„Das Bild mit den Eisblasen ist auf dem See „Lake Abraham“ in Kanada entstanden. Trotz der Warnungen des Lodge-Besitzers bin ich auf den See mit seinem fast schwarzen Eis gegangen. Das Bild ist ziemlich abstrakt, könnte auch Popart sein“, erzählt Tom Jacobi

Es ist Gallery Weekend in Berlin! Bereits in der vergangenen Woche eröffnete der Hamburger Fotograf Tom Jacobi seine Ausstellung „Into the Light“ in der Charlottenburger Galerie SR Contemporary Art. Einige seiner großformatigen, schwarz-weiß Fotografien wurden vom Pariser Luxuslabel Hermès auf Seide gedruckt, was bislang einzigartig ist. Tom Jacobi war Modefotograf und Art Director des Magazins „Stern“. Seine Leidenschaft für das Fotografieren hätte er dabei fast verloren.

MyStylery: Glückwunsch zu Deinem Coup mit Hermès! Wie kam es dazu?
Tom Jacobi: Fotos auf Papier machen ja alle und so kam mir die Idee, auf Stoff zu drucken, da ich ja auch immer einen Bezug zur Natur suche. Seide war ein naheliegender Gedanke. Es folgten Gespräche und Tests und Hermès gab mir eine unverhoffte Zusage. Nun werden die Bilder auf Originalseide von Hermès in Frankreich produziert.
MS: Wie alt warst Du, als Du das erste Mal eine Kamera in der Hand gehalten hast?
TJ: 14 oder 15. Ich bekam eine Novoflex geschenkt und fotografierte die Katze auf dem Fensterbrett und Sonnenuntergänge.

Tom Jacobi: Peaceful Mind

MS: Kam Dir damals schon die Idee, Fotograf zu werden?
TJ: Erst mit 17, als ein Foto von mir in einem Buch veröffentlicht wurde. Es zeigte einen Kendo-Meister beim japanischen Schwertkampf. Ein Sport, den ich damals auch selber praktiziert habe. Wenn man zum ersten Mal ein Bild von sich auf Papier gedruckt sieht, das ist eine Magie, die ich heute noch spüre.
MS: Druckst Du private Fotos noch aus?
TJ: Oh ja, ich habe einen schweren Fehler gemacht, als ich meiner Frau zu ihrem ersten Geburtstag nach unserem Kennenlernen ein Fotoalbum geschenkt habe, mit selbst eingeklebten Fotos, kreierten Layouts und handschriftlichen Kommentaren. Seitdem bin ich dazu verdonnert, unser gesamtes Privatleben und Reisen in altmodischen Fotoalben zu dokumentieren. (lacht)

Tom Jacobi: Black Line

MS: Dein Vater war der legendäre Journalist Claus Jacobi, Chefredakteur von Spiegel, Stern und BILD-Zeitung. Hat Dich das davon abgehalten, selber in den Journalismus zu gehen?
TJ: Total. Ich hätte mich ja dem ständigen Vergleich ausgesetzt. Durch meine Freundschaft zu Sven Simon, dem Sohn von Axel Springer, kam ich nach Bonn und arbeitete dort in seiner Fotoagentur. Ich habe in erster Linie Politiker fotografiert, zum Beispiel Willy Brandt, Helmut Schmidt und Helmut Kohl. Später war ich als Fotograf für den „Stern“ unterwegs. Mit allen Risiken. Während einer Reportage im Iran hat man mich an die Wand gestellt und wollte mich erschießen, da ich für einen Spion gehalten wurde.
MS: War das der Grund, dass Du 14 Jahre lang gar nicht mehr fotografiert hast?
TJ: Nein, das entwickelte sich in meiner Zeit als Mode und Werbefotograf. Dieses kommerzielle Arbeiten und die Wünsche der Kunden, den Mantel von links oder doch lieber von rechts zu shooten, das Auto von oben oder unten, hat mir die Leidenschaft damals komplett ausgetrieben. Und was nützt ein gutgefülltes Bankkonto, wenn jede Kreativität flöten geht. Ich war damit einfach nicht mehr glücklich und habe sogar alle meine Kameras verkauft, weil ich überzeugt war, dass ich nie wieder fotografieren würde.

Tom Jacobi: The Majestic

MS: Jetzt bist Du wieder mit der Kamera unterwegs. Für die aktuelle Ausstellung „Into the Light“ sogar zwei Jahre rund um den Globus, zusammen mit Deiner Frau Kati.
TJ: Das war eine spannende Zeit, auch für uns als Paar. Wir sind wahnsinnig gern zusammen. Kati hat auch großen Einfluss auf das, was ich fotografiere. Sie ist mein Korrektiv. (lächelt) Man wird demütig, wenn man in der Weißen Wüste Ägypten unterwegs ist, dort mit zwei Beduinen campt, ohne sich groß um Sicherheit Gedanken zu machen. Im Nachhinein betrachtet war es riskant.
MS: Es kommt vor, dass Du fünf Stunden auf einer Klippe sitzt, um auf das richtige Licht zu warten. Was ist das richtige Licht, der richtige Moment?
TJ: Das kann ich nicht sagen. Es ist ein Gefühl. Meine Arbeit hat viel mit Geduld und Disziplin zu tun, oft warte ich tagelang auf den passenden Moment, obwohl ich die Motive zuvor ja sehr genau recherchiert habe.

Tom Jacobi und ich vor einem Foto in der Charlottenburger Galerie SRC, das eine riesige Salzwüste in Bolivien in 4.000 Meter Höhe zeigt: Nur während der Regenzeit steht das Wasser auf dem Salz und erzeugt damit diesen perfekten Spiegeleffekt

MS: Du bist häufig fernab von allem. Wie erträgst Du Stille?
TJ: Ich mag das sehr gerne. Stille kann nicht jeder aushalten. Ich wurde mal von einem Freund begleitet, der schon nach kurzer Zeit nervös wurde, was mich wiederum gestresst hat. In dem Moment habe ich beschlossen, niemanden mehr mitzunehmen. Ich bin da komplett eins mit mir, das hat etwas sehr Kontemplatives.
MS: Gab es auf Deiner Reise eine gefährliche Situation?
TJ: Als Fotograf ist man auch immer ein Jäger, der Risiken eingeht. In Island wollte ich zu einem Wasserfall, wobei ich mehrfach über vereiste Fläche gestürzt bin und einen Abhang runterrutschte. Eine Einöde ohne Handynetz oder die Chance, gefunden zu werden. Danach habe ich mir ein satellitengestütztes Notrufsystem zugelegt. Denn wegen eines gebrochenen Knöchels zu sterben, ist doch ziemlich unnötig. BvH

Ausstellung „Into the Light“

Bis 20. Mai sind die Arbeiten Tom Jacobis in der Galerie SR Contemporary Art, Niebuhrstraße 11a in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Kontakt Tom Jacobi

tomjacobi.de

Noch mehr zum Thema Kunst findest Du hier.

