„Das Bild mit den Eisblasen ist auf dem See „Lake Abraham“ in Kanada entstanden. Trotz der Warnungen des Lodge-Besitzers bin ich auf den See mit seinem fast schwarzen Eis gegangen. Das Bild ist ziemlich abstrakt, könnte auch Popart sein“, erzählt Tom Jacobi

Es ist Gallery Weekend in Berlin! Bereits in der vergangenen Woche eröffnete der Hamburger Fotograf Tom Jacobi seine Ausstellung „Into the Light“ in der Charlottenburger Galerie SR Contemporary Art. Einige seiner großformatigen, schwarz-weiß Fotografien wurden vom Pariser Luxuslabel Hermès auf Seide gedruckt, was bislang einzigartig ist. Tom Jacobi war Modefotograf und Art Director des Magazins „Stern“. Seine Leidenschaft für das Fotografieren hätte er dabei fast verloren.

MyStylery: Glückwunsch zu Deinem Coup mit Hermès! Wie kam es dazu?
Tom Jacobi: Fotos auf Papier machen ja alle und so kam mir die Idee, auf Stoff zu drucken, da ich ja auch immer einen Bezug zur Natur suche. Seide war ein naheliegender Gedanke. Es folgten Gespräche und Tests und Hermès gab mir eine unverhoffte Zusage. Nun werden die Bilder auf Originalseide von Hermès in Frankreich produziert.
MS: Wie alt warst Du, als Du das erste Mal eine Kamera in der Hand gehalten hast?
TJ: 14 oder 15. Ich bekam eine Novoflex geschenkt und fotografierte die Katze auf dem Fensterbrett und Sonnenuntergänge.

Tom Jacobi: Peaceful Mind

MS: Kam Dir damals schon die Idee, Fotograf zu werden?
TJ: Erst mit 17, als ein Foto von mir in einem Buch veröffentlicht wurde. Es zeigte einen Kendo-Meister beim japanischen Schwertkampf. Ein Sport, den ich damals auch selber praktiziert habe. Wenn man zum ersten Mal ein Bild von sich auf Papier gedruckt sieht, das ist eine Magie, die ich heute noch spüre.
MS: Druckst Du private Fotos noch aus?
TJ: Oh ja, ich habe einen schweren Fehler gemacht, als ich meiner Frau zu ihrem ersten Geburtstag nach unserem Kennenlernen ein Fotoalbum geschenkt habe, mit selbst eingeklebten Fotos, kreierten Layouts und handschriftlichen Kommentaren. Seitdem bin ich dazu verdonnert, unser gesamtes Privatleben und Reisen in altmodischen Fotoalben zu dokumentieren. (lacht)

Tom Jacobi: Black Line

MS: Dein Vater war der legendäre Journalist Claus Jacobi, Chefredakteur von Spiegel, Stern und BILD-Zeitung. Hat Dich das davon abgehalten, selber in den Journalismus zu gehen?
TJ: Total. Ich hätte mich ja dem ständigen Vergleich ausgesetzt. Durch meine Freundschaft zu Sven Simon, dem Sohn von Axel Springer, kam ich nach Bonn und arbeitete dort in seiner Fotoagentur. Ich habe in erster Linie Politiker fotografiert, zum Beispiel Willy Brandt, Helmut Schmidt und Helmut Kohl. Später war ich als Fotograf für den „Stern“ unterwegs. Mit allen Risiken. Während einer Reportage im Iran hat man mich an die Wand gestellt und wollte mich erschießen, da ich für einen Spion gehalten wurde.
MS: War das der Grund, dass Du 14 Jahre lang gar nicht mehr fotografiert hast?
TJ: Nein, das entwickelte sich in meiner Zeit als Mode und Werbefotograf. Dieses kommerzielle Arbeiten und die Wünsche der Kunden, den Mantel von links oder doch lieber von rechts zu shooten, das Auto von oben oder unten, hat mir die Leidenschaft damals komplett ausgetrieben. Und was nützt ein gutgefülltes Bankkonto, wenn jede Kreativität flöten geht. Ich war damit einfach nicht mehr glücklich und habe sogar alle meine Kameras verkauft, weil ich überzeugt war, dass ich nie wieder fotografieren würde.

Tom Jacobi: The Majestic

MS: Jetzt bist Du wieder mit der Kamera unterwegs. Für die aktuelle Ausstellung „Into the Light“ sogar zwei Jahre rund um den Globus, zusammen mit Deiner Frau Kati.
TJ: Das war eine spannende Zeit, auch für uns als Paar. Wir sind wahnsinnig gern zusammen. Kati hat auch großen Einfluss auf das, was ich fotografiere. Sie ist mein Korrektiv. (lächelt) Man wird demütig, wenn man in der Weißen Wüste Ägypten unterwegs ist, dort mit zwei Beduinen campt, ohne sich groß um Sicherheit Gedanken zu machen. Im Nachhinein betrachtet war es riskant.
MS: Es kommt vor, dass Du fünf Stunden auf einer Klippe sitzt, um auf das richtige Licht zu warten. Was ist das richtige Licht, der richtige Moment?
TJ: Das kann ich nicht sagen. Es ist ein Gefühl. Meine Arbeit hat viel mit Geduld und Disziplin zu tun, oft warte ich tagelang auf den passenden Moment, obwohl ich die Motive zuvor ja sehr genau recherchiert habe.

Tom Jacobi und ich vor einem Foto in der Charlottenburger Galerie SRC, das eine riesige Salzwüste in Bolivien in 4.000 Meter Höhe zeigt: Nur während der Regenzeit steht das Wasser auf dem Salz und erzeugt damit diesen perfekten Spiegeleffekt

MS: Du bist häufig fernab von allem. Wie erträgst Du Stille?
TJ: Ich mag das sehr gerne. Stille kann nicht jeder aushalten. Ich wurde mal von einem Freund begleitet, der schon nach kurzer Zeit nervös wurde, was mich wiederum gestresst hat. In dem Moment habe ich beschlossen, niemanden mehr mitzunehmen. Ich bin da komplett eins mit mir, das hat etwas sehr Kontemplatives.
MS: Gab es auf Deiner Reise eine gefährliche Situation?
TJ: Als Fotograf ist man auch immer ein Jäger, der Risiken eingeht. In Island wollte ich zu einem Wasserfall, wobei ich mehrfach über vereiste Fläche gestürzt bin und einen Abhang runterrutschte. Eine Einöde ohne Handynetz oder die Chance, gefunden zu werden. Danach habe ich mir ein satellitengestütztes Notrufsystem zugelegt. Denn wegen eines gebrochenen Knöchels zu sterben, ist doch ziemlich unnötig. BvH

Ausstellung „Into the Light“

Bis 20. Mai sind die Arbeiten Tom Jacobis in der Galerie SR Contemporary Art, Niebuhrstraße 11a in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Kontakt Tom Jacobi

tomjacobi.de

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Claude Monet in der Albertina in Wien – noch bis 6. Januar 2019

Alljährlich widmet die Albertina in Wien einem großen Thema oder Künstler eine Sonderausstellung. Seit 21. September 2018 werden einhundert Werke des wohl berühmtesten Impressionisten Claude Monet in einer großen Retrospektive gezeigt. Es ist die erste umfassende Präsentation mit Gemälden von Claude Monet (1840-1926) in Österreich seit über 20 Jahren. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt aller Schaffensperioden Monets, vom Realismus und seinen ersten vorimpressionistischen Werken bis hin zu seinen letzten Gemälden, die er in seinem Garten in Giverny in der Normandie malte.

