der orangeleuchtende Stoff der Floating Piers

Malerische Abendstimmung und ein wunderschöner Sonnenuntergang am Lago D‘Iseo: was will man mehr?

Kontakt:

www.thefloatingpiers.com

The post The Floating Piers auf dem Lago D’Iseo appeared first on My Stylery.

Edvard Munch – Liebe, Tod und Einsamkeit. Die Ausstellung ist noch bis 24. Januar zu sehen*

Ich bin erklärter Kunstfreund und bekennender Kältehasser. Was macht man also bei einem akuten Wintereinbruch in Wien, wenn einem die Kälte allein schon beim Gedanken eine Dauer-Gänsehaut beschert? Ich empfehle einen Besuch in der Albertina, unter deren Dach eine der bedeutendsten grafischen Kunstsammlungen der Welt beherbergt wird.

Edvard Munch: ‚Zwei Menschen. Die Einsamen‘ (1899)*

Noch bis zum 24. Januar ist hier die Edvard Munch-Ausstellung ‚Liebe, Tod und Einsamkeit‘ zu sehen. Und die lohnt sich in jeder Hinsicht, denn mehr als 100 der wichtigen Werke des norwegischen Künstlers und großen Protagonisten der Moderne können bewundert werden, darunter Der Schrei, Madonna, Der Kuss und Melancholie. Alle Exponate der Schau stammen aus der weltweit größten Privatsammlung von Meisterdrucken Edvard Munchs.

Klaus Albrecht Schröder, Direktor der Albertina Wien: „Munch hat eine Figur gefunden, die für die Angst vor dem Unbekannten steht, die Angst vor dem, was war und vor dem, was kommt.“ Der Schrei (1895), Lithographie mit Tusche

Interessant fand ich die Einblicke in Munchs experimentelle druckgrafische Ansätze und die Idee dahinter, damit Auflage und Einkommen zu erhöhen: nach dem Motto Kunst = Kommerz. Munchs Leben und Werk wurde von vielen existentiellen Krisen und Brüchen begleitet und gleichzeitig auch von einem gewissen Pragmatismus: So soll er in seinem chaotisch unordentlichen Atelier seine Drucke zeitweilig als Kochtopfdeckel verwendet haben. Anekdoten wie diese sorgen dafür, dass mir die teilweise morbide Stimmung der Ausstellung nicht total aufs Gemüt geschlagen ist. Fazit: ‚Liebe, Tod und Einsamkeit‘ ist ein Muss für Kunstenthusiasten. Übrigens auch – oder gerade bei strahlend schönem Wetter, denn dann hat man Räume und Bilder nahezu für sich allein. BvH

Als Vorläufer und Wegbereiter des Expressionismus beschreibt Munch eindringlich die Vergänglichkeit und das Verschwinden des Individuums im Zeitalter der Industrialisierung. ‚Tingeltangel‘ (1895), Lithografie, handkoloriert

Merkwürdig, dass Munch dieses Bild nach einem Schmuckstück benannte – die Frau ist doch der eigentliche Hingucker, oder? ‚Die Brosche – Eva Mudocci‘ (1903), Lithografie

Noch eine Schöne: ‚Madonna‘ (1895/1902), Farblithografie

Die ‚Madonna‘, hier mit grimmig dreinblickendem Embrio und – huch – Spermien am Bildrand …*

‚Angst‘ (1896), Lithografie: Arbeiten wie ‚Angst‘ illustrieren Munchs intensive Auseinandersetzung mit der Einsamkeit, der Liebe und dem Tod. Ein wenig gruselig, oder?*

Edvard Munchs Malerei und Grafik zählen zu den absoluten Höhepunkten der Kunst der Jahrhundertwende. Hier ‚Mondschein I‘ (1899 / 1906 – 1914), Holzschnitt*

Kontakt:

Albertinaplatz 1
1010 Wien, Österreich
www.albertina.at

Featured pic and pics marked* by Albertina, Wien

The post Edvard Munch Ausstellung in Wien appeared first on My Stylery.

Christian Awes Bilder entstehen, indem gesprayte Muster mit vielen Schichten aus Acrylfarbe überdeckt werden, um sie anschließend an verschiedenen Stellen wieder freizulegen

Christian Awe betupft seine Augenpartie mit Aloe Vera: „Das soll bei Sonnenbrand helfen“, kommentiert er und deutet auf die Rötung unterhalb seines rechten Auges, „ich habe die Sonne in Gießen unterschätzt“. Dort hält der Berliner Künstler an der Justus-Liebig-Universität Vorlesungen über Urbane Kunst. Früher hat er illegal Häuserwände besprüht, heute ist er ein international anerkannter Künstler.