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Giovanni Battista Moroni: Portrait des spanischen Edelmannes Prospero Alessandri (ca. 1560)

Wien ist mir ja, wie Ihr wisst, immer eine Reise wert! Gerade zeigt die Albertina weit über einhundert herausragende Gemälde und Skulpturen aus den exquisiten Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein (bis 10. Juni) – prachtvolle Alte Meister von Rubens bis Makart. Ein guter Grund, die Donaumetropole zu besuchen. Für einen ersten Eindruck (und für diejenigen, die es nicht nach Wien schaffen) zeige ich hier eine Auswahl der schönsten Exponate.

Antico: Büste des Marc Aurel (ca. 1500)

Die prachtvollen Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein zählen mit jenen des britischen Königshauses zu den bedeutendsten und größten Privatsammlungen der Welt. Sie vereinigen imposante Skulpturen und Gemälde der Frührenaissance und des Barocks von Adriaen de Vries, Peter Paul Rubens und Anthonis van Dyck. Großartige Arbeiten der italienischen und französischen Künstler Giambologna aka Giovanni da Bolgna, Giovanni Antonio Canal genannt Canaletto und Hyacinthe Rigaud; Meisterwerke des Wiener Biedermeiers von Friedrich von Amerling und Ferdinand Georg Waldmüller sowie erlesene Gemälde der Hans Makart-Zeit.

Hans Makart: Der Tod der Kleopatra (1875)

Das ursprünglich österreichische Adelsgeschlecht derer Liechtenstein verfügte im Mittelalter in Niederösterreich und Mähren über umfangreiche Besitzungen. 1599 konvertierte Karl I. von Liechtenstein vom Protestantismus zum Katholizismus. 1608 wurde er in den erblichen Fürstenstand erhoben und legte damit den Grundstein für den Aufstieg des Hauses Liechtenstein. Anfang des 18. Jahrhunderts wurden die in verschiedenen fürstlichen Schlössern und Palästen aufbewahrten Sammlungen in das Wiener Stadtpalais gebracht.

Salviati: Portrait eines Mannes (ca. 1543-48)

Vor 300 Jahren, im Jahr 1719, erhob Kaiser Karl VI. die benachbarten Besitztümer Vaduz und Schellenberg zum Reichsfürstentum. Liechtenstein wurde ein eigenständiger Staat innerhalb des Heiligen Römischen Reiches. Ab 1807 ließ Johann I. von Liechtenstein die umfangreiche Bildergalerie vom Wiener Stadtpalais in das vor den Stadtmauern gelegene Gartenpalais überführen. 1810 machte das Haus Liechtenstein seine Sammlung der Öffentlichkeit zugänglich, fünf Jahre nach Herzog Albert, dem Gründer der Albertina.

Lucas van Valckenborch der Ältere: Der Blindensturz (nach 1568)

Schon ein Jahr davor kämpfte Fürst Johann I. von Liechtenstein an der Seite des Generalissimus Erzherzog Carl in der Schlacht von Aspern (1809). Er ließ diesen ersten Sieg gegen die Truppen Napoleons von Johann Peter Krafft in einem monumentalen Gemälde festhalten (heute als Dauerleihgabe der Fürstlichen Sammlungen in den Prunkräumen der Albertina).

Quentin Massys der Ältere: Die Steuereintreiber (ca. 1525-30)

Fürst Alois II. und sein Sohn Johann II. wurden im 19. Jahrhundert zu den größten Auftraggebern und Sammlern des Wiener Biedermeiers. Hunderte Gemälde von Waldmüller, Fendi, Amerling und Rudolf von Alt in den Wiener Sammlungen gehen auf Schenkungen Johanns II. zurück. Den Ersten Weltkrieg und das Ende der Habsburger Monarchie überstanden die Sammlungen des Hauses Liechtenstein unbeschadet. In den letzten Wochen des Zweiten Weltkriegs wurden sie in das neutrale Fürstentum Liechtenstein in Sicherheit gebracht.

Osias Beert der Ältere: Großes Stillleben mit Äpfeln, Trauben und Blumenvase (ca. 1600-20)

In den Zeiten wirtschaftlicher Bedrängnis und der Enteignungen nach der Teilung Europas in Ost und West wurden viele Gemälde veräußert, darunter Hauptwerke von Leonardo, Canaletto und Rubens. Erst unter Fürst Hans-Adam II. von und zu Liechtenstein wuchs die Sammlung wieder in einem beträchtlichen Umfang. Mit den schönsten und bedeutendsten feiert die Albertina im Palais Herzog Alberts und Erzherzog Carls, die mit dem Haus Liechtenstein einst so enge Beziehung pflegten, den 300. Geburtstag des Fürstentums.

Text: Albertina Wien

Ich vor dem Rubens-Bildnis seiner Tochter Clara Serena (ca. 1616)

…nochmal aus der Nähe…

Franz Jansz. van der Uyl: Frühstück mit Zinnkanne (1635) – Faszinierende Details wie hier die Silberschale und die Lichtreflexe der Kanne

Jan van Huysum: Blumen in einer Terrakottavase (ca. 1725) …man beachte die plastische Darstellung der Putten auf der Vase

Peter Paul Rubens: Venus vor dem Spiegel (ca. 1614/15) …und hier die Armspange der Venus sowie die Spiegelperspektive!

Anthonis van Dyck: Portrait einer Frau (1618) …beeindruckend, die Filigranität von Spitze und Schmuck…

Anthonis von Dyck: Der heilige Hieronymus (ca. 1615/16)

Roelant Savery: Blumenbouquet (1612)

Guiseppe Arcimboldo: Terra (Die Erde) ca. 1570

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder dieser Ausstellung: „Landschaft mit dem jungen Tobias“ von Jan Brueghel dem Älteren (1598). Selbst in der Tiefe des Bildes entdeckt man feinste Detail-Darstellungen

Adriaen de Vries: Der heilige Sebastian (ca. 1613/14)

Peter Paul Rubens: Jan Vermoelen (1616)

Anthonis van Dyck: Maria de Tassis (ca. 1629/30)

Fünf Jahrhunderte Kunstgeschichte

Gerrit Adriansz. Berckheyde: Der Marktplatz von Haarlem (1661)

Frans Snyders: Liegende Löwin (ca. 1620/30)

Blick in die Ausstellungsräume der Albertina, im Hintergrund „Kampf der Römer gegen die Sabiner“ von Sebastiano Ricci (ca. 1700)

Domenico Guidi: Büste der Maria Annunciata (ca. 1670)

Franz Eybl: Die Erdbeerverkäuferin von Hallstatt (1844)

Friedrich Wilhelm Schadow: Felix Schadow (ca. 1830)

Ferdinand Georg Waldmüller: Rosen (1843)

Franz Anton Zauner: Sitzstatue der Klio (1779) – im Hintergrund Werke von Batoni

Ferdinand Georg Waldmüller: Blumen in der Porzellanvase mit Leuchter und Silbergefäßen (1839)

Friedrich von Amerling: Prinzessin Maria Franziska von Liechtenstein (1836)

Kontakt Albertina:

albertina.at

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Claude Monet in der Albertina in Wien – noch bis 6. Januar 2019

Alljährlich widmet die Albertina in Wien einem großen Thema oder Künstler eine Sonderausstellung. Seit 21. September 2018 werden einhundert Werke des wohl berühmtesten Impressionisten Claude Monet in einer großen Retrospektive gezeigt. Es ist die erste umfassende Präsentation mit Gemälden von Claude Monet (1840-1926) in Österreich seit über 20 Jahren. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt aller Schaffensperioden Monets, vom Realismus und seinen ersten vorimpressionistischen Werken bis hin zu seinen letzten Gemälden, die er in seinem Garten in Giverny in der Normandie malte.

