Giovanni Battista Moroni: Portrait des spanischen Edelmannes Prospero Alessandri (ca. 1560)

Wien ist mir ja, wie Ihr wisst, immer eine Reise wert! Gerade zeigt die Albertina weit über einhundert herausragende Gemälde und Skulpturen aus den exquisiten Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein (bis 10. Juni) – prachtvolle Alte Meister von Rubens bis Makart. Ein guter Grund, die Donaumetropole zu besuchen. Für einen ersten Eindruck (und für diejenigen, die es nicht nach Wien schaffen) zeige ich hier eine Auswahl der schönsten Exponate.

Antico: Büste des Marc Aurel (ca. 1500)

Die prachtvollen Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein zählen mit jenen des britischen Königshauses zu den bedeutendsten und größten Privatsammlungen der Welt. Sie vereinigen imposante Skulpturen und Gemälde der Frührenaissance und des Barocks von Adriaen de Vries, Peter Paul Rubens und Anthonis van Dyck. Großartige Arbeiten der italienischen und französischen Künstler Giambologna aka Giovanni da Bolgna, Giovanni Antonio Canal genannt Canaletto und Hyacinthe Rigaud; Meisterwerke des Wiener Biedermeiers von Friedrich von Amerling und Ferdinand Georg Waldmüller sowie erlesene Gemälde der Hans Makart-Zeit.

Hans Makart: Der Tod der Kleopatra (1875)

Das ursprünglich österreichische Adelsgeschlecht derer Liechtenstein verfügte im Mittelalter in Niederösterreich und Mähren über umfangreiche Besitzungen. 1599 konvertierte Karl I. von Liechtenstein vom Protestantismus zum Katholizismus. 1608 wurde er in den erblichen Fürstenstand erhoben und legte damit den Grundstein für den Aufstieg des Hauses Liechtenstein. Anfang des 18. Jahrhunderts wurden die in verschiedenen fürstlichen Schlössern und Palästen aufbewahrten Sammlungen in das Wiener Stadtpalais gebracht.

Salviati: Portrait eines Mannes (ca. 1543-48)

Vor 300 Jahren, im Jahr 1719, erhob Kaiser Karl VI. die benachbarten Besitztümer Vaduz und Schellenberg zum Reichsfürstentum. Liechtenstein wurde ein eigenständiger Staat innerhalb des Heiligen Römischen Reiches. Ab 1807 ließ Johann I. von Liechtenstein die umfangreiche Bildergalerie vom Wiener Stadtpalais in das vor den Stadtmauern gelegene Gartenpalais überführen. 1810 machte das Haus Liechtenstein seine Sammlung der Öffentlichkeit zugänglich, fünf Jahre nach Herzog Albert, dem Gründer der Albertina.

Lucas van Valckenborch der Ältere: Der Blindensturz (nach 1568)

Schon ein Jahr davor kämpfte Fürst Johann I. von Liechtenstein an der Seite des Generalissimus Erzherzog Carl in der Schlacht von Aspern (1809). Er ließ diesen ersten Sieg gegen die Truppen Napoleons von Johann Peter Krafft in einem monumentalen Gemälde festhalten (heute als Dauerleihgabe der Fürstlichen Sammlungen in den Prunkräumen der Albertina).

Quentin Massys der Ältere: Die Steuereintreiber (ca. 1525-30)

Fürst Alois II. und sein Sohn Johann II. wurden im 19. Jahrhundert zu den größten Auftraggebern und Sammlern des Wiener Biedermeiers. Hunderte Gemälde von Waldmüller, Fendi, Amerling und Rudolf von Alt in den Wiener Sammlungen gehen auf Schenkungen Johanns II. zurück. Den Ersten Weltkrieg und das Ende der Habsburger Monarchie überstanden die Sammlungen des Hauses Liechtenstein unbeschadet. In den letzten Wochen des Zweiten Weltkriegs wurden sie in das neutrale Fürstentum Liechtenstein in Sicherheit gebracht.