„Ein gewisses Chaos ist der Kunst ganz zuträglich und auch irgendwie anregend“, kommentiert Christian Awe seine Atelier-Atmosphäre augenzwinkernd

Ein Besuch im Atelier von Christian Awe in Berlin-Lichtenberg: ein großer heller Raum, vollgestellt mit großformatigen Leinwänden. Regalweise Farben in unterschiedlichen Varianten. Im Hintergrund eine Sofaecke. Warum hat er sich für das Arbeiterviertel Lichtenberg entschieden, wo es in Berlin doch durchaus attraktivere Gegenden gibt. „Ich bin hier aufgewachsen, reise mehrere Monate im Jahr durch die Welt. Das hier ist mein Zuhause, mein Ankerpunkt.“ Klar hätte er auch schon in Mitte gelebt. Friedrichshain? Nee. Eher nicht. Da ist es zu etabliert, zu touristisch, da fehle ihm die Kreativität. „Selbst in Spandau passiert mehr. Lichtenberg war jahrelang eine harte Gegend, aber mit guten Arbeitsbedingungen.“

Christian Awe studierte bei Georg Baselitz und war Meisterschüler von Daniel Richter

Awe, der an der Universität der Künste in Berlin bei Georg Baselitz studierte und als Meisterschüler von Daniel Richter abschloss, wählte neben der Kunst auch das Fach Sport. Ist das nicht eine eher ungewöhnliche Kombination? „Nein, überhaupt nicht“, lacht Awe. „Malerei hat viel mit Bewegung zu tun.“ Und er erzählt von den „Kunst am Bau“-Projekten, wo er zum Teil bei Wind und Regen in 33 Metern Höhe agiert. Zwölf Wochen hat er für das Wandbild in Lichtenberg gearbeitet, jeden Tag musste er 20 Mal rauf auf‘s Gerüst. Das ist 6 Mal den Mount Everest hoch und wieder runter. War er schon immer schwindelfrei? Ja, mittlerweile sei er das, alles eine Frage des Trainings. „Der Hubwagen schwingt bis zu eineinhalb Metern. Da frage ich mich manchmal schon, warum mach‘ ich das eigentlich.“

Arbeitsmaterial – Ordnung im kreativen Chaos

Überhaupt hat er viel Sport gemacht, was ihm den Titel „Deutscher Meister“ im Streetball einbrachte. „Basketball fand ich schon immer toll, aber das gab‘s in der DDR nicht“, sagt Christian Awe und grinst: „Bei uns hieß das Korbball.“ Er erzählt, wie er als Elfjähriger den Mauerfall erlebte. Da gab es ein kulturelles Vakuum, gewohnte Strukturen brachen weg, die alten Sportvereine waren plötzlich nicht mehr da. Die Kids hingen auf der Straße rum. „Trotzdem war da viel Energie und der ideale Nährboden für das Entstehen der Graffiti-Szene, die ja auch Ausdruck der damaligen Hip Hop-Kultur war.“ Damals entstand ein kultureller Freiraum, von dem Hype Berlin heute noch profitiert.

Art-works in progress, dazwischen ein Koffer: Christian Awe ist immer auf dem Sprung

Christian Awe, der mittlerweile auf Einzelausstellungen in Istanbul, Perm und Miami verweisen kann und Lehraufträge an der Princeton University und in Yale hatte, ist der Sprung von der Urban Art in die Kunstgalerien gelungen. Und er engagiert sich für andere: Charity-Malen zugunsten von SOS-Kinderdörfer, Kunst-Workshops für Jugendliche oder das Projekt „The young Mesopotamiens“, das sich dem Wiederaufbau von Kunst und Kultur im Irak widmet. Ganz aktuell unterstützt er den Aufbau einer Schule in Burkina Faso, Westafrika.

Fertige Arbeiten vorbereitet für den Transport

Mit seinen Wandbildern will er die Demokratisierung der Kunst in den Fokus rücken. „Vieles geht in unserer Gesellschaft heute verloren, viele Menschen werden ausgegrenzt. Ich versuche die Kunst vor die Haustür zu bringen. Ich glaube, Kunst und Kultur ist der Kitt der unsere Gesellschaft zusammen hält“, erklärt er seine hauswandgroßen Bilder, von denen jüngst das tennisplatzgroße Wandbild „Adanzé“ während des Berliner Gallery Weekends in Schöneberg enthüllt wurde.