Seerosen, 1914-1917

Seine wohl berühmtesten Motive – die Seerosen – entstanden, als Monet nahezu erblindet war. Ähnlich wie der im Alter gehörlose Beethoven Musik komponierte, malte Claude Monet nach seinen Instinkten und Erinnerungen und folgte dabei seinem inneren Auge. Damit entwickelte er einen Malstil, bei der sich die Farben und das Licht allmählich vom Gegenstand lösen sowie das Motiv von der Naturdarstellung. Dieses Spätwerk Claude Monets wurde erst nach seinem Tod als Wegbereiter für die Malerei des abstrakten Expressionismus im 20. Jahrhundert anerkannt.

Der Rosenweg in Giverny, 1918-1924

Claude Monet steht wie kein anderer für die Malerei des Impressionismus. Der französische „Meister des Lichts“ malte am Meer, an der Steilküste der Normandie und an den Ufern der Seine. Monets Licht und Farben wechseln auf der Leinwand mit der sich stets verändernden Natur und den atmosphärischen Eindrücken. Um sie in ihrer Erscheinungsvielfalt zu erfassen, malte er viele seiner Motive in Serien. Dem bislang wenig untersuchten Farbkonzept und der leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Pflanzen- und Wasserwelt im Garten seines Landhauses bei Giverny widmet sich die Albertina in dieser monografischen Ausstellung. Die Exponate stammen teils aus den eigenen Beständen bzw. sind Leihgaben internationaler Museen und Privatsammlungen.

Ich vor Claude Monets „Trauerweide“ von 1918/1919

Für die Impressionisten – vor allem Claude Monet – habe ich mich schon immer begeistert. So war die Claude Monet-Ausstellung bei meinem letzten Wien-Besuch ganz oben auf der To-do-Liste. Es hat sich gelohnt, obgleich die Ausstellung mit keinen großen Überraschungen aufwartet. Für alle, die keine Gelegenheit hatten und haben, Claude Monet in der Albertina persönlich in Augenschein zu nehmen, zeige ich auf MyStylery 35 Bilder dieser umfassenden Schau, die noch bis zum 6. Januar in Wien zu sehen ist. BvH

Claude Monet in der Albertina

Die Portraits von Pierre Auguste Renoir zeigen Claude Monet lesend und rechts das Bildnis Madame Monets, beide um 1873

Quai du Louvre, 1867 – eines der Werke aus der vorimpressionistischen Ära Monets

Am Strand von Trouville, 1870

Der Landesteg, 1871

Das Seine-Ufer an der Brücke von Argenteuil, 1874

Wintermotive wie hier der „Schnee in Argenteuil“ (1874/1875) entstanden vorwiegend in der Zeit, als Claude Monet große, existentielle Probleme hatte und an der Armutsgrenze lebte

…dabei ist Schnee wohl nie so facettenreich dargestellt worden, wie von Claude Monet: „Eisenbahn im Schnee“ (1875)

Camille Monet mit Kind im Garten, 1875

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder: „Madame Monet mit rotem Kopftuch“ (1873)

Segelboot bei Petit-Gennevilliers, 1874

Eisgang, trübes Wasser, 1880

Raureif in Giverny, 1889

Pfad durch die Mohnblumen auf der Insel Saint-Martin, 1880

Die Kirche von Vétheuil, 1878

Apfelbäume, 1878

Blühender Obstgarten, Vétheuil, 1879

Frühling, Blick durch die Zweige, 1878

Segelboot im Abendlicht, 1885

Port-Coton, Löwenfels, 1886

Blick auf die Felsnadel durch die Porte d’Aval, 1886

Fischerhaus in Varengeville, 1882

Weg bei La Cavée, Pourville, 1882

Weiße Klematis, 1887

Pappeln am Ufer der Epte, 1891

Der Kolsas in Norwegen, 1895

Die Creuse bei Sonnenuntergang, 1889

Das Tal von Falaise, 1885

Portal und Albanturm in der Dämmerung, 1894

Houses of Parliament in London, Sonnenuntergang, 1900-1904

Seerosen, 1916-1919

Die japanische Brücke, 1918-1924

Und nach dem Kunstgenuss shop ‚til you drop: Einen der bestsortierten Museumsshops findet man in der Albertina

Info Claude Monet Ausstellung:

Albertina, Wien

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Pablo Picasso: „L’Atelier, 1927 -1929, Öl auf Leinwand

Anfang März ging eine der interessantesten Ausstellungen dieses Jahres zu Ende: Das MoMa – Museum of Modern Art New York – präsentierte einen Teil seiner Sammlung für fünf Monate in der ‚Fondation Louis Vuitton‘ in Paris. Darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Radierungen, Fotografien, Filme, digitale Werke, Installationen, Architektur- und Design-Objekte. Sie alle repräsentieren die vielfältigen Facetten der New Yorker Museumslegende, zu deren umfassender Sammlung mehr als 200.000 Werke zählen.

Paul Cézanne: Nature morte aux pommes (Stilleben mit Äpfeln), 1895 -1998, Öl auf Leinwand

Unter dem Titel „Etre moderne – le MoMa à Paris“ (Modern sein – das Moma in Paris) konnten die Besucher an die 200 Bilder, Skulpturen, Installationen und Filme, aufgeteilt in sechs Themenbereiche, des 20. und 21.Jahrhunderts bestaunen: Ein repräsentativer Querschnitt und eine Bandbreite an Kunst aus allen Dekaden der europäischen und amerikanischen Moderne. Darunter Werke der Künstler Cézanne, Calder, Picasso, Duchamp, Beckmann, Klimt, Kirchner, Kusama, Magritte, Hopper, Pollock, Brancusi, Signac und Warhol.

Edward Hopper: House by the railroad, (Haus an der Eisenbahn), 1925, Öl auf Leinwand. Dieses Bild des amerikanischen Künstlers Hopper war eines der ersten, mit dem das MoMa seine Sammlung startete

Außerdem widmete sich die Ausstellung der Geschichte des Museums selbst, das 1929 in Manhattan eröffnete, mit Alfred H. Barr als Gründungsdirektor und A. Conger Goodyear als Präsidenten. Mit im Board waren auch Josephine Boardman Crane und Paul Sachs. Dokumentiert durch zahlreiche Gegenstände, Fotografien und Architektur-Modellen, erhielt der Besucher Einblicke und Informationen über die Gründer, Mäzene und die anfänglich angemieteten Ausstellungräume des MoMa in einem Bürogebäude auf der Fifth Avenue. In Paris wurden die ersten Werke der Moderne, des Minimalismus und der Pop Art bis hin zu aktuellen digitalen Objekten gezeigt, von denen hier einige zum ersten Mal zu sehen waren.