Osias Beert der Ältere: Großes Stillleben mit Äpfeln, Trauben und Blumenvase (ca. 1600-20)

In den Zeiten wirtschaftlicher Bedrängnis und der Enteignungen nach der Teilung Europas in Ost und West wurden viele Gemälde veräußert, darunter Hauptwerke von Leonardo, Canaletto und Rubens. Erst unter Fürst Hans-Adam II. von und zu Liechtenstein wuchs die Sammlung wieder in einem beträchtlichen Umfang. Mit den schönsten und bedeutendsten feiert die Albertina im Palais Herzog Alberts und Erzherzog Carls, die mit dem Haus Liechtenstein einst so enge Beziehung pflegten, den 300. Geburtstag des Fürstentums.

Text: Albertina Wien

Ich vor dem Rubens-Bildnis seiner Tochter Clara Serena (ca. 1616)

…nochmal aus der Nähe…

Franz Jansz. van der Uyl: Frühstück mit Zinnkanne (1635) – Faszinierende Details wie hier die Silberschale und die Lichtreflexe der Kanne

Jan van Huysum: Blumen in einer Terrakottavase (ca. 1725) …man beachte die plastische Darstellung der Putten auf der Vase

Peter Paul Rubens: Venus vor dem Spiegel (ca. 1614/15) …und hier die Armspange der Venus sowie die Spiegelperspektive!

Anthonis van Dyck: Portrait einer Frau (1618) …beeindruckend, die Filigranität von Spitze und Schmuck…

Anthonis von Dyck: Der heilige Hieronymus (ca. 1615/16)

Roelant Savery: Blumenbouquet (1612)

Guiseppe Arcimboldo: Terra (Die Erde) ca. 1570

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder dieser Ausstellung: „Landschaft mit dem jungen Tobias“ von Jan Brueghel dem Älteren (1598). Selbst in der Tiefe des Bildes entdeckt man feinste Detail-Darstellungen

Adriaen de Vries: Der heilige Sebastian (ca. 1613/14)

Peter Paul Rubens: Jan Vermoelen (1616)

Anthonis van Dyck: Maria de Tassis (ca. 1629/30)

Fünf Jahrhunderte Kunstgeschichte

Gerrit Adriansz. Berckheyde: Der Marktplatz von Haarlem (1661)

Frans Snyders: Liegende Löwin (ca. 1620/30)

Blick in die Ausstellungsräume der Albertina, im Hintergrund „Kampf der Römer gegen die Sabiner“ von Sebastiano Ricci (ca. 1700)

Domenico Guidi: Büste der Maria Annunciata (ca. 1670)

Franz Eybl: Die Erdbeerverkäuferin von Hallstatt (1844)

Friedrich Wilhelm Schadow: Felix Schadow (ca. 1830)

Ferdinand Georg Waldmüller: Rosen (1843)

Franz Anton Zauner: Sitzstatue der Klio (1779) – im Hintergrund Werke von Batoni

Ferdinand Georg Waldmüller: Blumen in der Porzellanvase mit Leuchter und Silbergefäßen (1839)

Friedrich von Amerling: Prinzessin Maria Franziska von Liechtenstein (1836)

Kontakt Albertina:

albertina.at

Mehr Artikel über Kunst und Kultur findest Du hier.

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Brügge – belgische Perle mittelalterlicher Architektur. Hier der Markt

Für mich als Lübeckerin ist ein Besuch in der belgischen Stadt Brügge wie ein Déjà-vu. Nur, dass meine Heimatstadt nicht im Vergleich mit dieser Ansammlung an pittoresken Patrizierhäusern, barocken Stadtpalais und klassizistischen Fassaden aufwarten kann. Wenn man durch Brügges Altstadt spaziert, erinnern die zahlreichen Grachten und Brücken auch an Amsterdam. Man spürt es an jeder Ecke Brügges, dass dieses Architektur-Juwel vom 13. bis ins 15. Jahrhundert eine der erfolgreichsten Handelsstädte gewesen ist und es beeindruckt mich, in welcher historischen Homogenität sich die Stadt sieben Jahrhunderte später immer noch präsentiert.