15 Helfer waren notwendig, um das tennisplatzgroße Wandbild Adanzé an einer Hauswand in Berlin-Schöneberg zu installieren

Feierliche Enthüllung in Schöneberg mit Filmvorführung im ‚Odeon‘ während des letzten Berliner Gallery Weekends

Allein das Wandbild in Lichtenberg ist 500 Quadratmeter groß. Die Schwierigkeit bestünde darin, die Bewegung in der Größenordnung zu übersetzen. „Eigentlich arbeite ich am liebsten frei drauf los. Bei einem so großen Bild geht das nicht. Es muss einen Entwurf geben und eine Grobeinteilung.“ Für das Lichtenberger Wandbild gab es 36.000 Übertragungspunkte. Es wurde ein Gitter angelegt und jeder Punkt skizziert, dafür wurden 13.000 Meter Klebeband verbraucht. Und er fügt hinzu: „Jedes Bild, das größer ist als fünf mal fünf Meter, ist unüberschaubar. Wahrscheinlich gibt es deshalb kaum Maler, die gut großformatig malen können.“

Neue Werkserie: dreidimensionale Wassertropfen

Christian Awe, so scheint es, mag keinen Stillstand. Jemand wie er, der auch nachts aufsteht, um zu malen, hat das nächste Projekt schon in der Pipeline: eine Werkserie, welche auf der Leinwand dreidimensional Wassertropfen wiederzugeben scheint. Man steht davor und wundert sich über den verblüffend realen Effekt. Diese Arbeiten werden derzeit in der Düsseldorfer Galerie Ludorff im Rahmen der Gruppenausstellung „Open Water“ mit Werken anderer Künstler gezeigt, u.a. Max Liebermann und Gerhard Richter. Durchaus illustre Gesellschaft, möchte man meinen. „Ich bin da so’n bisschen ‚the new kid on the block‘ “, antwortet Christian Awe fast ein wenig verlegen, „aber ist es ist schon toll, in so einem Rahmen gezeigt zu werden.“ BvH

Noch mehr dreidimensionale Wassertropfen

Zeit für Entspannung muss sein

Aktuell sind Ausstellungen in der Berliner Galerie Fahnemann, in Frankfurt zusammen mit der Deutschen Bank, der Galerie Tristan Lorenz und im Kunstverein Bad Dürkheim in Vorbereitung sowie ein weiteres „Kunst am Bau“-Projekt in Miami

Demnächst erscheint eine erste Monographie über Christian Awes bisherige Arbeiten

„Die Farbigkeit der Graffiti-Zeit prägt meine Bilder heute noch. Trotzdem haben meine heutigen Bilder mit Street Art nichts mehr zu tun.“

Kontakt:
www.christianawe.com

The post Exklusive Einblicke ins Künstler-Atelier von Christian Awe appeared first on My Stylery.

Das Wohnzimmer von Anna Jill Lüpertz und Markus Keibel in ihrer gemütlichen Altbau-Wohnung

Wenn zwei Menschen zusammen ziehen, dann werden zwei Leben und zwei Haushalte zusammen gewürfelt. Was aber, wenn man die Couch vom anderen eher unbequem oder gar hässlich findet? Als sich die Berliner Galeristin Anna Jill Lüpertz und der Künstler Markus Keibel vor acht Jahren kennenlernten und beide bald darauf beschlossen, sich ein gemeinsames Zuhause in Annas 170 Quadratmeter großen Altbauwohnung zu schaffen, gab es nicht mal den Ansatz einer Diskussion. KUNST-Stück, die Wohnung war nahezu leer.

Markus Keibel und Anna Jill Lüpertz

Anna Jill Lüpertz: Als ich hier eingezogen bin, hatte ich nichts, außer ein Bett und ein Sofa.
Markus Keibel: Und ich brachte die Sachen mit, die noch fehlten. Das hat sich gut ergänzt.
MyStylery: Seid Ihr immer so harmonisch?
AJL: Meistens (lacht) Die Farrow & Ball-Tapete im Flur stammt noch vom Vorgänger. Wir haben sie dran gelassen, weil wir uns nicht auf eine neue Wandfarbe einigen konnten. Ich liebe Farben, wie die im Wohnzimmer, eine Mischung von alter Seide und DDR-Vorzimmer-Optik.
MK: Stimmt, jede Farbe wird diskutiert. Ich hatte mir wenigstens einen weißen Raum gewünscht. In der Küche konnte ich mich immerhin durchsetzen. Grundsätzlich hätte Anna gern mehr, ich eher weniger.