Gustav Klimt: Die Hoffnung, II, 1907 – 1908. Öl, Gold und Platin auf Leinwand

Für mich war die Ausstellung „Etre moderne“ zudem eine gute Gelegenheit, mir endlich einmal das spektakuläre Gebäude der Louis Vuitton-Stiftung mit seiner faszinierenden Architektur anzusehen, die der Weltklasse-Architekt und Amerikaner Frank Gehry entworfen hat und die im eleganten Pariser Stadtteil Neuilly am Park ‚Bois de Boulogne‘ beheimatet ist. Für alle, die keine Gelegenheit hatten, diese einmalige Sammlung an Meisterwerken zu sehen, lasse ich auf MyStylery meine ganz persönlichen Highlights noch einmal Revue passieren. Viel Freude bei diesem Kunstgenuss!  BvH

Eine von insgesamt 4 Ebenen der Fondation Louis Vuitton in Paris, dem temporären Ausstellungsort des MoMa

Ernst Ludwig Kirchner: Straßenszene Berlin, 1913, Öl auf Leinwand

Henri Matisse: Goldfisch und Palette, 1914, Öl auf Leinwand

Pablo Picassos ‚Junge mit Pferd‘ (1905 – 1906, Öl auf Leinwand) war einer der Publikumslieblinge in der Pariser Schau

Paul Signac: Portrait des Monsieur Félix Fénéon, 1890, Öl auf Leinwand. Dieses Gemälde ziert auch das Cover des Ausstellungskatalogs

Sichtachse in den Ausstellungsräumen der Fondation Louis Vuitton

Salvador Dali: Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931, Öl auf Leinwand

René Magritte: Der falsche Spiegel, 1928, Öl auf Leinwand

Frida Kahlo: Selbstportrait mit kurz geschnittenem Haar, 1940, Öl auf Leinwand

Jackson Pollock: Echo, Nummer 25, 1951, Lackfarbe auf Leinwand

Mark Rothko: Nummer 10, 1950, Öl auf Leinwand

Die Stiftung Louis Vuitton wurde 2014 im Pariser Stadtteil Neuilly am Bois de Boulogne eröffnet auf Initiative von Bernard Arnault, dem Vorstandsvorsitzenden des französichen Luxusartikelkonzerns Moet Hennessy Louis Vuitton (LVMH)

Max Beckmann: Abfahrt, 1932. Öl auf Leinwand, 1933 -1935

Barnett Newman: Onement III, 1949, Öl auf Leinwand

Georgia O’Keeffe: Fenster und Tür eines Bauernhauses, 1919, Öl auf Leinwand

Andy Warhol: Campbells Soup Cans, 1962, Acryl auf 32 Leinwänden

Roy Lichtenstein: Ertrinkendes Mädchen, 1963, Öl und Acryl auf Leinwand

In der Fondation Louis Vuitton werden meist Werke des 20. Jahrhunderts gezeigt

Sessel mit Lichtinstallation im Hintergund

Joseph Beuys: Filzanzug, 1970

Christopher Wool: Untitled, 1990, Lackfarbe auf Aluminium

Gerhard Richter: September, 2005, Öl auf Leinwand

Cindy Sherman: Untitled Film-Stills, 1977 – 1980

Kerry James Marshall: Untitled (Club Szene), 2013, Acryl und Glitter auf ungedehnter Leinwand

Lichtsäulen des Museumsgebäudes spiegeln sich im Wasser

Das Modell der Fondation Louis Vuitton erinnert mit seinen gläsernen Dächern an Schiffssegel. Das von dem amerikanischen Stararchitekten Frank Gehry erbaute Privatmuseum umfasst elf Galerien auf 11.000 Quadratmetern Fläche

Eine beeindruckende Konstruktion aus Holz, Glas und Stahl …

…deren Scheiben den Lichteinfall brechen und nicht direkt in die Räume leitet

Es gibt verschiedene Außenterrassen…

…von denen man einen Blick auf die Silhouette von Paris hat

Trotz nasskalten Wetters war ich beeindruckt von dieser fantastischen Architektur

Im Inneren des Gebäudes gibt es ein Auditorium mit 400 Plätzen, das auch für Konzerte genutzt wird…

…sowie ein Café

Tipp: Tickets am besten online erwerben. Das erspart stundenlanges Anstehen

Übrigens: Architekt Frank Gehry nennt sein Bauwerk Glaswolke

Kontakt Fondation Louis Vuitton

fondationlouisvuitton.fr

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Die Albertina in Wien. Bis zum 7. Januar ist hier noch die großartige Raffael-Ausstellung zu sehen

Kunstfans müssen sich sputen: Nur noch bis zum 7. Januar 2018 ist in der Wiener Albertina die bis dato bedeutendste Ausstellung des italienischen Ausnahme-Künstlers zu sehen. Mit rund 130 Zeichnungen und 18 Gemälden versammelt die Schau sämtliche wichtigen Werke Raffaels: Von der frühen umbrischen Periode (bis 1504) über die Jahre des Florenz-Aufenthaltes (1504-1508) bis hin zur römischen Zeit (1508-1520) sind beeindruckende Arbeiten aus allen Schaffensphasen zu sehen. Sie sollen Raffaels penible Denk- und Arbeitsprozesse von ersten Ideenskizzen über Detail- und Kompositionsstudien bis hin zum endgültigen Gemälde erklären. Allein seine meisterhaften Zeichnungen machten ihn zu einem der größten Zeichner der Kunstgeschichte.

Die Madonna auf einer Steinbrüstung mit sitzendem Christuskind

Gemeinsam mit Leonardo da Vinci und Michelangelo – die er beide verehrte – bildet Raffael (1483-1520) das große Dreigestirn der Renaissance. Raffael, der 1483 als Raffaelo Santi in Urbino geboren wurde und mit nur 37 Jahren 1520 in Rom starb – gilt als ein wahres Universalgenie. Ob als Maler und Architekt in Florenz und Rom (u. a. als Bauleiter des Petersdoms) oder mit Auftragsarbeiten von Päpsten und Fürsten. Raffaels Zeichnungen wurden schon zu seinen Lebzeiten gesammelt und gelten wichtigen Sammlern auch heute noch als wertvollster Schatz. Der Gründer der Albertina, Herzog Albert von Sachsen-Teschen besaß allein über 50 Raffael-Zeichnungen.

Cecilie vor einem Modell en miniature: Die ausgemalten päpstlichen Gemächer des Vatikan-Palastes als Modell-Version geben eine Idee von Größe und Umfang einzelner Auftragsarbeiten Raffaels

Zahlreiche Werke aus der Sammlung der Albertina sowie Leihgaben weltberühmter Museen, darunter die Uffizien, der Louvre, die Vatikanischen Museen und die Royal Collection der britischen Königin Elizabeth II. lassen die Ausstellung zu einer der bedeutendsten überhaupt werden und veranschaulichen die Arbeit Raffaels, der in seinen Werken stets auf der Suche nach dem Gleichgewicht zwischen Naturnachahmung und Idealbild war.