Seerosen, 1914-1917

Seine wohl berühmtesten Motive – die Seerosen – entstanden, als Monet nahezu erblindet war. Ähnlich wie der im Alter gehörlose Beethoven Musik komponierte, malte Claude Monet nach seinen Instinkten und Erinnerungen und folgte dabei seinem inneren Auge. Damit entwickelte er einen Malstil, bei der sich die Farben und das Licht allmählich vom Gegenstand lösen sowie das Motiv von der Naturdarstellung. Dieses Spätwerk Claude Monets wurde erst nach seinem Tod als Wegbereiter für die Malerei des abstrakten Expressionismus im 20. Jahrhundert anerkannt.

Der Rosenweg in Giverny, 1918-1924

Claude Monet steht wie kein anderer für die Malerei des Impressionismus. Der französische „Meister des Lichts“ malte am Meer, an der Steilküste der Normandie und an den Ufern der Seine. Monets Licht und Farben wechseln auf der Leinwand mit der sich stets verändernden Natur und den atmosphärischen Eindrücken. Um sie in ihrer Erscheinungsvielfalt zu erfassen, malte er viele seiner Motive in Serien. Dem bislang wenig untersuchten Farbkonzept und der leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Pflanzen- und Wasserwelt im Garten seines Landhauses bei Giverny widmet sich die Albertina in dieser monografischen Ausstellung. Die Exponate stammen teils aus den eigenen Beständen bzw. sind Leihgaben internationaler Museen und Privatsammlungen.

Ich vor Claude Monets „Trauerweide“ von 1918/1919

Für die Impressionisten – vor allem Claude Monet – habe ich mich schon immer begeistert. So war die Claude Monet-Ausstellung bei meinem letzten Wien-Besuch ganz oben auf der To-do-Liste. Es hat sich gelohnt, obgleich die Ausstellung mit keinen großen Überraschungen aufwartet. Für alle, die keine Gelegenheit hatten und haben, Claude Monet in der Albertina persönlich in Augenschein zu nehmen, zeige ich auf MyStylery 35 Bilder dieser umfassenden Schau, die noch bis zum 6. Januar in Wien zu sehen ist. BvH

Claude Monet in der Albertina

Die Portraits von Pierre Auguste Renoir zeigen Claude Monet lesend und rechts das Bildnis Madame Monets, beide um 1873

Quai du Louvre, 1867 – eines der Werke aus der vorimpressionistischen Ära Monets

Am Strand von Trouville, 1870

Der Landesteg, 1871

Das Seine-Ufer an der Brücke von Argenteuil, 1874

Wintermotive wie hier der „Schnee in Argenteuil“ (1874/1875) entstanden vorwiegend in der Zeit, als Claude Monet große, existentielle Probleme hatte und an der Armutsgrenze lebte

…dabei ist Schnee wohl nie so facettenreich dargestellt worden, wie von Claude Monet: „Eisenbahn im Schnee“ (1875)

Camille Monet mit Kind im Garten, 1875

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder: „Madame Monet mit rotem Kopftuch“ (1873)

Segelboot bei Petit-Gennevilliers, 1874

Eisgang, trübes Wasser, 1880

Raureif in Giverny, 1889

Pfad durch die Mohnblumen auf der Insel Saint-Martin, 1880

Die Kirche von Vétheuil, 1878

Apfelbäume, 1878

Blühender Obstgarten, Vétheuil, 1879

Frühling, Blick durch die Zweige, 1878

Segelboot im Abendlicht, 1885

Port-Coton, Löwenfels, 1886

Blick auf die Felsnadel durch die Porte d’Aval, 1886

Fischerhaus in Varengeville, 1882

Weg bei La Cavée, Pourville, 1882

Weiße Klematis, 1887

Pappeln am Ufer der Epte, 1891

Der Kolsas in Norwegen, 1895

Die Creuse bei Sonnenuntergang, 1889

Das Tal von Falaise, 1885

Portal und Albanturm in der Dämmerung, 1894

Houses of Parliament in London, Sonnenuntergang, 1900-1904

Seerosen, 1916-1919

Die japanische Brücke, 1918-1924

Und nach dem Kunstgenuss shop ‚til you drop: Einen der bestsortierten Museumsshops findet man in der Albertina

Info Claude Monet Ausstellung:

Albertina, Wien

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Brügge – belgische Perle mittelalterlicher Architektur. Hier der Markt

Für mich als Lübeckerin ist ein Besuch in der belgischen Stadt Brügge wie ein Déjà-vu. Nur, dass meine Heimatstadt nicht im Vergleich mit dieser Ansammlung an pittoresken Patrizierhäusern, barocken Stadtpalais und klassizistischen Fassaden aufwarten kann. Wenn man durch Brügges Altstadt spaziert, erinnern die zahlreichen Grachten und Brücken auch an Amsterdam. Man spürt es an jeder Ecke Brügges, dass dieses Architektur-Juwel vom 13. bis ins 15. Jahrhundert eine der erfolgreichsten Handelsstädte gewesen ist und es beeindruckt mich, in welcher historischen Homogenität sich die Stadt sieben Jahrhunderte später immer noch präsentiert.

Brügge wurde nie durch Kriege oder großflächige Brände zerstört, weshalb der berühmte historische Stadtkern – seit 2002 Unesco Weltkulturerbe – erhalten blieb

Zur Einstimmung auf meinen Besuch in Brügge hatte ich mir den US-Film „Brügge sehen und sterben“ mit Colin Farrell angesehen und mich im Anschluss gefragt, wie man es bei den Dreharbeiten geschafft hat, die Touristenmassen fernzuhalten. Ich war von meinem belgischen Freund Winny schließlich vorgewarnt: „Ja, es ist immer voll in Brügge. Trotzdem sollte man einmal dort gewesen sein.“ Vielleicht nicht gerade an einem Wochenende und schon gar nicht, wenn 20.000 Fußballfans die Stadt stürmen und den Meistertitel ihres Vereins FC Brügge auf dem Markt in der Altstadt feiern. Die Tagestouristen fluten die historischen Mauern zu jeder Jahreszeit ab spätestens 11 Uhr morgens und walzen sich durch die engen Gassen dieses Bilderbuch-Ortes in Westflandern. Wer tagsüber den Massen entkommen möchte, läuft einfach jenseits der einschlägigen Plätze wie „Markt“ und „Burg“ und findet sich plötzlich in ruhigen Wohngegenden oder in begrünten Innenhöfen wieder. Eine Auszeit bietet auch der Beginenhof, der zwar auch ein Sightseeing-Highlight ist, in dem aber Gruppen keinen Zugang haben.

Lust auf eine Auszeit? Der Beginenhof ist eine grüne Oase der Ruhe und trotzdem mittendrin

Kulinarisch hat sich Brügge auf die Touristen eingestellt: Rund um den Markt, Burg und anderen „Places to see“ gibt es viele Restaurants, leider nicht immer gut, dafür häufig mit überteuerten Speisen. Und obwohl ich eigentlich weiß, dass man in Monaten ohne „r“ auf Muscheln verzichten sollte, habe ich „Moules Frites“ bestellt. Die belgische Spezialität wird hier ganzjährig angeboten, ist TK-Ware und von zweifelhafter Qualität. Mein Tipp: Ein Mittag- oder Abendessen in einem der zahlreichen Michelin- und Gault Millau-Restaurants, von denen viele vergleichsweise erschwingliche Lunchmenüs anbieten. Oder man entdeckt jenseits der Touristenpfade die Lokale der Einheimischen, wie der „Sanseveria“ in der Predikherenstraat.