Rechts an der Wand die Neon-Installation ’I‘ von Pietro Sanguineti

MS: Mehr oder weniger wovon?
AJL: Ich liebe Krimskram, sogenannte Steh-Rümchen oder Staubfänger. Vasen zum Beispiel kann ich gar nicht genug haben. Markus räumt immer alles weg und denkt, ich merke es nicht. Ihm ist es wichtig, dass alles überschaubar, sauber und ordentlich ist.
MK: Mir geht Qualität vor Quantität. Und dass die Dinge eine Geschichte erzählen. Den Empire-Sekretär hat meine Großmutter nach Kriegsende mit dem Handwagen durch ganz Vorpommern gezogen. Der begleitet mich wie die Bananenpflanze schon mein ganzes Leben.
AJL: Die anderen Pflanzen haben wir zusammen angeschafft. Markus hat den grünen Daumen.

Zum elften Geburtstag portraitierte der große A.R. Penck Anna und schenkte ihr das Bild anschließend. Darunter die Hausbar auf einem antiken Nähtisch, in dem Anna heute noch Nadel und Faden aufbewahrt

MS: Was ist Euch beiden wichtig in Eurem Zuhause?
AJL: Das Bett ist für mich der wichtigste Platz. Hier arbeite ich, hier lebe ich. Und Bücher…
MK: …Genau. Unsere Bücher sind unser gemeinsames Sammelsurium. Wohnungen ohne Bücher finde ich befremdlich. Das ist auch ein Ausdruck von Lebensqualität.

Markus Großmutter zog den antiken Sekretär auf einem Handwagen nach Kriegsende über Hunderte von Kilometern

MS: Seid Ihr in Sachen Kunst immer einig oder gibt es da unterschiedliche Standpunkte?
AJL: Als ich Markus kennenlernte, hatte ich Angst, dass seine Kunst schlimmer Kram sein könnte. Ich habe ihn dann heimlich gegoogelt und war danach total erleichtert.
MK: Ich bin Konzeptkünstler, das ist das Gegenteil dessen, was Anna in ihrer Kindheit durch die Malerei ihres Vaters geprägt hat. Kunst ist eine Frage der Haltung, nicht des Geschmacks. BvH

Auf der Kommode Annas Vasen-Sammlung, darüber A.R. Penck: ‚Anna mit Pferd‘ von 1980. „Mein Pferd war in Wirklichkeit natürlich viel größer“, sagt Anna lachend

Über dem Sofa eine Tusche-Zeichnung von Peter Stauss. Rechts und darunter Skizzen von Annas Vater Markus Lüpertz

„Offensichtlich habe ich einen Bio-Fimmel“, sagt Anna über die gut bestückten ökologisch korrekten Regal-Inhalte ihrer Küche

Ein Geschenk von Annas Stiefmutter: Küchenstühle von Arne Jacobsen

An der Wand Familienfotos

Anna auf dem Balkon ihrer Wohnung in Berlin-Moabit

Im Flur verwahrt Anna die Reste der Glasmenagerie ihrer Großmutter: „Besonderes Mitleid habe ich mit dem ausgemergelten Tschernobyl-Rehkitz“, sagt Anna und grinst

Im Bücherregal ein kleines Aquarell, ein Geschenk von Annas Stiefmutter: „Sie sagt, so sehe ich aus, wenn ich Rotwein trinke.“

Kuschelecke im Schlafzimmer, darüber eine Zeichnung von Peter Stauss. „Links hängt ein alter Stich, den Markus überklebt hat. Eine frühe Arbeit“, erzählt Anna Lüpertz augenzwinkernd

Herrlicher Stuck, wohin das Auge in dieser schönen Altbau-Wohnung blickt

Im Schlafzimmer eine neue Arbeit von Markus Keibel: ‚Ultra Amnesia‘, Asche, Guasch, Pigment, Acryl auf Leinwand, 2015

James Lee Byars: ‚Brief an meine Mutter‘, darunter eine chinesische Kommode mit einer Keramik-Skulptur von Veronika Brovall