Dieses um 1502/1503 entstandene Portrait eines Jünglings zählt zu den schönsten Portraitzeichnungen Raffaels

Die chronologisch angelegte Ausstellung ist, laut Albertina-Direktor Klaus Albrecht Schröder nach den Schauen über Van Gogh und Michelangelo, die dritt-teuerste in der Geschichte der Albertina. Und – wie ich finde – für jeden Kunstfan ein Must-See.  BvH

Besonders gelungen finde ich das rot-blaue Farbkonzept der Ausstellungsräume

Raffael zählt neben Leonardo da Vinci und Michelangelo zu den bedeutendsten Meistern der Kunstgeschichte

Portrait des bedeutenden Bankiers und Mäzens Bindo Altoviti im Alter von Anfang 20, das früher fälschlicherweise für ein Selbstbildnis Raffaels gehalten wurde

Raffaels Selbstportrait, das um 1506 entstanden ist

Detailreiche Rötelskizze der Cumäischen Sibylle

Die im Auftrag von Bindo Altoviti gemalte Madonna dell‘ Impannata: Das Gemälde wurde eigens für die Ausstellung restauriert, weshalb die Farben so ausdrucksstark leuchten. Allein für dieses Werk fertigte Raffael zahlreiche Skizzen und Entwürfe an, die ebenfalls in der Ausstellung zu sehen sind und einzigartig den kompositorischen als auch aufwendigen Arbeitsprozess dokumentieren

Kopf eines Cherubs (1509). Kohle auf Papier

Die Heilige Familie mit dem Lamm (1507). Öl auf Holz

Portrait eines ca. 14 jährigen Unbekannten. Öl auf Holz

Ich vor der Madonna mit Kind (1508). Allein die Tatsache, dass dieses Gemälde über 500 Jahre alt ist, finde ich schon bewegend

Albertina und die Raffael Ausstellung:

albertina.at

Mehr Wien-Tipps findest Du hier: Ein perfekter Tag in Wien,  Teil 1-3. Eine MyStylery-Serie

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Giganten aus Stahl: Die 200 Tonnen schwere Installation „Effondrement of Arcs“

Als ich kürzlich mit meinen Freunden, Kunstsammler und Mäzene aus Recklinghausen, ein Geburtstagswochenende in Südfrankreich verbrachte, kam es zu einer besonderen Begegnung: Ich lernte den französischen Künstler Bernar Venet kennen, einen der international herausragenden Bildhauer der Gegenwart. Seine monumentalen Stahlskulpturen zieren weltweit die Metropolen – von New York bis Paris. In Berlin steht seit 1987 der Stahlbogen „Arc de 124,5°“ an der Urania, ein Geschenk Frankreichs zur 750-Jahr-Feier der Stadt.

Wenn ich die kolossalen Stahlskulpturen Bernar Venets betrachte, stellt sich mir sofort die Frage, wie die einzelnen, tonnenschweren, ineinander verschlungenen Fragmente gebogen werden. Wohl kaum per Hand. Bernar Venets Antwort: „Mit dem Kran.“ Begleitet mich und Bernar Venet auf einen exklusiven Spaziergang durch seine Kunststiftung in der Provence.

In der ehemaligen Fabrikhalle sind frühe Werke von Bernar Venet aus den Jahren 1961 bis 1966 zu sehen, Bilder und Reliefs von 1976-1984 sowie die „Indeterminate Surfaces“, die zwischen 1995 und 1999 entstanden sind

Vor drei Jahren gründete Bernar Venet, der sich 1963 entschloss, das „d“ aus seinem Vornamen zu streichen, seine Stiftung. Das künstlerisches Refugium des Bildhauers, der neben Pierre Soulages, Martial Raysse oder Robert Combas zu den Nachkriegskünstlern Frankreichs mit den höchsten Auktionsergebnissen zählt, liegt abseits vom Trubel der Côte d’Azur in Le Muy, einem kleinen Ort oberhalb von Cannes und Saint-Tropez.

„Ich arbeite 28 Stunden täglich, neun Tage die Woche“, sagt Bernar Venet, der 1977 auf der Documenta in Kassel ausstellte und im Jahr drauf auf der Bienale in Venedig

Auf dem Gelände einer ehemaligen Fabrik und einer Wassermühle aus dem 16. Jahrhundert fand Bernar Venet einen Ort, der es ihm ermöglichte, drei Dinge zu verbinden: Erstens seine gigantischen Arbeiten in einer hangarartigen Halle und einem Skulpturenpark auszustellen. Zweitens seine bedeutende, minimalistische Kunstsammlung erstmals öffentlich zu zeigen. Und drittens so große Formate zu produzieren wie noch nie zuvor.

Meine Gastgeber Bernar und Diane Venet

Bernar Venet und seine Frau Diane haben es sich mit der „Venet Foundation“ zur Aufgabe gemacht, auch Arbeiten anderer befreundeter Künstler wie Donald Judd, Sol Lewitt, Dan Flavin der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und zu zeigen. Auf unserem Spaziergang durch das fünf Hektar große Anwesen, das er 1989 kaufte, schlendern wir vorbei an Arbeiten von Anthony Caro, Carl Andre, Richard Long, Tony Cragg, Tony Smith, Philip King, Robert Morris, Larry Bell and Ulrich Rückriem – und der Kapelle, die Frank Stella für den Skulpturenpark baute und mit Reliefs aus Metallfragmenten ausstattete.

2017 wird zudem der US-Künster Fred Sandback mit der Einzelausstellung „Pedestrian Space“ geehrt. Und gelegentlich wird die Sammlung Bernar Venets um neue Exponate ergänzt. Wobei das größte Werk im Park von Venet selbst geschaffen wurde: eine 200 Tonnen schwere Skulptur aus Stahlbögen, die übrigens nicht das Ergebnis einer mathematischen Berechnung sind, sondern dem Zufall folgen. Da stehe ich also, tauche ein in die südfranzösische Landschaft, lausche dem Rauschen des Flusses Endre, bemerke das Zirpen der Grillen und kann meinen Blick nicht abwenden von diesen Giganten aus Stahl.  BvH

In der Fabrik erschließen sich dem Besucher immer wieder überraschende Sichtachsen

Besuch der Bernar Venet-Stiftung:

Geführte Touren werden im Sommer (bis 15. September) Donnerstagnachmittag und ganztägig Freitag angeboten. Dauer der Führungen ca. 1,5 Stunden. Nur mit Online-Voranmeldung zu vorgegebenen Terminen möglich. Eintritt 15 Euro. Weitere Informationen unter venetfoundation.org.