Jenseits der Touristenpfade die Lokale der Einheimischen entdecken, wie der „Sanseveria“ in der Predikherenstraat: Die hippe Seite des mittelalterlichen Brügge

Wenn sich der Abend über Brügge senkt, die Tagestouristen wieder abgereist sind, atmen Stadt und ihre Bewohner erkennbar auf. Die Altstadt taucht ein in ein besonderes Licht, das die alten Mauern effektvoll in Szene setzt. Gleich um die Ecke meines Hotels Prinsenhof liegt das Feinschmeckerlokal Guillaume. Ich genieße ein köstliches Menü und einen super netten Service. Auf dem Weg zum Hotel erlebe ich die inzwischen menschenleeren Gassen Brügges bei Mondschein. Romantik pur! Ein Gefühl, das wenige Stunden zuvor kaum aufgekommen wäre.  BvH

Brügge bei Nacht

Triennale Brügge

Art-Installation von Studio KCA am Jan van Eyck Platz

Kunstfans aufgepasst: Bis zum 16. September wartet in Brügge die Kunstausstellung Triennale auf mit 15 – teils begehbaren – Werken und Installationen, die sich über die gesamte Altstadt verteilen. Zentrales Thema: Liquid Society beleuchtet die Folgen der sich ständig verändernden zwischenmenschlichen Beziehungen. Kunst und Stadt lassen sich somit gemeinsam per Rundgang erkunden.

Unterhalb des blauen Wals hat das Feinschmeckerrestaurant Spinola seine Tische aufgebaut. Kunstgenuss aus unmittelbarer Nähe

Apropos Genuss: Dieses Café am Platz Biskajersplein gibt es nur während der Triennale

Reckt sich dem Himmel entgegen: Skulptur Lanchals – lange Hälse – von John Powers erinnert an einen Schwanenhals

Temporäre Brücken-Installation von Jaroslaw Kozakiewicz

Abkühlung gefällig? Vom pinkfarbenen Plastik-Pavillion der spanischen Architekten Selgascano darf man einen Sprung in die Gracht wagen

Urband Model nannte der belgische Künstler Wesley Meuris seinen Triennale-Beitrag, in dem sich Architektur und städtisches Leben begegnen

Minne Floating School von Kunlé Adeyemi: Eine Art schwimmende Schule, Auseinandersetzung mit dem Klimawandel und ein Anreiz zur Erschaffung erneuerbarer Engergien

Planung ist alles: Wo ist was auf der Triennale Brügge 2018?

Wo man sich in Brügge bettet

Es gibt einige vielversprechende Boutique-Hotels in Brügge wie das Van Cleef, Hotel Die Swaene oder das Relais Bourgondisch Cruyce. Das Relais Bourgondisch Cruyce ist besonders schön eingerichtet (ich liebe das belgische Interior mit seinen sanften Farben) und liegt direkt am Kanal. Mit seiner historischen Fassade gehört es zu den meist fotografiertesten Spots in der Stadt. Ein Aspekt, der für etwas Unruhe sorgt. Ich entscheide mich deshalb für den „Prinsenhof“, das fußläufig in drei Minuten vom Markt in einer ruhigen Seitenstraße liegt.

Boutique-Hotel „Die Swaene“

Das Hotel Relais Bourgondisch Cruyce liegt direkt am Kanal…

…und ist besonders schön eingerichtet – ich liebe das belgische Interior mit seinen sanften Farben!

Rozenhoedkaai: Der meist fotografierteste Spot der Stadt. Was für ein herrlicher Blick!

Der Prinsenhof…

…mit seiner hübschen Lobby und einem Kamin mit Delfter Fliesen

Mein geräumiges Zimmer ist mit schönen Stoffen gestaltet und mit separater Toilette ausgestattet. Der Service im Prinsenhof ist professionell freundlich, aber leider nicht herzlich

Brügges Kulinarik

Ich lasse mich im Sternerestaurant Guillaume verwöhnen, das in der Korte Lane residiert in einem alten Cottage. Von außen wirkt es fast ein bisschen unspektakulär, so dass wir fast daran vorbeigegangen wären. Ich entscheide mich für das Dreigänge-Menü „Crazy Creations“ für 52 Euro: Amuse-Gueule aus neuinterpretiertem Vitello Tonato, Roastbeef und Zander. Als Vorspeise: Hummer, Fois Grois, Iberico Schinken und exotische Früchte. Gefolgt von Perlhuhn mit gerösteten Tomatenwürfeln und zum Dessert eine Himbeerschnitte. Wir verzichten auf die Weinbegleitung und wählen den Rosé Luberon aus der Provence, die Flasche für 32 Euro

Ich lasse mich im Sternerestaurant Guillaume verwöhnen

Allein die Vorspeise ein Augenschmaus: Hummer, Fois Grois, Iberico Schinken und exotische Früchte

Im Aux Merveilleux am Eiermarkt genießt man nicht nur den Blick auf einen imposanten Kronleuchter…

…sondern auch ein köstliches Frühstück mit ofenwarmem Brot und Croissants

Willkommen im Schokoladenparadies: Belgiens Schokolade ist legendär, aber auch hier gibt es qualitative Unterschiede. So ist nicht jede Trüffelpraline, die auf der Wollestraat in zig nebeneinander liegenden Confisserien angeboten wird, von überragender Qualität….

…Ein Augenschmaus: Meterlang türmen sich die Schokoladenberge

Gemütlich ist das Restaurant Assiette Blanche mit seinen Holzvertäfelungen. Serviert wird ein Lunch-Menü für 37 Euro:

Nach dem Amuse-Gueule – ein mit Anchovis und Parmesan gefüllter Macaron- folgt frittierte Seezunge mit Blattsalaten und Aioli…

Anschließend gegrillte Hüfte vom Lamb mit blanchierten und pürierten Karotten und Wildblumen…

Dessert: Rhabarber und Erdbeeren mit Baiser und Vanilleeis. Ein Glas vom offenen Weißwein aus dem Macon wird für 7 Euro angeboten. Der Service ist hervorragend und besonders freundlich

Brügge sehen und (hoffentlich nicht) sterben

Durchgang zum Burgplatz

Reichgestaltete Fassaden an den Häusern rund um den Burgplatz

Hier das Rathaus

Üppiger Barock, wohin man sieht

Lange Wartezeiten und Schlangen vor den Bootsanlegern für eine Fahrt auf den Grachten Brügges. Tipp: Dreimal täglich legen Boote zu einer halbstündigen Fahrt ins benachbarte Damme ab, der ehemals bedeutenden Handelsstadt. Vorherige Reservierung erforderlich

Wunderschöne Architektur im Kortewinkel wie hier die Bar Groot Vlaenderen

…mit beeindruckenden Türdetails

…nochmal …

…und imposanten privaten Türportalen

Über den Dächern von Brügge

Beeindruckend finde ich die Dachkonstruktionen mit den verwinkelten Schornsteinen und verspielten Türmen. Was für eine Pracht!

Wohnt hier Harry Potter?

Am besten, man hält den Blick immer nach oben gerichtet, dann entgeht einem nichts

…wie zum Beispiel diese prächtige Hausansicht

Ich liebe den belgischen Style mit den blassroten Klinkern und den dunkel gefassten Tür- und Fensterrahmen. Sooo edel!

Orte der Stille

Ja, es gibt sie, die beschaulichen Orte der Ruhe und Stille in Brügge

…wie dieses entzückende Rotklinker-Cottage direkt am Kanal gelegen

Meetingpoint für die Enten und Schwäne Brügges am gegenüberliegenden Beginenhof

Turm mit Aussicht und wunderschönen Shutters

Das verwunschene Garten-Paradies inmitten der Stadt Brügge und am Wasser gelegen: Mehr geht nicht

Idylle im Straßencafé Terrastje

Nur wenige Kopfsteinpflaster-Straßen vom Brügge-Trubel entfernt begibt man sich in eine ruhige Wohngegend, die mit ihren Erkern und Vorgärten ein wenig an London erinnert

Und klar, Windmühlen gehören genauso zu Brügge, wie die alte Wallanlage entlang der Kanäle, auf der sie einst errichtet wurden

Info Triennale Brügge

triennalebrugge.be

Weitere Reisetipps findest Du hier!