Auf dem asiatischen Schrank im Gästezimmer ein Bild aus dem Familienbesitz: Stillleben mit spanischen Frauen

Fotoarbeit von Robert Montgomery: ‚Forster-Fire-Poem‘ von 2014

In der Vitrine im Flur eine Arbeit von Markus Keibel: ‚Lampedusa‘. Die grafische Tapete dahinter stammt noch von der vorherigen Bewohnerin, der Schauspielerin Inga Busch

Schwarz auf Silber: Eine Arbeit von Markus Keibel. Ohne Titel, Acrylfarbe auf Aluminium. Den alten Esstisch entdeckte Markus in einer Kneipe, darüber eine Leuchte von Moooi

Die Skateboard-Sammlung von Markus Keibel, der als junger Skater an Europa-Meisterschaften teilnahm und heute noch fährt: „Die stehen hier nicht zur Zierde“, betont Anna lachend

Kontakt:

Anna Jill Lüpertz Gallery
Potsdamerstr. 98a
10785 Berlin
www.ajlgallery.com

Zur Berlin Art Week:

Tableau, 2000-2007, Artist Book by Pola Sieverding
am Mittwoch, den 16. September 2015
Potsdamerstraße 109 / Kurfürstenstraße 28, 10785 Berlin
von 20 bis 24 Uhr

Öffnungszeiten:
17./18./19. September, 12-22 Uhr
20. September, 12-18 Uhr sowie nach Vereinbarung

Aktuelle Ausstellung:
Der Falke glüht am Firmament – Eine Einzelausstellung von Harald Hermann
Ausstellungsdauer:
12. September bis 31. Oktober 2015

Öffnungszeiten:
Dienstag – Samstag 12 bis 18 Uhr und nach Vereinbarung

Sonderöffnungszeiten während der Berlin Art Week:
16. September 12 bis 21 Uhr
17. September 11 bis 21 Uhr
18./19. September 12 bis 19 Uhr
20. September 12 bis 18 Uhr

The post Besuch bei Galeristin Anna Jill Lüpertz appeared first on My Stylery.

Als Caspar Heinrich Graf von Sierstorpff 1782 die Heilquellen im westfälischen Driburg erwarb, tat er das in der Absicht, „einen Ort des ländlichen Vergnügens zu schaffen“.

Die Brunnenarkaden – erbaut 1804 – mit den heilenden Wasserquellen

Eigentlich träumte Annabelle Gräfin von Oeynhausen-Sierstorpff von einem Leben in der großen weiten Welt, nachdem sie ihr Studium der Kunstgeschichte in Berlin absolviert und für verschiedene Galerien und Museen gearbeitet hatte. Doch es kam anders: die in Pakistan geborene Kunsthistorikerin, die in Sevilla, Barcelona und Essen aufgewachsen war, verliebte sich und landete prompt im östlichen Westfalen. Hier, im beschaulichen Bad Driburg am Fuße des Teutoburger Waldes führt ihr Mann, Marcus Graf von Oeynhausen-Sierstorpff, die Geschäfte des Familienunternehmens in siebter Generation, bestehend aus 5 Reha-Kliniken, einer Mineralwasserquelle und dem „Gräflicher Park Hotel und Spa“ mit mehr als 1.500 Mitarbeitern. Annabelle, Mutter von drei Kindern, leitet im gräflichen Unternehmen die Unternehmenskommunikation. Und auch die Kunst kommt hier nicht zu kurz.

Annabelle Gräfin von Oeynhausen-Sierstorpff

MyStylery: Als Du hier angekommen bist, hatte Bad Driburg nicht gerade den Status eines Kunst-Mekkas…
Annabelle von Oeynhausen: (lacht)… nicht wirklich. Weshalb ich von meinen Freunden geradezu bemitleidet wurde. Heute ist das Gegenteil der Fall. In der von mir gegründeten Diotima Gesellschaft realisieren wir Kunst-Projekte und veranstalten Lesungen und Konzerte. Dafür brenne ich. Das neueste Projekt ist eine Aussichtsplattform im Irrgarten, von der Marcus meinte, dass wir dafür doch einen Tischler beauftragen können. Aber das lockt niemanden her. Mit Michael Sailstorfer konnten wir für den Entwurf einen internationalen Künstler gewinnen. Das kostet allerdings sehr viel und wäre ohne Fördergelder nicht realisierbar.