Brügge wurde nie durch Kriege oder großflächige Brände zerstört, weshalb der berühmte historische Stadtkern – seit 2002 Unesco Weltkulturerbe – erhalten blieb

Zur Einstimmung auf meinen Besuch in Brügge hatte ich mir den US-Film „Brügge sehen und sterben“ mit Colin Farrell angesehen und mich im Anschluss gefragt, wie man es bei den Dreharbeiten geschafft hat, die Touristenmassen fernzuhalten. Ich war von meinem belgischen Freund Winny schließlich vorgewarnt: „Ja, es ist immer voll in Brügge. Trotzdem sollte man einmal dort gewesen sein.“ Vielleicht nicht gerade an einem Wochenende und schon gar nicht, wenn 20.000 Fußballfans die Stadt stürmen und den Meistertitel ihres Vereins FC Brügge auf dem Markt in der Altstadt feiern. Die Tagestouristen fluten die historischen Mauern zu jeder Jahreszeit ab spätestens 11 Uhr morgens und walzen sich durch die engen Gassen dieses Bilderbuch-Ortes in Westflandern. Wer tagsüber den Massen entkommen möchte, läuft einfach jenseits der einschlägigen Plätze wie „Markt“ und „Burg“ und findet sich plötzlich in ruhigen Wohngegenden oder in begrünten Innenhöfen wieder. Eine Auszeit bietet auch der Beginenhof, der zwar auch ein Sightseeing-Highlight ist, in dem aber Gruppen keinen Zugang haben.

Lust auf eine Auszeit? Der Beginenhof ist eine grüne Oase der Ruhe und trotzdem mittendrin

Kulinarisch hat sich Brügge auf die Touristen eingestellt: Rund um den Markt, Burg und anderen „Places to see“ gibt es viele Restaurants, leider nicht immer gut, dafür häufig mit überteuerten Speisen. Und obwohl ich eigentlich weiß, dass man in Monaten ohne „r“ auf Muscheln verzichten sollte, habe ich „Moules Frites“ bestellt. Die belgische Spezialität wird hier ganzjährig angeboten, ist TK-Ware und von zweifelhafter Qualität. Mein Tipp: Ein Mittag- oder Abendessen in einem der zahlreichen Michelin- und Gault Millau-Restaurants, von denen viele vergleichsweise erschwingliche Lunchmenüs anbieten. Oder man entdeckt jenseits der Touristenpfade die Lokale der Einheimischen, wie der „Sanseveria“ in der Predikherenstraat.

Jenseits der Touristenpfade die Lokale der Einheimischen entdecken, wie der „Sanseveria“ in der Predikherenstraat: Die hippe Seite des mittelalterlichen Brügge

Wenn sich der Abend über Brügge senkt, die Tagestouristen wieder abgereist sind, atmen Stadt und ihre Bewohner erkennbar auf. Die Altstadt taucht ein in ein besonderes Licht, das die alten Mauern effektvoll in Szene setzt. Gleich um die Ecke meines Hotels Prinsenhof liegt das Feinschmeckerlokal Guillaume. Ich genieße ein köstliches Menü und einen super netten Service. Auf dem Weg zum Hotel erlebe ich die inzwischen menschenleeren Gassen Brügges bei Mondschein. Romantik pur! Ein Gefühl, das wenige Stunden zuvor kaum aufgekommen wäre.  BvH

Brügge bei Nacht

Triennale Brügge

Art-Installation von Studio KCA am Jan van Eyck Platz

Kunstfans aufgepasst: Bis zum 16. September wartet in Brügge die Kunstausstellung Triennale auf mit 15 – teils begehbaren – Werken und Installationen, die sich über die gesamte Altstadt verteilen. Zentrales Thema: Liquid Society beleuchtet die Folgen der sich ständig verändernden zwischenmenschlichen Beziehungen. Kunst und Stadt lassen sich somit gemeinsam per Rundgang erkunden.