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Der Livingroom von Thomas Dellert-Dellacroix in seinem Kreuzberger Loft

In den 70er-Jahren beschloss Andy Warhol, dass Tommy Dollar besser klingt als Thomas Dellert. Das war die Zeit der ‚Sex Pistols‘ und Dellert ein Punkrocker und Wegbegleiter Warhols. Ob ‚Phantom of the Opera‘ oder ‚The Rocky Horror Picture Show‘: das Multi-Talent Thomas Dellert hat kaum ein Musik- oder Kunst-Genre ausgelassen. Seit fünf Jahren lebt der gebürtige Stockholmer mit familiären Verbindungen zum schwedischen Königshaus in Berlin-Kreuzberg. Das 120 Quadratmeter große Loft des ehemaligen Berliner Mauer-Malers ist randvoll mit Erinnerungen und gewidmeten Fotos von Yoko Ono über Michael Jackson bis zu Nina Hagen. Es verwundert nicht, dass der antike Samowar ein Geschenk der russischen Zarenfamilie an einen Ahnen Dellerts war und er die vielen, mittlerweile leeren Kaviardosen zusammen mit dem einstigen Schah von Persien und dessen Frau, Kaiserin Farah Diba gelöffelt hat.

Multimedia-Künstler, Schauspieler, Sänger, Maler & Filmemacher: Thomas Dellert-Dellacroix

MyStylery: Dein Leben hat Dich schon in viele Städte geführt, Paris, London, New York. Heute lebst Du in einer ehemaligen Schokoladenfabrik in Berlin. Muss man als Künstler jetzt hier sein?
Thomas Dellert: Nein, Berlin ist für mich nur ein Zwischenstopp. Ich bin ein Getriebener und gedanklich eigentlich schon weg. Vielleicht gehe ich als nächstes wieder nach Paris oder Stockholm.

Highheel auf Telefonhörer: Artpiece von Thomas Dellert

MS: In Deinem Loft wohnst Du mit Deiner Frau und zwei Kindern. Und Du arbeitest auch hier…
TD: Ich trenne Arbeit und Privates nie. Mein Leben ist meine Arbeit.

So sieht die Wohnung eines manischen Sammlers aus

MS: Zweimal wurdest Du innerhalb von fünf Jahren ausgeraubt. Bekommen die Dinge, die Dir geblieben sind, eine andere Bedeutung?
TD: Ja, wie die Trompete von Miles Davis oder meine Strumpf-Sammlung aus den 30er und 40er-Jahren. Darunter auch ein Paar, das mir Marlene Dietrich 1973 schenkte. Es sind vor allem die Dinge wichtig, die sich nicht ersetzen lassen. Meine Projekte habe ich deshalb alle auf Festplatten gesichert, die ich in einem 100 Jahre alten, sehr dicken Stahl-Safe aufbewahre.

Dellert liebt die Provokation – auch und besonders in seiner Kunst

MS: Wohin man hier blickt, ständig entdeckt man Neues. Warst Du immer ein Sammler?
TD: Oh ja, ein leidenschaftlicher. Mein Stil ist kreativ und voller Liebe. Die Teppiche habe ich selber entworfen. Ich mag aber auch gern dänisches Design wie den Sessel von Kjaerholm.

Der schwarze Leder-Sessel ist von Kjaerholm, die Teppiche sind Dellert-Design

MS: Wie kamst Du auf die Idee, Dein Schlafzimmer mit einem Leoparden-Print zu tapezieren?
TD: (lacht) Schon als 18-Jähriger hatte ich in meinem Zimmer eine Leotapete. Es ist die Energie von früher, auf die ich hoffe und mir damit zurückhole. Jetzt bin ich über 60, dreimal geschieden, habe Brände und Autounfälle überlebt. Ich stehe heute im Herbst des Lebens und schaue zurück.

Wohin man blickt, man entdeckt immer wieder etwas Neues

MS: Küchenmöbel, Fußboden, Lampenschirme, fast alle Wände hier sind schwarz. Warum?
TD: Darüber habe ich noch nie nachgedacht. Schwarz ist keine Farbe, es ist eine kraftvolle Basis, ein Symbol und hat etwas Sedatives. Wenn ich die Augen schließe, sehe ich schwarz, aber auch alle anderen Farben. Eigentlich ist Schwarz der Anfang und das Ende von allem. BvH

Neben Andy Warhol ist Dellert der einzige Künstler, der je für Mercedes eine SL-Edition gestaltet hat

Thomas Dellerts Konterfei als Flaschenlabel – auch ein Ausdruck seiner Vielseitigkeit

Dellert – der von Andy Warhol Tommy Dollar genannt wurde – begeisterte sich für Popart und inspirierte Warhol zu dessen Camouflage-Serie

VIP-Klo: An den Wänden Fotos, Autogramme und Widmungen von Nina Hagen bis Michael Jackson

Der ehemalige Mauer-Maler Dellert, der nur acht Jahre nach Ende des zweiten Weltkriegs geboren wurde, setzt sich in seinen Werken immer wieder mit der Kriegsthematik, dem Holocaust und der deutschen Teilung auseinander

Thomas Dellert in seinem Schlafzimmer: Auch hier verwahrt er Schätze seiner Sammlung wie Schlangenleder-Highheels von Leni Riefenstahl oder ein Bühnenoutfit von Jimi Hendrix

Dellerts Kunst ist u.a. in der ‚The Absolut Vodka‘-Sammlung und der ‚The Heinz Collection‘ vertreten sowie im Holocaust Memorial Museum

Leoprints haben Dellert schon als Kind fasziniert. Heute ist sein komplettes Schlafzimmer damit tapeziert

Erinnerungen an Afrika. Dellert lebte in New York, Barcelona, zwölf Jahre in Paris, acht Jahre in London, in Barcelona und in Stuttgart

Individualisierter Arbeitsplatz

Dellert hat einen gewissen Hang zum Morbiden

Und noch mal Leo: dieses Mal kein Print, sondern ein echter

Kontakt Thomas Dellert:

www.thomasdellert.com

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Luciano Castelli vor einem Selbstportrait im Kaufhaus Jandorf

Das kommende Wochenende ist Auftakt zu einem einwöchigen Kunsthappening der besonderen Art: Am 28. Oktober 2017 startet das Kunstprojekt „From White to White“ im historischen Kaufhaus Jandorf in Zusammenarbeit mit der Galerie Deschler in Berlin-Mitte. Im Mittelpunkt stehen die monumentalen Wandmalereien des international bekannten Künstlers Luciano Castelli, der seine Kunst über zwei Etagen im legendären Jandorf eigens direkt auf die Wände bringt. Ergänzt werden Castellis Schwarz-Weiß Bilder durch seine Videoinstallationen aus den 80er Jahren und Fotografien.*

Work in Progress…

Wie kommt ein Künstler auf die Idee, die Wände direkt zu bemalen? Als Castelli 2016 in China im SPSI Art Museum in Shanghai ausstellen sollte, wurden seine Bilder nicht freigegeben und angeliefert. Tatenlos die Heimreise anzutreten, wäre ihm nie in den Sinn gekommen. Und so folgte er der Idee seiner Frau Alexandra und bemalte spontan das gesamte Innere des Museums und brach damit radikal aus dem konventionellen Rahmen der Bildpräsentation aus. „ Auf Leinwände zu malen ist nicht dasselbe, wie die Farbe direkt  auf die Wand aufzutragen“, sagt Luciano Castelli. „Nach 40 Jahren Leinwandbearbeitung musste was Neues kommen. Die gerahmte Leinwand hat ihre Grenzen und wurde mir einfach zu langweilig.“

Die große Halle im Kaufhaus Jandorf als Kulisse für Luciano Castellis monumentale Wandmalereien