Die Einzelausstellung 2017:

In der Galerie wird 2017 die Einzelausstellung „Pedestrian Space“ des US-Künstlers Fred Sandback gezeigt …

… der Blick aus der Galerie gibt den Blick frei auf die monumentalen Arbeiten Bernar Venets

Der Skulpturenpark:

Blick auf die ehemalige Fabrik, die heute Zentrum der Bernar Venet Stiftung ist – davor Arbeiten des Künstlers

Der Pool im Park ist ein Entwurf des befreundeten Künstlers François Morellet von 2008

„Jede meiner Arbeiten beginnt mit einem 30 bis 40 Zentimeter großen Modell. Daran sehe ich, was künstlerisch interessant ist. Ich suche Aspekte, die es vorher noch nicht gegeben hat und wie ich damit die Grenzen der Bildhauerei ein wenig verschieben kann.“

Palmen und Pinien bilden den Rahmen für die Skulpturen und die ehemalige Fabrik. Venet, der fast fünf Jahrzehnte in New York lebte, bezeichnet seine Grundkonzeption als „unbestimmte Linien“

Eingebettet in eine romantische Parklandschaft im Süden Frankreichs …

… liegt die Mühle aus dem 16. Jahrhundert, die Teile der Sammlung Bernar Venets enthält sowie seine Privaträume

Sorgt für kräftiges Rauschen: Die Endre, ein 29 Kilometer langer Fluss in der Provence. In dem kleinen Ort Le Muy erstreckt sich zu beiden Uferseiten der fünf Hektar große Park der Bernar Venet Stiftung

Ein Tunnel mit „Aha-Effekt“: Durch den hallenden Gang aus rostrotem Corten-Stahl gelangt der Besucher über den Fluss Endre, der an der fünf Hektar großen Parkanlage entlangrauscht

Der Tunnel von innen: „Wenn die Sonne im richtigen Winkel steht, glitzern im Inneren Hunderte Lichtsprenkel“, beschreibt Bernar Venet die von Löchern durchsiebten Wände

Im Atelier von Frank Stella begeisterten Bernar Venet sechs imposante Wandreliefs: „Ich hatte einen Riesenrespekt vor ihm, er war schon damals ein Gigant. Ich habe eine Zahl auf einen Zettel geschrieben, Stella addierte 40 Prozent, und ich kratzte die Summe innerhalb eines Jahres zusammen.“

Jetzt sind die Reliefs Teil dieser Kapelle im Skulpturenpark und Stella der beste Freund Venets

„Die Sammlung repräsentiert die Geschichte unserer Leben“, sagt Venet über die hier gezeigten Werke – seine eigenen und die seiner Künstlerfreunde, die allesamt unverkäuflich sind

„Es gibt viele Menschen, die den Zugang zur Kunst erst im öffentlichen Raum erleben und mit Freude entdecken, was zeitgenössische Kunst ist und kann.“

Ein Neuzugang: Dieses Kunstwerk wird seinen Platz im Skulpturenpark noch finden

Larry Bell: Something Green, 2017, Laminiertes Glas, 244 x 1219 x 244 cm

Robert Morris: Labyrinth, 2012, Maschendrahtzaun, 213 x 1371 x 427 cm

Ein Werk aus Eisenketten des mittlerweile verstorbenen, französischen Künstlers Arman, einem engen Freund Bernar Venets – im Hintergrund die Mühle aus dem 16. Jahrhundert

Giganten aus Stahl: Das größte Werk im Skulpturenpark stammt von Bernar Venet selbst

Die Baumstämme werden in China mit einer Bleilegierung gefertigt, jeder ist sechs Tonnen schwer. Seine Werke werden aber auch in Frankreich und Ungarn produziert

Es ist angerichtet: Ein Lunch mit Freunden an einem perfekten Sommertag in Südfrankreich

Bernar et moi: Merci beaucoup!

Kontakt Bernar Venet:

bernarvenet.com

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Judith Milbergs Ausstellung „Aus der Mitte“ ist vom 18. Juli bis 10. August 2017 in der Hypo Vereinsbank, Leibnizstraße 100 in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Betrachtet man die Bilder der Münchener Künstlerin Judith Milberg, wandelt das Auge über feinziselierte Linien, die sich in Farbklecksen begegnen und von dort in pudrigen Farbverläufen wie Spinnenfäden fantastische Gebilde umkreisen. Man assoziiert Blüten, Äste, Früchte, Kristalle, Krebsscheren, Steine, Pusteblumen, Fabelwesen aus Unterwasserwelten. An Spitzendeckchen denke ich erst einmal gar nicht. Aber genau die verwendet Judith Milberg in den Werken ihrer aktuellen Ausstellung „Aus der Mitte“, die zunächst in München gezeigt wurde und ab dem 18. Juli in der Berliner HypoVereinbank zu sehen ist.

Das künstlerische Multitalent Judith Milberg erklärt ihre Werke gestikulierend mit Händen und – wenn’s sein muss – mit ganzem Körpereinsatz

MyStylery: Judith, was war der Impuls, Spitzendeckchen in Deinen Bildern zu verwenden?
Judith Milberg: Ich liebe die übersehenen, aus der Zeit gefallenen Dinge und ganz besonders gefällt mir die Philosophie der Spitzendecke: Aus einer Masche entwickelt sich eine komplexe, symmetrische Form, die den Gesetzen der Natur folgt, von einer Blume bis hin zum Universum.
MS: Mit derartigen Deckchen hatte meine Großmutter ihr Küchenbüffet dekoriert, was wir als Kinder belächelten.
JM: Ja, und das interessiert mich darüber hinaus. Das Handwerk, die Tradition und was ist die Geschichte dahinter. Mich interessieren generell alle handwerklichen Techniken, ich beherrsche auch sehr viele. Nur Schweißen kann ich nicht. Aber ich lerne es diesen Sommer. (lacht).

Die Gemälde von Judith Milberg faszinieren durch die Fülle und Vielfalt ornamentaler und floraler Motive

MS: Seit vielen Jahren sammelst Du Gegenstände, die in Deinen Bildern und Objekten Verwendung finden. Bei Dir hat selbst die ordinäre Plastik-Fliegenklatsche eine Chance.
JM: Die Kunst liegt darin, die Schönheit und Poesie der Gegenstände zu erkennen, ich transformiere sie dann in meiner künstlerischen Arbeit. Es ist meine Liebe und Affinität für das scheinbar Banale, das mich treibt, diese Dinge zu sammeln.
MS: Du hörst Farben und siehst Töne: Wann hast Du festgestellt, dass Du Synästhetikerin bist?
JM: Schon als Kind, nur kannte ich den Begriff dafür nicht. Ich dachte, alle sehen so. Für mich ist der Buchstabe ‚P‘ ein Taubenblau, ‚A‘ ein Dunkelblau und ‚U‘ ist Gelb. Auch beim Hören von klassischer Musik schießen mir die Farben in den Kopf. Darum kann ich beim Malen keine Musik hören. Ich glaube, dass das auch der Grund ist, weshalb ich meinen Bildern keine Titel geben kann. Ich finde dafür einfach keine Worte.