Blick in die Lobby

Moderne Architektur verbindet die historischen Logier-Häuser miteinander

MS: Lange Zeit wurde mit dem Gräflichen Park nicht Kunst sondern Kur auf Krankenschein assoziiert.
AvO: Tatsächlich war das damalige Niveau eher „Männer im Netzhemd mit Bierflasche“. Den Wandel brachte die Gesundheitsreform. Kururlaube auf Krankenschein gibt es seit 1995 nicht mehr und alle Kurbäder mussten sich umorientieren. Wir haben die gesamte Anlage vor acht Jahren komplett umgekrempelt, zurück zum gehobenen Niveau und den Gräflichen Park zum Hotel Resort mit Spa etabliert. Zwei Jahre war hier Großbaustelle. Und es gibt ständig etwas auszubessern. Man ist nie fertig.

2007 aufwendig renoviert, zählt das Vier-Sterne-Superior Hotel heute zu den führenden Spa Resorts ins Europa

Der 25 Meter lange Außenpools des 1.500 Quadratmeter großen Spa-Bereiches …

… in dem auch Gesichtsbehandlungen mit Beauty-Produkten von Clarins angeboten werden, wie hier in der Spa-Suite

MS: Was macht Euer Resort „Gräflicher Park Hotel und Spa“ so besonders?
AvO: Als Caspar Heinrich von Sierstorpff, der Vorfahr von Marcus, das Bad 1782 gründete, war es von Beginn an ein gehobenes Hotel, das unsere Familie nun seit 233 Jahren führt. Und es gibt selten Hotels in einem 64 Hektar großen Landschaftspark. Das ist doch ein Paradies! Mittlerweile zählt unser Resort, das beliebt ist für die F.X. Mayr-Kuren und den 1.500 Quadratmeter großen Spa, zu den besten Europas. Eine Dampfsauna im Keller macht noch lange kein Wellnesshotel.

Mehr als 30.000 Pflanzen werden alljährlich und in neuen Formationen gepflanzt, sowie 20.000 Stiefmütterchen

Der holländische Gartenkünstler Piet Oudolf schuf einen Stauden- und Gräser-Garten mit begehbaren Grashügeln für unterschiedliche Blickwinkel

In dem englischen Landschaftspark mit seinem teilweise von 1782 resultierendem Baumbestand sind zwölf Gärtner im Dauereinsatz

MS: Du bist nicht gerade der Typ Landpomeranze, der sich nahtlos in eine adelige Familie und deren spezielle Traditionen einfügt. Wie war das für Dich?
AvO: Es war schwer, hier anzukommen. Zumal wir anfangs abseits in einem Häuschen im Wald wohnten. Mir fehlte mein Großstadtleben. Inzwischen lebe ich sehr gern hier, liebe die Landschaft, die Natur und meinen Job. Das Socializing in der City würde ich heute kräftemäßig gar nicht durchstehen.

Neu gestaltet wurden die Zimmer im Sierstorpff-Haus mit modernen, floralen Tapeten und orange-grünen Farbakzenten

Das kuschelige Chinesen-Zimmer – mein Favorit!

Wie wäre es mit einem Spa-Wochenende im Gräflichen Park mit Unterkunft im „Roten Zimmer“? Für eine F. X. Mayr-Kur sollten jedoch mindestens zehn Tage eingeplant werden

MS: Du wolltest Dich anfangs beweisen und hast Dich sehr engagiert in den Familienbetrieb eingebracht. Mit Zugeständnissen?
AvO: Ich habe zehn Jahre ohne Unterbrechung gearbeitet. Als meine Tochter dann ins Internat ging, dachte ich, oh jetzt ist sie weg, ich habe sie verpasst. Ich habe mich daraufhin etwas zurückgezogen und mehr aufs Private konzentriert.

Das „Caspars Restaurant“ verwöhnt die Gäste mit internationalen Gerichten. Morgens wird hier das Frühstück serviert …

… bei gutem Wetter auch gern draußen auf der Terrasse

Die Speisekarte des Restaurants „Pferdestall“ bietet regionale Landhausküche

MS: Gibt es nichts, das Dich aus der Ruhe bringt? Du wirkst total tiefenentspannt.
AVO: (lacht) Oh doch! Zu Ostern stellte eine Mitarbeiterin massenweise Hasen auf, die so gar nichts Besonderes hatten und mir überhaupt nicht gefielen. Kreative Prozesse wie diese müssen mit mir abgestimmt werden. BvH