Unterhalb des blauen Wals hat das Feinschmeckerrestaurant Spinola seine Tische aufgebaut. Kunstgenuss aus unmittelbarer Nähe

Apropos Genuss: Dieses Café am Platz Biskajersplein gibt es nur während der Triennale

Reckt sich dem Himmel entgegen: Skulptur Lanchals – lange Hälse – von John Powers erinnert an einen Schwanenhals

Temporäre Brücken-Installation von Jaroslaw Kozakiewicz

Abkühlung gefällig? Vom pinkfarbenen Plastik-Pavillion der spanischen Architekten Selgascano darf man einen Sprung in die Gracht wagen

Urband Model nannte der belgische Künstler Wesley Meuris seinen Triennale-Beitrag, in dem sich Architektur und städtisches Leben begegnen

Minne Floating School von Kunlé Adeyemi: Eine Art schwimmende Schule, Auseinandersetzung mit dem Klimawandel und ein Anreiz zur Erschaffung erneuerbarer Engergien

Planung ist alles: Wo ist was auf der Triennale Brügge 2018?

Wo man sich in Brügge bettet

Es gibt einige vielversprechende Boutique-Hotels in Brügge wie das Van Cleef, Hotel Die Swaene oder das Relais Bourgondisch Cruyce. Das Relais Bourgondisch Cruyce ist besonders schön eingerichtet (ich liebe das belgische Interior mit seinen sanften Farben) und liegt direkt am Kanal. Mit seiner historischen Fassade gehört es zu den meist fotografiertesten Spots in der Stadt. Ein Aspekt, der für etwas Unruhe sorgt. Ich entscheide mich deshalb für den „Prinsenhof“, das fußläufig in drei Minuten vom Markt in einer ruhigen Seitenstraße liegt.

Boutique-Hotel „Die Swaene“

Das Hotel Relais Bourgondisch Cruyce liegt direkt am Kanal…

…und ist besonders schön eingerichtet – ich liebe das belgische Interior mit seinen sanften Farben!

Rozenhoedkaai: Der meist fotografierteste Spot der Stadt. Was für ein herrlicher Blick!

Der Prinsenhof…

…mit seiner hübschen Lobby und einem Kamin mit Delfter Fliesen

Mein geräumiges Zimmer ist mit schönen Stoffen gestaltet und mit separater Toilette ausgestattet. Der Service im Prinsenhof ist professionell freundlich, aber leider nicht herzlich

Brügges Kulinarik

Ich lasse mich im Sternerestaurant Guillaume verwöhnen, das in der Korte Lane residiert in einem alten Cottage. Von außen wirkt es fast ein bisschen unspektakulär, so dass wir fast daran vorbeigegangen wären. Ich entscheide mich für das Dreigänge-Menü „Crazy Creations“ für 52 Euro: Amuse-Gueule aus neuinterpretiertem Vitello Tonato, Roastbeef und Zander. Als Vorspeise: Hummer, Fois Grois, Iberico Schinken und exotische Früchte. Gefolgt von Perlhuhn mit gerösteten Tomatenwürfeln und zum Dessert eine Himbeerschnitte. Wir verzichten auf die Weinbegleitung und wählen den Rosé Luberon aus der Provence, die Flasche für 32 Euro

Ich lasse mich im Sternerestaurant Guillaume verwöhnen

Allein die Vorspeise ein Augenschmaus: Hummer, Fois Grois, Iberico Schinken und exotische Früchte

Im Aux Merveilleux am Eiermarkt genießt man nicht nur den Blick auf einen imposanten Kronleuchter…

…sondern auch ein köstliches Frühstück mit ofenwarmem Brot und Croissants

Willkommen im Schokoladenparadies: Belgiens Schokolade ist legendär, aber auch hier gibt es qualitative Unterschiede. So ist nicht jede Trüffelpraline, die auf der Wollestraat in zig nebeneinander liegenden Confisserien angeboten wird, von überragender Qualität….