Im Arbeitsprozess überlagert und abstrahiert die Künstlerin Strukturen in vielen Schichten und verschmilzt sie miteinander zu poetisch-surrealen Werken

MS: Woran möchtest Du mit Deiner Kunst gemessen werden?
JM: Ich möchte als Künstlerin wahrgenommen werden, die unabhängig von Trends arbeitet. Ich bin sehr froh, mit meinen Bildern den ersten Schritt in die Öffentlichkeit gegangen zu sein und dankbar, dass die Menschen meine Bilder mögen und mit mir darüber sprechen wollen.
MS: Du malst seit vielen Jahren. Warum zeigst Du Deine Bilder erst jetzt?
JM: Ich wollte mir ganz sicher sein, zu wissen: Ich bin soweit. Das bin ich jetzt.  BvH

40 neue Gemälde und Arbeiten auf Papier umfasst die Berliner Ausstellung von Judith Milberg

Über Judith Milberg:

Geboren in München, studierte Judith Milberg Kunstgeschichte, Ägyptologie und Kommunikationswissenschaften. Noch während des Studiums gründete sie ihre Firma für Kunst-Management, kuratierte Ausstellungen, gab Bücher heraus und archivierte private Kunstsammlungen. Darüber hinaus konzipierte und realisierte Judith Milberg zahlreiche Kunst- und Kulturprojekte für Wirtschaft, Museen und Kultureinrichtungen. Es folgten Tätigkeiten als Autorin, Designerin und TV-Moderatorin. Mit Gemälden und Arbeiten auf Papier stellt sich nun die Künstlerin zum ersten Mal öffentlich vor.

Häufig verwendet Judith Milberg Acryl, Linolfarbe, Tusche, Spray und Kreide auf Leinwand

 In Judith Milbergs Atelier:

Judith Milberg: „Ich möchte Menschen anregen, Außergewöhnliches auch im scheinbar Unsichtbaren zu entdecken“.

Atelierbesuch in München-Nymphenburg: Hier entstehen die Arbeiten Judith Milbergs

Judith Milberg zeigt mir ihre Fundstücke, die oft in ihren Werken Verwendung finden, wie dieses Schatzkästchen mit alten Stiften

Auf langen Regalmetern verwahrt Judith Milberg ihre Raritäten

Oft sind es skurrile Alltagsfundstücke – wie dieser verrostete Spachtel – die Judith Milberg manisch sammelt und die sie inspirieren

Kontakt Judith Milberg:

judithmilberg.de

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Haralampi Oroschakoff in seinem Atelier …

Das Atelier des Künstlers Haralampi Oroschakoff liegt in einem 30er Jahre-Gebäude eines Industrieviertels im Berliner Westen. Obwohl ich den gebürtigen Österreicher  schon seit vielen Jahren kenne, ist dies mein erster Besuch in dem knapp 300 Quadratmeter großen Atelier, durch dessen bodentiefe Fenster der Blick auf eine Kleingartensiedlung fällt und das Licht hinein in die loftartigen Räume, in denen die großformatigen Bilder Oroschakoffs entstehen. Der bekennende Wiener entstammt dem altrussischen Adelsgeschlecht der Bojaren Haralamow-Oreschak, das sich bis ins elfte Jahrhundert zurückverfolgen lässt. Seit 16 Jahren lebt der international erfolgreiche Künstler  zusammen mit seiner Frau, der Galeristin Diana Gräfin von Hohenthal und Bergen und den gemeinsamen Kindern in der Hauptstadt. Seine Werke hängen bei Prominenten wie Vicky Leandros, Jette Joop oder Prinzessin Firyal von Jordanien. Trotzdem war sein künstlerischer Werdegang immer auch ein Kampf um Anerkennung.

… das in einem 30er Jahre-Gebäude eines Industrieviertels im Berliner Westen liegt

MyStylery:  Das Atelier eines Künstlers assoziiert automatisch den Gedanken an kreatives Chaos. Ich bin erstaunt, wie aufgeräumt es bei Dir ist, es ist geradezu wohnlich …
Haralampi G. Oroschakoff: Das Atelier ist für mich nicht nur Denkfabrik, sondern der letzte Ort, an dem persönliche Freiheit möglich ist. Ich muss mich außerdem wohlfühlen, weshalb die Räume nicht auf die reine Zweckmäßigkeit reduziert sind.

Im Hintergrund des Büros an der Wand lehnend das Bild „Wanderer – Am Morgen vor der Enthauptung der Strelitzen“, 1997

MS: Wofür steht das Initial ‚G‘ in Deinem Namen?
HGO: Georgijewitsch.
MS: Dein Vater war ein erfolgreicher Stahl-Fabrikant in Wien, wo Du Teile Deiner Kindheit verbrachtest. Du hättest in seine Fußstapfen treten können.
HGO: Mein Vater hat nie den Verlust des russischen Imperiums und den Fall der Aristokratie verwunden. Ich sollte die Fabrik übernehmen, aber nach einem Jahr war klar, dass das nichts für mich ist. Ich habe oft verschlafen und fand’s auch amüsanter, mittags essen zu gehen, anstatt auf die Baustellen zu fahren. Mein Vater war zudem Mathematiker und Statiker, er baute beispielweise den Franz-Josef-Bahnhof in Wien. Ich hingegen war ein wahnsinnig schlechter Schüler, der aus zehn Internaten geflogen ist.
MS: Hat Dein Vater Dich das spüren lassen?
HGO: Er sprach nie mit mir, sondern nur zu mir. Sogar als ich 1988 auf der Biennale ausstellte, blieb er unversöhnlich. Erst als ich 1990 von Forbes als Newcomer-Star neben Jeff Koons und Franz West gelisted wurde, die Preise der Bilder jeweils daneben und gleichzeitig deren Wertsteigerung, verstand mein Vater und kam sogar mal zu einer Ausstellung nach Belgrad.

An der Wand im Büro Plakate von Haralampis Ausstellungen

MS:  Das muss sehr traurig für Dich gewesen sein, als junger Mensch keinerlei Anerkennung zu erfahren.
HGO: Als Kind war ich ein schweigendes, in sich gehendes Kraftpaket. Ich habe vieles durch Sport kompensiert, habe Tennis gespielt, bin geritten, später Oldtimer-Rallyes gefahren. Und ich habe gemalt. Zeichnen war für mich denken mit dem Bleistift.

Haralampis Ur-Ur-Großvater war der Königliche Regent von Serbien. Links die Arbeit „Different Worlds (17)“ von 2013; Rechts „Different Worlds (30)“, 2014

MS: Warum hast Du die Wiener Kunstakademie nach nur drei Monaten abgebrochen?
HGO: Das waren zu starre Strukturen. Dogmen und Ideologien habe ich immer gehasst. Es ist eine innere Ambivalenz in mir. Als Künstler muss ich Dinge zerstören, um etwas Neues zu schaffen. Eigentlich habe ich meine Karriere dreimal selber beschädigt.
MS: Wie meinst Du das?
HGO: In den 80ern hatte ich die mediale Aufmerksamkeit, die man braucht, um als erfolgreich zu gelten. Das hat mir nicht gereicht und ich glaubte, mich in den 90ern mit Osteuropa auseinander setzen zu müssen, auch als Hommage an meine Wurzeln. Zur Jahrtausendwende ging ich nach Berlin. Meine Galeristen haben diese Entscheidungen allerdings nicht mitgetragen. Es war jedes Mal ein neuer Anfang.