Nach viermonatiger Vorbereitungszeit wird Castelli nun auch im Kaufhaus Jandorf wieder mit direktem Auftrag auf die baulichen Strukturen seine Malerei mit Treppen, Säulen und Wänden zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen. Die geschaffene Mehrdimensionalität mancher Werke lässt sich erst durch besondere Betrachtungswinkel erschließen und bindet so den Betrachter aktiv mit ein. Vollendet wird dieser Prozess nach Ablauf der einwöchigen Ausstellungszeit mit dem Übermalen der Werke: From White to White. Die entstandenen Arbeiten werden nach sieben Tagen gelöscht. Leinwände lassen sich verkaufen – und sind für die Ewigkeit. Tut ihm das nicht weh? Ganz und gar nicht, so Castelli, denn hier würde die Vergänglichkeit allen Schaffens thematisiert, als auch seine eigene Wandelbarkeit und Spontanität unter Beweis gestellt. Castellis besonderes Talent ist es, situativ zu reagieren und Neues zu kreieren, und sich dabei immer wieder selbst neu zu erfinden. Gefragt nach dem kommerziellen Aspekt, so ist sich Castelli sicher: „Klar, Bilder lassen sich verkaufen. Doch die alleinige Ausstellung meiner Bilder hätte nicht diese Präsenz und Wahrnehmung. Hier kommt der Erfolg durch die Hintertür.“  BvH

Luciano Castelli und ich

*From White to White im Kaufhaus Jandorf:

Neben den monumentalen Wandarbeiten Luciano Castellis werden im Ballsaal erstmalig 3 x 2 Meter große Arbeiten aus der bekannten Serie „Rudel“ des Berliner Fotografen und legendären Türsteher des Berghain Clubs Sven Marquardt inszeniert. Abends werden die eindrucksvollen Räumlichkeiten des Jandorf zum Schauplatz von Live-Konzerten der Yellow Lounge, der Gruppe Automat und Bettina Köster (ehemals Malaria), Filmpräsentationen von Miron Zownir, Keiichi Matsuda und anderen, sowie weiteren Aktivitäten. Für die Kulinarik sorgt ein Pop up-Restaurant.
Eröffnung: Samstag, den 28. Oktober 2017
Ausstellungsdauer: 29. Oktober bis 5. November 2017
Programm: www.kunstherbst-jandorf.de

Eigentlich schade, dass die Malereien nach einer Woche wieder entfernt werden…

Über Luciano Castelli:

Der Schweizer Künstler Luciano Castelli erlebte früh seinen künstlerischen Durchbruch und nahm als jüngster Teilnehmer 1972 an der Documenta 5 in Kassel teil. Nach seinem Umzug nach Berlin 1978 prägt er an der Seite von Salomé und Rainer Fetting die Malerei der sogenannten Neuen Wilden. Ihm gelang es, diese Malerei zu überwinden und aus ihr neue künstlerische Ansätze zu entwickeln. Mit dem Projekt „From White to White“ kehrt er an seine frühere Wirkungsstätte Berlin zurück. Castelli arbeitet in unterschiedlichen Medien, die sich gegenseitig ergänzen: Malerei, Fotografie, Film, Musik und Skulptur. Arbeitsschwerpunkt seines Werkes sind Selbstinszenierungen, in denen Eigenschaften, Emotionen und Rollen gegenständlich werden: Auf der von ihm gewählten Bühne ist er selbst Akteur und Subjekt zugleich.

Luciano Castelli bewältigt die große Herausforderung in der Malerei und Raumkonzeption mit dem für ihn typischen, bis ins Kalligraphische übergehend gestischen Pinselduktus

Tipp:

Luciano Castelli in der Galerie Deschler
Leinwände und Papierarbeiten aus drei Jahrzehnten
Ausstellungsdauer: 20. Oktober bis 31. Januar 2018, 19–21 Uhr
Kontakt: www.deschler-berlin.de

„Die Berliner wissen zu schätzen, was wir hier machen.“

Luciano Castelli mit seinem Sohn Leandro, der dieses Projekt maßgeblich unterstützt

„40 Jahre Leinwände innerhalb eines bestimmten Rahmens zu bemalen, wurde mir zu langweilig.“

„Die Idee ist, die privaten Wände von Sammlern und Liebhabern zu bemalen“, sagt Luciano Castelli über seine Wandbilder

Im Sommer 2018 wird Luciano Castelli auf Einladung des Leica-Museums die Außenwände des Museums gestalten

„Ich mache die Aktion in Berlin nur, wenn man eine verrückte Halle findet.“ Et voilà…

Stillleben à la Luciano: Bis Samstag ist noch einiges zutun

Außerdem zu sehen: Sven Marquardts eindrucksvolle Schwarz-Weiß-Portraits aus der Berliner Türsteherszene seiner bekannten Serie “Rudel”. Im Lichthof des Kaufhaus Jandorf sind seine auf große Planen gedruckten Fotografien ausgestellt

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Entrée des Musée des Arts Décoratifs in Paris mit der nachempfundenen Fassade des Hauses in der Avenue Montaigne, wo sich noch heute Atelier und Flagshipstore befinden: Bonjour, Christian Dior!

Als Teenager schwärmte ich für „Miss Dior“, ein Duft, den Christian Dior als erstes Parfum des Hauses Dior 1947 lancierte. Meine Patentante schenkte mir den Parfumklassiker zu meinem 16. Geburtstag. Mein erstes Luxus-Accessoire, dessen blumige Note ich heute noch in der Nase habe. Zurzeit läuft in Paris die Christian Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“, in der nicht nur an die Parfum-Historie Diors erinnert wird. Die Ausstellung widmet sich umfassend dem Leben und Werk des Haute Couture-Meisters, dessen Imperium am 5. Juli 70 Jahre alt wurde.

Christian Dior liebte die Opulenz, sowohl im Interior als auch in seinen Kleider-Kreationen

Für mich war klar, auf nach Paris: Diese Schau kann man sich als kunst- und modeaffine Person nicht entgehen lassen. Von Freunden hatte ich gehört, das sich endlose Besucherschlangen um den nördlich Teil des Louvre winden, wo im Musée des Arts Décoratifs auf 3.000 Quadratmetern mehr als 300 Haute Couture Roben aus sieben Dekaden gezeigt werden. Mit meinem Online Ticket gelangte ich schnell vorbei an der Warteschlange und hinein in eine Ausstellung, die mich für Stunden auf eine spektakuläre Zeitreise durch die Jahrzehnte der französischen Luxusmode entführte.

Das Gartenthema mit Kleidern verschiedener Dior-Designer in floralen Prints und Applikationen. Das rosafarbene Bustierkleid (Mitte) ist eine Kreation von Christian Dior, links Raf Simons, ganz rechts Maria Grazia Chiuri

Eine Retrospektive der Geschichte eines der bedeutendsten Couture-Häuser mit persönlichen Briefen und Fotos – auch bislang unveröffentlichten Privatfotos – Christian Diors, ersten Modezeichnungen und Entwürfen, Kampagnenbildern und Videos, Accessoires wie Taschen, Schuhen, Schmuck und den legendären Parfumflakons. Die Ausstellung, die in verschiedenen Konzepträumen zu Themen wie Blütenträume, Boudoir oder der großen Abendrobe gegliedert ist, beginnt mit dem Kollektions-Debüt Christian Diors im Jahr 1947.