…Ein Augenschmaus: Meterlang türmen sich die Schokoladenberge

Gemütlich ist das Restaurant Assiette Blanche mit seinen Holzvertäfelungen. Serviert wird ein Lunch-Menü für 37 Euro:

Nach dem Amuse-Gueule – ein mit Anchovis und Parmesan gefüllter Macaron- folgt frittierte Seezunge mit Blattsalaten und Aioli…

Anschließend gegrillte Hüfte vom Lamb mit blanchierten und pürierten Karotten und Wildblumen…

Dessert: Rhabarber und Erdbeeren mit Baiser und Vanilleeis. Ein Glas vom offenen Weißwein aus dem Macon wird für 7 Euro angeboten. Der Service ist hervorragend und besonders freundlich

Brügge sehen und (hoffentlich nicht) sterben

Durchgang zum Burgplatz

Reichgestaltete Fassaden an den Häusern rund um den Burgplatz

Hier das Rathaus

Üppiger Barock, wohin man sieht

Lange Wartezeiten und Schlangen vor den Bootsanlegern für eine Fahrt auf den Grachten Brügges. Tipp: Dreimal täglich legen Boote zu einer halbstündigen Fahrt ins benachbarte Damme ab, der ehemals bedeutenden Handelsstadt. Vorherige Reservierung erforderlich

Wunderschöne Architektur im Kortewinkel wie hier die Bar Groot Vlaenderen

…mit beeindruckenden Türdetails

…nochmal …

…und imposanten privaten Türportalen

Über den Dächern von Brügge

Beeindruckend finde ich die Dachkonstruktionen mit den verwinkelten Schornsteinen und verspielten Türmen. Was für eine Pracht!

Wohnt hier Harry Potter?

Am besten, man hält den Blick immer nach oben gerichtet, dann entgeht einem nichts

…wie zum Beispiel diese prächtige Hausansicht

Ich liebe den belgischen Style mit den blassroten Klinkern und den dunkel gefassten Tür- und Fensterrahmen. Sooo edel!

Orte der Stille

Ja, es gibt sie, die beschaulichen Orte der Ruhe und Stille in Brügge

…wie dieses entzückende Rotklinker-Cottage direkt am Kanal gelegen

Meetingpoint für die Enten und Schwäne Brügges am gegenüberliegenden Beginenhof

Turm mit Aussicht und wunderschönen Shutters

Das verwunschene Garten-Paradies inmitten der Stadt Brügge und am Wasser gelegen: Mehr geht nicht

Idylle im Straßencafé Terrastje

Nur wenige Kopfsteinpflaster-Straßen vom Brügge-Trubel entfernt begibt man sich in eine ruhige Wohngegend, die mit ihren Erkern und Vorgärten ein wenig an London erinnert

Und klar, Windmühlen gehören genauso zu Brügge, wie die alte Wallanlage entlang der Kanäle, auf der sie einst errichtet wurden

Info Triennale Brügge

triennalebrugge.be

Weitere Reisetipps findest Du hier!

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Pablo Picasso: „L’Atelier, 1927 -1929, Öl auf Leinwand

Anfang März ging eine der interessantesten Ausstellungen dieses Jahres zu Ende: Das MoMa – Museum of Modern Art New York – präsentierte einen Teil seiner Sammlung für fünf Monate in der ‚Fondation Louis Vuitton‘ in Paris. Darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Radierungen, Fotografien, Filme, digitale Werke, Installationen, Architektur- und Design-Objekte. Sie alle repräsentieren die vielfältigen Facetten der New Yorker Museumslegende, zu deren umfassender Sammlung mehr als 200.000 Werke zählen.