Beliebt ist der Gräfliche Park für Familienfeste. Bei Firmen für Tagungen, Produktpräsentationen oder Mitarbeiter-Incentives

In der Bar „Oscars“ kann man es sich am Kamin gemütlich machen

Im Gräflichen Park weilten schon vor 200 Jahren die Dichter Friedrich Hölderlin oder Annette von Droste-Hülshoff und genossen die Wirkung der Heil- und Mineralquellen – und die Natur

Sechs Logier-Häuser – jedes ist in einem anderen Stil eingerichtet – mit insgesamt 135 Zimmern

Seit über 230 Jahren ist der Gräfliche Park schon in Familienbesitz

Inmitten eines 64 Hektar großen englischen Landschaftsgartens …

… mit seinem alten Baumbestand, Teichen und einem Wildpark …

… liegt das Resort „Gräflicher Park Hotel & Spa“

Kontakt:
Gräflicher Park Hotel & Spa
Brunnenallee 1
33014 Bad Driburg

+49 5253 95230
www.graeflicher-park.de

The post Zu Besuch bei Annabelle Gräfin von Oeynhausen-Sierstorpff appeared first on My Stylery.

Im Esszimmer eine Arbeit von Haralampi G. Oroschakoff: Triptychon „Russland – Tod der Kleopatra – Byzanz“. Stühle: Amerikanische Kolonialzeit, Tisch: Frankreich 20.Jhd.

Wer die geräumige Altbauwohnung von Diana Gräfin Hohenthal und Haralampi Oroschakoff betritt, begibt sich auf eine Zeitreise und taucht ein in die Historie zweier Adelsfamilien: hier gibt es kaum einen Gegenstand, der nicht eine bedeutende Geschichte erzählt. Die in München geborene Gräfin, deren Familie im sechzehnten Jahrhundert von Kurfürst Friedrich Augst I. von Sachsen in den Reichsgrafenstand berufen wurde, wuchs in dem bayrischen Barock-Schloss Maxlrain auf. Der gebürtige Österreicher Haralampi entstammt dem altrussischen Adelsgeschlecht der Bojaren Haralamow, das sich bis ins elfte Jahrhundert zurückverfolgen lässt. Seit 15 Jahren leben die Galeristin und der international erfolgreiche Künstler – dessen Werke bei Prominenten wie Vicky Leandros, Jette Joop oder Prinzessin Firyal von Jordanien hängen – mit ihren Kindern in Berlin.

Die Galeristin Diana Gräfin von Hohenthal und Bergen und der Künstler und Autor Haralampi G. Oroschakoff in ihrer Berliner Altbauwohnung

MyStylery: Ihr liebt offenbar die Veränderung: Diese Wohnung ist bereits Euer drittes Zuhause in Berlin.
Diana v. Hohenthal: Die letzte Wohnung war zu klein, wir benötigten mehr Platz. Nun sind wir seit zwei Jahren hier und fühlen uns sehr wohl. Und wir sind dem Altbau treu geblieben, ein Neubau käme nie infrage.

Der Vintage-Versace-Sessel stammt aus der Versace Galerie in der Fasanenstrasse und wurde gegen Kunst getauscht. Vorbei an einer barocken Kommode geht’s ins Arbeitszimmer

MS: Woher beruht Eure Vorliebe für Altbauten?
DvH: Ich empfinde Neubau oft als zu steril, in einer puristischen Wohnung könnte ich nie leben. Da ich in einem Schloss mit 150 Zimmern aufgewachsen bin, brauche ich viel Platz, hohe Decken und Luft zum Atmen.

Das Bild „Attacke“ von Friedrich Fehr (1918), davor ein Schamanenstab aus Kasachstan vom Volk der Or´schak

MS: Haralampi, Du bist als Sohn eines Fabrikanten in Wien und Cannes großgeworden. Und Du verbringst auch heute noch die Hälfte des Jahres an der Cote d’Azur…
Haralampi G.Oroschakoff: Das Leben in Cannes und der Blick aufs Meer sind mein Lebenselixier. Dort unten entwickelt sich eine ganz andere Kreativität, was entscheidend mit dem Licht zutun hat. Cannes ist das Herzstück der ganzen Familie.