„Diablesse“: Rotes Kleid mit grünem Gürtel aus dem Kollektions-Debüt Christian Diors im Jahr 1947

Neben den teilweise erstmals gezeigten Roben des großen Meisters, der 1957 mit nur 52 Jahren unerwartet an einem Herzinfarkt in Südfrankreich starb, präsentiert die Schau auch die Nachfolger Diors. Im selben Jahr übernahm sein bisheriger Assistent Yves Saint Laurent das seit einem Jahrzehnt erfolgreich etablierte Modeimperium. Ihm folgten Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und die heutige Chefdesignerin Maria Grazia Chiuri. „Couturier du Rêve“ ist eine Hommage an einen der größten Mode-Kreativen aller Zeiten, das Vermächtnis Christian Diors, welches eindrucksvoll belegt, wie die Marke über Jahrzehnte die Modeindustrie und die Kultur beeinflusst hat. Ich bin beeindruckt. J’adore Dior.  BvH

In dieser einmaligen Retrospektive des Hauses Dior sind auch persönliche Briefe und Fotos Christian Diors zu sehen – inklusive bislang unveröffentlichter Privatfotos

Über Christian Dior

Geboren 1905 in der Normandie begann Dior, der eigentlich Architekt werden wollte, als Galerist in Paris mit finanzieller Unterstützung seines Vaters, einem Industriellen. Bedingt durch die Insolvenz des väterlichen Unternehmens infolge der Weltwirtschaftskrise 1931, gestaltete Dior zunächst Hutmode für die Modebeilage der Zeitung Le Figaro und schließlich Modeskizzen für Pariser Haute Couture Modehäuser. So wurde der Modeschöpfer Robert Piguet auf Dior aufmerksam und engagierte den begabten Maler und Zeichner 1938. Nach dem Zweiten Weltkrieg erhielt Dior 1946 von dem vermögenden Textilfabrikanten Marcel Boussac 60 Millionen Francs als Startkapital zur Gründung des Haute-Couture-Hauses Christian Dior. Im selben Jahr bezog er sein Atelier in der eleganten Avenue Montaigne in Paris, wo sich noch heute der Dior-Flagshipstore befindet. Schon die erste Modekollektion, die Dior im Februar 1947 präsentierte, geriet zur Sensation und wurde von amerikanischen Journalisten als „The New Look“ gefeiert. Nach der kargen, schlichten Damenbekleidung der Kriegsjahre kreierte Dior eine schmale Taille, figurbetonte Oberteile, weit schwingende, opulente Röcke aus edlen Materialien und kombinierte dazu elegante Wagenradhüte und lange Handschuhe. Kritiker bemängelten zwar den verschwenderischen Einsatz knapper Ressourcen und eine Rückkehr zu antiquierter Mode in Zeiten sich emanzipierender Frauen, aber Diors Einfluss war beträchtlich: Schnell wurden seine hochpreisigen Haute Couture Entwürfe vom Massenmarkt kopiert.

Schwarz-weiße Modefotografien mit Dior-Modellen

Mit jeder Saison präsentierte Dior einen neuen ‚Look‘, stets bejubelt von der Modeindustrie und den wohlhabenden Kundinnen. Der Blütenkelch-Linie folgten die Kuppel-, Maiglöckchen-, Bleistift-, H-, A- und Y-Linie. Diors Kreationen trugen maßgeblich dazu bei, dass Paris wieder Modehauptstadt wurde.

Mit zahlreichen, weltweiten Lizenzen – darunter Parfums – baute sich Dior in wenigen Jahren ein Imperium auf. Er galt als reserviert, schüchtern und bescheiden und fühlte sich bei öffentlichen Anlässen in Gesellschaft meist unwohl. Seine Homosexualität wurde in der damaligen Öffentlichkeit nicht thematisiert. Im Oktober 1957 starb Christian Dior, vermutlich an den Folgen eines Herzinfarktes. Er war einer der international renommiertesten Modeschöpfer und hinterließ eine Marke, die unter seinen Nachfolgern erfolgreich weiterentwickelt wurde.

Ein Thema der Ausstellung ist der Entwicklung und Entstehung der Dior-Parfums gewidmet – inklusive ihrer aufwendigen Flakons

Tipp:

Bucht Euer Ticket für die Ausstellung online. So vermeidet Ihr stundenlange Warterei. Geduld braucht Ihr trotzdem, denn vor den einzelnen Exponaten herrscht großer Andrang. Deshalb auch Vorsicht vor Taschendieben (ich bin seither um einen wunderschönen Cashmereschal ärmer). Ausreichend Zeit einplanen: Ich habe vier Stunden benötigt, um mir die Ausstellung anzusehen.

So schön: links ein Entwurf von Christian Dior von 1956, rechts von seinem Nachfolger Yves Saint Laurent aus dem Jahr 1960

Info Christian Dior-Ausstellung:

Die weltgrößte Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“  – dem Modeschöpfter der Träume läuft noch bis zum 7. Januar 2018 im Musée des Arts Décoratifs in Paris

Christian Dior wollte ursprünglich Architekt werden, begeisterte sich aber auch für Malerei und startete seine Karriere zunächst als Galerist

Anfangs gestaltete Dior Hutmode für die Modebeilage der Zeitung Le Figaro. Diese Entwürfe waren Auftragsarbeiten für den Modisten Claude Saint Cyr

Ein Kleid schöner als das andere

Persönlichkeiten wie die englische Prinzessin Margaret (Foto), Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Marlene Dietrich und Lady Diana wurden von dem Traditionshaus eingekleidet

Heute zählen Jennifer Lawrence, Natalie Portman und Rihanna zu den Fans der Marke Dior

Hier im Bild Entwürfe von John Galliano (ganz hinten) und Raf Simons (Mitte) mit einer Reminiszenz an Christian Diors Vorliebe für Opulenz

Dieser Teil der Ausstellung ist den Farben gewidmet: Accessoires und Kleidung in Weiß …

… Schwarz-Weiß …

… Grau … mit einem Mega-Collier von John Galliano und aufwendig gestalteten Mini-Modellen, die den jeweiligen Entwurf bereits im Detail zeigen

… Orange …

… Rot …

… Lila …

… in allen Nuancen und Schattierungen …

… sowie Blau …

… und Schwarz

„Parfum verleiht jedem Kleid den letzten Schliff.“

Eine meine Lieblingsroben

Aufwendig bestickter Abendschuh

Und immer wieder John Galliano …

… der mich mit seinen fantasievollen Kreationen wie hier zum Thema Fernost immer wieder begeistert. Ganz rechts im Foto ein Entwurf von Christian Dior

John Galliano: „Thamar“ und „Shéhérazade“, Frühling-Sommer 1998

Das Gartenthema in rosa Variationen

… und die Maiglöckchenlinie Diors (ganz hinten) interpretiert von seinen Nachfolgern

Dieser filigran bestickte Blütentraum ist ein Entwurf von Raf Simons

Und nochmal John Galliano: Wunderschön, oder?

Das Reisethema mit unvergänglicher Mode aus allen Dior-Dekaden

Dior auf den Titeln internationaler Hochglanzmagazine: „Die Veröffentlichung meiner Entwürfe und Zeichnungen in Magazinen zeigten meine Kreationen in einem ganz neuen Licht.“

Die Nachfolger Diors prägten das Erbe Christian Diors und stehen für die Weiterentwicklung des Dior-Stils: Yves Saint Laurent

Marc Bohan

Gianfranco Ferré

John Galliano

Raf Simons

Maria Grazia Chiuri

„Meine Kleider beabsichtigen, den Proportionen des weiblichen Körpers zu huldigen.“

Atelieratmosphäre mit Entwürfen, die zunächst aus weißem Nesselstoff gefertigt werden, was in diesem Teil der Ausstellung von Näherinnen demonstriert wird

Am Ende der Ausstellung das eigentliche Highlight: Im spektakulären Ambiente eines Ballsaals erwartet den Besucher eine Inszenierung aus üppiger Eleganz, Licht- und Soundinstallation. Allein für diesen Raum sollte man eine halbe Stunde einplanen

MyStylery in Action   Die weltgrößte Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“ läuft noch bis zum 7. Januar 2018 im Musée des Arts Décoratifs in Paris

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Der Kreuzberg bei Krumau, 1910

Bei meinem letzten Besuch in Wien habe ich mir die derzeitige Sonder-Ausstellung des Malers Egon Schiele angesehen. Die Wiener Albertina verfügt über eine der größten Schiele-Sammlungen überhaupt. Zum Auftakt des Gedenkjahres 2018, in dem sich der einhundertste Todestag Schieles jährt, zeigt die Albertina nun eine umfassende Ausstellung aus ihrem Bestand von Egon Schieles Werk. Präsentiert werden 180 seiner schönsten Gouachen und Zeichnungen, die sich mit Themen wie der existenziellen Einsamkeit des Menschen im drastischen Gegensatz zu den Wertvorstellungen der Gesellschaft des Fin de Siècle auseinandersetzen.