„Es gibt kaum noch wahre Persönlichkeiten. Heute ist alles Konsum und verbale Gleichmacherei.“

MS: Die extreme Lebensweise und die Provokation scheinen Teile Deiner Persönlichkeit zu sein.
HGO (lacht): Der Dandy und Aristokrat haben die Kunstszene immer irritiert, allein schon durch sein Erscheinen. Ich habe das auch stets gepflegt, inklusive Saufgelagen und Prügeleien. Aber immer mit der notwendigen Eleganz.
MS: Jahrelang war die ‚Paris Bar‘ in Berlin Dein zweites Wohnzimmer. Heute scheinst Du eher brav zu sein. Fehlt Dir da was?
HGO: Sagen wir’s so: Ich habe dem Wodka weitestgehend Adieu gesagt. I’ll come back.
MS: Du bezeichnest Dich selber als Familienmenschen. Ist die Familie gerade nach Deinen eigenen Kindheitserlebnissen so wichtig für Dich?
HGO: Ich sehe mich als „Vorletzter“ in der Familienreihe, also muss ich verstärkt die gelebte Tradition in die nächste Generation tragen. Dazu gehört nicht nur Freundschaft und Respekt, Ehrgefühl und Verantwortung. Ich wünsche mir auch, dass meine Kinder später einmal mein Werk bewahren. BvH

Argo 3, 2012

Mit der Doppelkreuz-Serie gelang Haralampi G. Oroschakoff der internationale Durchbruch. Mit dem historischen Sachbuch „Die Battenberg Affaire“ machte sich Oroschakoff auch als Buchautor einen Namen

Malerei, Zeichnungen und Texte sind für Haralampi Oroschafkoff heute gleichwertige Ausdrucksmittel. Hier die Arbeit „Different Worlds (31), 2014

Haralampi Oroschakoff: Ein Dandy in der Kunstszene, der zum Arbeiten lautstark Rockmusik von Lou Reed und Metallica aufdreht

Haralampi Oroschakoff: I’ll come back

Während in dem Berliner Atelier die großformatigen Werke Haralampi Oroschakoffs entstehen, malt er auf dem Familiensitz in Cannes Aquarelle: „Mit Blick aufs Meer und einem unfassbar schönen Licht.“

Ein wahrer Grandseigneur: Haralampi Oroschakoff spricht Russisch, Französisch, Englisch, Bulgarisch – und Wienerisch

Kontakt:

www.oroschakoff.com

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Der Kreuzberg bei Krumau, 1910

Bei meinem letzten Besuch in Wien habe ich mir die derzeitige Sonder-Ausstellung des Malers Egon Schiele angesehen. Die Wiener Albertina verfügt über eine der größten Schiele-Sammlungen überhaupt. Zum Auftakt des Gedenkjahres 2018, in dem sich der einhundertste Todestag Schieles jährt, zeigt die Albertina nun eine umfassende Ausstellung aus ihrem Bestand von Egon Schieles Werk. Präsentiert werden 180 seiner schönsten Gouachen und Zeichnungen, die sich mit Themen wie der existenziellen Einsamkeit des Menschen im drastischen Gegensatz zu den Wertvorstellungen der Gesellschaft des Fin de Siècle auseinandersetzen.

Selbstbildnis mit Pfauenweste, 1911

Neben seinen Erinnerungen an die Zeit im österreichischen Krumau und diversen Selbstbildnissen beinhaltet die Schiele-Ausstellung  zahlreiche Darstellungen von Kindern und Akte junger Mädchen. Die Kinder stammten von der Straße, aus dem Arbeiter-Milieu und Schiele inszenierte sie in seinen Bildern wie „ästhetisches Material“, nicht als idealisierte Form der Erotik. Obgleich erstaunlich viele Künstler seiner Zeit – darunter die Maler Oskar Kokoschka und Gustav Klimt – dem Ideal der Kindfrau huldigten. Meiner Meinung nach hat diese Art der Darstellung eher etwas Verstörendes.

Sitzender Mädchenakt, 1911

Gleichzeitig offenbaren sich in Schieles Zeichnungen das Leid und die widrigen Lebensumstände der armen Bevölkerung im 19.Jahrhundert. Seine Bilder sind nicht gefällig, sondern gehen weg von der Ästhetik des Schönen hin zum Hässlichen. Während Schiele als Teil der künstlerischen und geistigen Elite der Wiener Jahrhundertwende betrachtet wird, folgt die Inszenierung der Ausstellung in der Albertina einem anderen Prinzip: Große, im Raum schwebende Fotografien konfrontieren die radikalen Arbeiten des Künstlers mit der Realität seiner Umwelt. Sie bilden den realen Hintergrund, der die Diskrepanz zwischen dem Schaffen Schieles und der ihn umgebenden Gesellschaft verdeutlicht. Und das ist in gleichem Maße beeindruckend wie schockierend. BvH

Über Egon Schiele:

Egon Schiele wurde 1890 im niederösterreichischen Tulln geboren. Schon früh zeigte sich sein malerisches Talent und er wurde 1906 – mit gerade 16 Jahren – an der Wiener Akademie der bildenden Künste aufgenommen. Nach zwei Jahren verließ Schiele die Akademie – enttäuscht vom starren Akademiealltag – und gründete mit einigen Kommilitonen die Wiener Neukunstgruppe. 1911 ging er von Wien nach Krumau, zusammen mit seinem wohl bekanntesten Modell, der damals 17Jährigen Wally Neuzil. Es begann eine künstlerisch überaus produktive Periode. Die Altstadt Krumaus wurde zu Schieles beliebtesten Motiv. Sein Lebensstil wurde jedoch wegen der „wilden Ehe“ mit Wally als anstößig empfunden. Die Besuche von Kindern in Schieles Atelier brachten ihn wegen angeblichen Missbrauchs für 24 Tage in Untersuchungshaft.

1912 kehrte er nach Wien zurück. Dank seines Gönners und väterlichen Freunds, dem Maler Gustav Klimt konnte er sich schnell in Wien re-etablieren und feierte in der österreichischen Kunstszene erneut große Erfolge. 1915 heiratete Schiele seine langjährige Freundin Edith Harms. Edith verlangte von Schiele den Bruch mit Wally Neuzil, dem er schweren Herzens nachkam. 1918 wurde Egon Schiele die 49. Ausstellung der Wiener Secession gewidmet, in der er 19 große Gemälde und 29 Zeichnungen ausstellte. Gegen Ende des I. Weltkrieges wurde die österreichische Hauptstadt von der Spanischen Grippe überrollt. Edith Schiele, im sechsten Monat schwanger, erlag dieser Krankheit im Herbst 1918. Schiele hatte sich angesteckt und verstarb nur drei Tage später mit erst 28 Jahren.

Sonnenblumen, 1911

Stehendes Mädchen, 1910

Blondes Aktmodell auf einem braunen Tuch, 1912

Triestiner Fischerboot, 1912

Alte Häuser in Krumau, 1914

Alte Giebelhäuser in Krumau, 1917

Edith Schiele, 1915 …

… und ihre Schwester Adele Harms

Weiblicher Akt

Liegender Frauenakt mit gespreizten Beinen, 1914

Drei Mädchen, 1911

Plakat der 49. Ausstellung der Secession, 1918

Anton Josef Trcka: Egon Schiele in Pose, 1914

Egon Schiele in der Albertina

„Zwischen Moderne und Tradition“: 22. Februar bis 18. Juni 2017

Kontakt Albertina:

albertina.at

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