Der Kronleuchter im Esszimmer ist Wiener Art Deco

In der Oroschakoffschen Bibliothek sind die Wände traditionell rot gehalten. Art Deco-Sessel laden zum gemütlichen Schmökern ein

MS: Hier fallen einem die zum Teil orientalisch anmutende Einrichtung und die farbigen Wände sofort ins Auge.
HGO: Die Wände meines Arbeitszimmers sind immer Rot gehalten, Rot ist so inspirierend. Das Esszimmer ist Türkis und der Salon immer pfirsichfarben. Das war bisher in jeder unserer Wohnungen so…
DvH: Wir haben alles zusammengewürfelt, was wir hatten, darunter Erbstücke, wie die Barock-Kommode im Salon oder die Orientalischen Künstlerteppiche. So entstand dieser Mix aus alt und neu, modern und antik.

An der Wand: „Polis/Republikanische Gärten“ von Haralampi G. Oroschakoff (1992). Neben der Gründerzeit-Kommode mit Familienfotos ein Louis XVI-Stuhl

MS: Seid Ihr in Einrichtungsfragen immer einig?
HGO: Meistens. Wir haben allerdings unterschiedliche Auffassungen von Ordnung. Diana neigt zur Haufen-Bildung und findet das gemütlich…
DVH: …und bei Dir darf nichts verrückt werden, nicht mal der Aschenbecher.
HGO: Das verlangt mein inneres System (lacht).

Ein Bild der Südrussischen Schule (17. Jhd.): Schutzheiliger und Namensgeber des Gesamtgeschlechts der Bojaren Haralamov-Oreschak

MS: Dass in der Wohnung eines Künstlers viele Bilder an den Wänden hängen, überrascht nicht wirklich. Interessant ist, dass die Bilder größtenteils von anderen Malern stammen. Braucht man den Abstand zum eigenen Werk?
DvH: Nicht unbedingt. Es hängen ja einige von Haralampis Bildern, beispielsweise das Triptychon im Esszimmer: „Russland – Tod der Kleopatra – Byzanz“, das mir Haralampi geschenkt hat.
HGO: Die Bilder unserer Petersburger Hängung in der Küche sind Geschenke von Rosi Trockel, George Condo, Michel Würthle oder Pascha Pepperstein. Wir tauschen auch untereinander Bilder, als Zeichen des gegenseitigen Respektes und der Wertschätzung. Und das ist doch gut so, denn sonst blieben ja nur Abgrenzung und Intrigen (lacht).

Die Petersburger Hängung in der Küche beinhaltet Werke von Rosi Trockel, George Condo, Michel Würthle, Pascha Pepperstein und anderen

Haralampi auf seinem Stammplatz in der Küche bei der täglichen Trainingseinheit „Solitaire“: „Es gibt nichts Besseres für die Konzentration“.

MS: Worauf würdet Ihr bei der Wohnungsgestaltung nicht verzichten?
HGO: Als Schriftsteller wäre eine Wohnung ohne Bücher nicht akzeptabel. Es wird auch immer einen Platz für mein Lieblingsstück geben, eine russische Ikone, die die Geschichte des heiligen Haralampi – Charlampii – erzählt, nachdem die Oreschak-Nachkommen benannt wurden. Diesen Namen gibt es nur in meiner Familie.
DvH: Kunst muss sein. Kunstfreie Räume haben viel Trostloses. Merkwürdigerweise hängen Bilder oft viel zu hoch oder schief. Dabei ist es doch ganz einfach, ein Bild gerade zu positionieren: Ein Hammer, eine Wasserwaage und zwei Nägel. Fertig.  BvH

Licht-Reflektionen im Flur

Portrait Haralampi G. Oroschakoffs von seinem Freund, dem Berliner Dandy Michel Würthle (1995)

Portrait-Zeichnung Joseph Beuys von Andy Warhol (1989), ein Geschenk der Galerie Klüser

Oroschakoff ist auch ein Sammler

Über dem Noveau Art-Sekretär im Schlafzimmer das Bild „Polis“ von Haralampi G. Oroschakoff (1990)

Ein antiker, seidener Hochzeits-Kimono aus Japan über dem Bett im Schlafzimmer

Die Barock-Vitrine zeigt Orden, Abzeichen und Erinnerungen beider Familien, darauf ein Familien-Foto

Im Flur russische Ikonen und ein Blick ins Arbeitszimmer

Fas Foto zeigt das Haus in Cannes an der Cote d’Azur, dem Herzstück der Familie und eine Kreativ-Schmiede Haralampi G.Oroschakoffs

Kontakt:

www.hohenthalundbergen.de
www.oroschakoff.com

The post Zu Besuch bei den Oroschakoffs appeared first on My Stylery.