Selbstbildnis mit Pfauenweste, 1911

Neben seinen Erinnerungen an die Zeit im österreichischen Krumau und diversen Selbstbildnissen beinhaltet die Schiele-Ausstellung  zahlreiche Darstellungen von Kindern und Akte junger Mädchen. Die Kinder stammten von der Straße, aus dem Arbeiter-Milieu und Schiele inszenierte sie in seinen Bildern wie „ästhetisches Material“, nicht als idealisierte Form der Erotik. Obgleich erstaunlich viele Künstler seiner Zeit – darunter die Maler Oskar Kokoschka und Gustav Klimt – dem Ideal der Kindfrau huldigten. Meiner Meinung nach hat diese Art der Darstellung eher etwas Verstörendes.

Sitzender Mädchenakt, 1911

Gleichzeitig offenbaren sich in Schieles Zeichnungen das Leid und die widrigen Lebensumstände der armen Bevölkerung im 19.Jahrhundert. Seine Bilder sind nicht gefällig, sondern gehen weg von der Ästhetik des Schönen hin zum Hässlichen. Während Schiele als Teil der künstlerischen und geistigen Elite der Wiener Jahrhundertwende betrachtet wird, folgt die Inszenierung der Ausstellung in der Albertina einem anderen Prinzip: Große, im Raum schwebende Fotografien konfrontieren die radikalen Arbeiten des Künstlers mit der Realität seiner Umwelt. Sie bilden den realen Hintergrund, der die Diskrepanz zwischen dem Schaffen Schieles und der ihn umgebenden Gesellschaft verdeutlicht. Und das ist in gleichem Maße beeindruckend wie schockierend. BvH

Über Egon Schiele:

Egon Schiele wurde 1890 im niederösterreichischen Tulln geboren. Schon früh zeigte sich sein malerisches Talent und er wurde 1906 – mit gerade 16 Jahren – an der Wiener Akademie der bildenden Künste aufgenommen. Nach zwei Jahren verließ Schiele die Akademie – enttäuscht vom starren Akademiealltag – und gründete mit einigen Kommilitonen die Wiener Neukunstgruppe. 1911 ging er von Wien nach Krumau, zusammen mit seinem wohl bekanntesten Modell, der damals 17Jährigen Wally Neuzil. Es begann eine künstlerisch überaus produktive Periode. Die Altstadt Krumaus wurde zu Schieles beliebtesten Motiv. Sein Lebensstil wurde jedoch wegen der „wilden Ehe“ mit Wally als anstößig empfunden. Die Besuche von Kindern in Schieles Atelier brachten ihn wegen angeblichen Missbrauchs für 24 Tage in Untersuchungshaft.

1912 kehrte er nach Wien zurück. Dank seines Gönners und väterlichen Freunds, dem Maler Gustav Klimt konnte er sich schnell in Wien re-etablieren und feierte in der österreichischen Kunstszene erneut große Erfolge. 1915 heiratete Schiele seine langjährige Freundin Edith Harms. Edith verlangte von Schiele den Bruch mit Wally Neuzil, dem er schweren Herzens nachkam. 1918 wurde Egon Schiele die 49. Ausstellung der Wiener Secession gewidmet, in der er 19 große Gemälde und 29 Zeichnungen ausstellte. Gegen Ende des I. Weltkrieges wurde die österreichische Hauptstadt von der Spanischen Grippe überrollt. Edith Schiele, im sechsten Monat schwanger, erlag dieser Krankheit im Herbst 1918. Schiele hatte sich angesteckt und verstarb nur drei Tage später mit erst 28 Jahren.

Sonnenblumen, 1911

Stehendes Mädchen, 1910

Blondes Aktmodell auf einem braunen Tuch, 1912

Triestiner Fischerboot, 1912

Alte Häuser in Krumau, 1914

Alte Giebelhäuser in Krumau, 1917

Edith Schiele, 1915 …

… und ihre Schwester Adele Harms

Weiblicher Akt

Liegender Frauenakt mit gespreizten Beinen, 1914

Drei Mädchen, 1911

Plakat der 49. Ausstellung der Secession, 1918

Anton Josef Trcka: Egon Schiele in Pose, 1914

Egon Schiele in der Albertina

„Zwischen Moderne und Tradition“: 22. Februar bis 18. Juni 2017

Kontakt Albertina:

albertina.at

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Das Palais Barberini ist ein wahres Schmuckstück und verleiht dem Platz ‚Alter Markt‘ in Potsdam eine neue Silhouette*

Ende Januar war es endlich soweit: Das Museum Barberini in Potsdam wurde in Anwesenheit von Bundeskanzlerin Angela Merkel, Bundespräsident Joachim Gauck und geladenen Gästen feierlich eröffnet. Ein besonderer Abend, an dem ich die Ehre hatte, dabei zu sein. Drei Jahre hat der von Förderer und Kunstsammler Hasso Plattner finanzierte Wiederaufbau des Barberini Palais gedauert. Erbaut nach italienischem Vorbild in den Jahren 1771 und 1772, wurde das Gebäude im Zweiten Weltkrieg stark beschädigt und 1948 abgerissen. Nun erstrahlt das Palais mit seiner rekonstruierten historischen Fassade und modernisierten Innenräumen als Kunstmuseum in neuem Glanz.

Claude Monet – Der Palazzo Contarini

Hasso Plattner wurde als Unternehmer mit der Gründung der Softwarefirma SAP zum Milliardär. Nachdem er sich 2003 aus dem aktiven Geschäft zurückgezogen hatte, widmete Plattner sich mit seiner Stiftung wissenschaftlichen, sozialen und kulturellen Förderprojekten. Im Museum Barberini präsentiert er auch Objekte seiner eigenen Sammlung, denn der Kunstliebhaber besitzt eine umfangreiche impressionistische Sammlung mit Werken von Monet, Renoir und Sisley sowie diverse Werke an DDR-Kunst.

Das klassische Treppenhaus im Palais Barberini: Wunderschön!*

Die Eröffnungs-Ausstellung ‚Impressionismus – Die Kunst der Landschaft‘ hat mich total begeistert. Ich liebe die Impressionisten, allen voran Claude Monet und Gustave Caillebotte und kann Euch diese Ausstellung nur ans Herz legen. Sie umfasst Werke aus der Sammlung Hasso Plattners und anderen Privatsammlungen sowie Leihgaben internationaler Museen. Auch in künftigen Ausstellungen werden zu verschiedenen thematischen Schwerpunkten Teile aus Plattners Sammlungen in Kombination mit internationalen Kooperationspartnern gezeigt. ‚Die Kunst der Landschaft‘ ist noch bis zum 28. Mai 2017 im Museum Barberini zu sehen. Nichts wie hin! BvH

Gustave Caillebotte – Sonnenblumen im Garten Petit

Besonders gut gefällt mir das Farbkonzept im Museum Barberini. Die gewählten Wandfarben unterstützen die Gemälde subtil in ihrer Leuchtkraft*

Henri Le Sidaner – Fenster mit Nelken, Gerberoy

Im Arm von Modedesigner Wolfgang Joop, der sehr angetan war von der gezeigten Kunst

Das Palais Barberini, erbaut nach italienischem Vorbild in den Jahren 1771 und 1772*

Das Museum Barberini in Potsdam stellt seit dem 23. Januar 2017 in wechselnden Ausstellungen verschiedene Themen, Künstler und Epochen vor. Ausgangspunkt ist die vom Impressionismus geprägte Sammlung Hasso Plattners*

Stundenlang könnte ich in diesem Bild versinken: Die Brücke von Argenteuil von Claude Monet

The one and only Bill Gates und ich bei einem Gläschen Schampus

Camille Pissarro – Morgen, Lichteffekt,Éragny

Hasso Plattners Sammlung von Kunst aus der DDR wird zeitgleich zu den impressionistischen Landschaftsbildern gezeigt

Kontakt Museum Barberini

museum-barberini.com

Featured photo and pics marked* by Museum Barberini

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Livingroom: Das Ölgemälde von Mauritius (1987) zeigt Sigmund Loewe, den Erfinder von Radio und Fernsehen neben seinem Freund, dem Physiker Albert Einstein. Davor ein Sofa von Living Divani und ein Vintage-Sessel von Hans Wegner

Ein cooler Neubau in Berlin, im Dachgeschoss des Gartenhauses ein moderner Wohntraum auf mehreren Etagen – Japanischer Zen-Garten inklusive. Der Hausherr ist ein umtriebiger Geschäftsmann, ein Kosmopolit, der den Ausgleich zu seinem reiseintensiven Leben in der Orchideenzucht findet. Selbstverständlich mit dazugehörigem Gewächshaus.

Internet-Pionier, Kunstsammler, Buchautor und Geostratege Hubertus Hoffmann

MyStylery: Orchideenzucht ist ein ungewöhnliches Hobby für einen Großstädter inmitten einer Metropole wie Berlin…
Hubertus Hoffmann: Stimmt. Aber diese Pflanzen begeistern mich schon seit meinem 16. Lebensjahr. Hier geht es nicht um Geld und Aktien, sondern um Schönheit und Exotik. Das Gewächshaus ist mein romantischer kleiner Dschungel.

Zen-Garten und Gewächshaus auf der Dachterrasse

MS: Dein Dachgarten ist ein kleiner grüner Traum. Hat er Dich zu der Initiative „Grün auf‘s Dach“ inspiriert?
HH: Es gibt immer weniger Grün in den Städten, aber riesige, ungenutzte Dachflächen. Ziel der mehr als 500 Unterstützer von „Grün auf‘s Dach“ ist es, die Hälfte aller Dachflächen im Laufe der kommenden Jahre zu begrünen. Das ist technisch machbar. Leider steht die 100 Jahre alte, antiquierte Bauverordnung im Weg, sie muss den Bedürfnissen von heute angepasst werden.

Essbereich und offene Küche mit einem Portrait von Twiggy

MS: Du hast in vielen internationalen Städten gelebt. Gibt es etwas, das Du in Deutschland vermisst?
HH: Den Deutschen fehlt häufig der Humor, das Lässige. Das gilt auch für ihre Wohnungen. Die meisten sind immer noch spaßfreie Zonen und spießig.

Das Empfangskomitee im Entrée ist Revolutionskitsch aus China. Darüber wacht die Kuh von Andy Warhol

MS: Apropos: Ein lustiges Empfangskomitee hast Du im Flur drapiert…
HH: …das ist Revolutionskitsch aus China. Die Porzellan-Figuren habe ich mal in Hongkong auf einem Flohmarkt entdeckt. Über Mao und Co hängt die pinke Kuh von Andy Warhol, das ist doch ein guter Kontrast.

Ein besonderes Souvenir ist die Biker-Jacke der Rolling Stones von einem ihrer letzten Konzerte in den USA

Die Serie von Keith Richards fotografierte Peter Lindbergh

Die Gitarre der Rolling Stones mit den Unterschriften aller Bandmitglieder

MS: Absolut. Was hat es mit der gerahmten Biker-Jacke auf sich?
HH: Die stammt von einem der letzten Rolling Stones Konzerte in den USA, darunter eine Gitarre aus einem Stones-Konzert. Alle Bandmitglieder haben unterschrieben. Ich mag aber auch das Bismarck-Portrait von Lenbach von 1897, das ich auf einer Auktion ersteigert habe. Daneben steht der Offiziersdegen meines Vaters. Jedes Teil hat eine Bedeutung.

Das Bismarck-Portrait malte Franz von Lenbach 1897, davor der Offiziersdegen von Hubertus Vaters

Das Arbeitszimmer

MS: Auf welches Stück bist Du besonders stolz?
HH: 1988 habe ich für 50 DM ein Plakat von Gerhard Richter in meiner Heimatstadt Goslar am Harz gekauft, als er den Kaiserring bekam. Die „Kerze“ hat er damals auch für mich signiert. Heute ist das Bild mehr als das Tausendfache wert. Meine kleine afrikanische Sammlung mag ich auch sehr, vor allem den antiken Häuptlingsstuhl aus Äthiopien oder den Häuptlingsschmuck, beide Teile haben gerade mal zusammen 700 Euro gekostet.

Gerhard Richter signierte das Plakat „Die Kerze“

MS: Ein gelungener Lifestyle ist…
HH: …wenn sich die Wohnung als Event gestaltet, alt und neu, preiswert und edel miteinander kombiniert werden. Aus den alten Rosenthal-Tassen meiner Mutter beispielsweise schmeckt mir mein Nachmittags-Tee einfach am besten. Wichtig sind mir gute Fotos oder Bilder an der Wand. Viele haben tolle Möbel, aber scheußliche Kunst oder gar keine.

Das Ensuite-Bad …

…grenzt direkt ans Schlafzimmer. Im Hintergrund der limitierte Helmut Newton-Bildband „Sumo“

MS: Was sind in Deinen Augen Einrichtungssünden?
HH: Fernseher. Das sind schwarze Löcher, die immer größer werden und die Räume dominieren. Ich hänge vor jedes TV-Screen ein Bild, das sich bei Bedarf per Knopfdruck zur Seite schiebt. Oft werden Wohnungen zu voll gestellt. Einrichtung sollte leicht sein mit gemütlichen Kuschel-Ecken.

Kunst von Christo im Flur …

… der dadurch zur Galerie wird

MS: Gibt es ein Interior-Investment, das Du nicht wiederholen würdest?
HH: Als Student wohnte ich wie wohl die meisten mit Ikea-Möbeln. Nicht ein Teil hat die Jahre überlebt. Über die vielen Jahre sind sicher 15.000 DM zusammen gekommen, die ich besser schon damals in Kunst oder ein gutes Möbelstück investiert hätte. Ich kann nur davon abraten, Massenware zu kaufen. Vintage-Möbel und gute Fotokunst hingegen gewinnen an Wert. Die besten Deals macht man übrigens bei Online-Versteigerungen. BvH

Das Roboter-Männchen von Nam Yun Paik

Die Treppe führt in den oberen Stock. Auch hier überzeugt die sachliche Architektur

Auf der Galerie die Fotoarbeiten „Papst“ …

… und „Dalai Lama“, beide von Tom Lemke – entstanden in Zusammenarbeit mit Hubertus Hoffmann unter dem Titel „Champions and the art of tolerance“

Im oberen Stock befindet sich der Gästebereich, wo Hubertus Funde aus Afrika dekoriert hat

Kunst und Reiseandenken im Mix

Afrikanische Kunst und eine Fotoarbeit von Michael Poliza

Gemälde von A.R. Penck

Humor darf in der Einrichtung nicht fehlen: Die Figuren sind Flohmarktfunde aus Hong Kong. „Angie“ (witzig, oder?) kaufte Hubertus in Berlin

Weitere Infos zum Thema „Grün aufs Dach“ auf Facebook:

https://www.facebook.com/pages/Gr%C3%BCn-aufs-Dach/1565000283717883?fref=ts

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