Paul Cézanne: Nature morte aux pommes (Stilleben mit Äpfeln), 1895 -1998, Öl auf Leinwand

Unter dem Titel „Etre moderne – le MoMa à Paris“ (Modern sein – das Moma in Paris) konnten die Besucher an die 200 Bilder, Skulpturen, Installationen und Filme, aufgeteilt in sechs Themenbereiche, des 20. und 21.Jahrhunderts bestaunen: Ein repräsentativer Querschnitt und eine Bandbreite an Kunst aus allen Dekaden der europäischen und amerikanischen Moderne. Darunter Werke der Künstler Cézanne, Calder, Picasso, Duchamp, Beckmann, Klimt, Kirchner, Kusama, Magritte, Hopper, Pollock, Brancusi, Signac und Warhol.

Edward Hopper: House by the railroad, (Haus an der Eisenbahn), 1925, Öl auf Leinwand. Dieses Bild des amerikanischen Künstlers Hopper war eines der ersten, mit dem das MoMa seine Sammlung startete

Außerdem widmete sich die Ausstellung der Geschichte des Museums selbst, das 1929 in Manhattan eröffnete, mit Alfred H. Barr als Gründungsdirektor und A. Conger Goodyear als Präsidenten. Mit im Board waren auch Josephine Boardman Crane und Paul Sachs. Dokumentiert durch zahlreiche Gegenstände, Fotografien und Architektur-Modellen, erhielt der Besucher Einblicke und Informationen über die Gründer, Mäzene und die anfänglich angemieteten Ausstellungräume des MoMa in einem Bürogebäude auf der Fifth Avenue. In Paris wurden die ersten Werke der Moderne, des Minimalismus und der Pop Art bis hin zu aktuellen digitalen Objekten gezeigt, von denen hier einige zum ersten Mal zu sehen waren.

Gustav Klimt: Die Hoffnung, II, 1907 – 1908. Öl, Gold und Platin auf Leinwand

Für mich war die Ausstellung „Etre moderne“ zudem eine gute Gelegenheit, mir endlich einmal das spektakuläre Gebäude der Louis Vuitton-Stiftung mit seiner faszinierenden Architektur anzusehen, die der Weltklasse-Architekt und Amerikaner Frank Gehry entworfen hat und die im eleganten Pariser Stadtteil Neuilly am Park ‚Bois de Boulogne‘ beheimatet ist. Für alle, die keine Gelegenheit hatten, diese einmalige Sammlung an Meisterwerken zu sehen, lasse ich auf MyStylery meine ganz persönlichen Highlights noch einmal Revue passieren. Viel Freude bei diesem Kunstgenuss!  BvH

Eine von insgesamt 4 Ebenen der Fondation Louis Vuitton in Paris, dem temporären Ausstellungsort des MoMa

Ernst Ludwig Kirchner: Straßenszene Berlin, 1913, Öl auf Leinwand

Henri Matisse: Goldfisch und Palette, 1914, Öl auf Leinwand

Pablo Picassos ‚Junge mit Pferd‘ (1905 – 1906, Öl auf Leinwand) war einer der Publikumslieblinge in der Pariser Schau

Paul Signac: Portrait des Monsieur Félix Fénéon, 1890, Öl auf Leinwand. Dieses Gemälde ziert auch das Cover des Ausstellungskatalogs

Sichtachse in den Ausstellungsräumen der Fondation Louis Vuitton

Salvador Dali: Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931, Öl auf Leinwand

René Magritte: Der falsche Spiegel, 1928, Öl auf Leinwand

Frida Kahlo: Selbstportrait mit kurz geschnittenem Haar, 1940, Öl auf Leinwand

Jackson Pollock: Echo, Nummer 25, 1951, Lackfarbe auf Leinwand

Mark Rothko: Nummer 10, 1950, Öl auf Leinwand

Die Stiftung Louis Vuitton wurde 2014 im Pariser Stadtteil Neuilly am Bois de Boulogne eröffnet auf Initiative von Bernard Arnault, dem Vorstandsvorsitzenden des französichen Luxusartikelkonzerns Moet Hennessy Louis Vuitton (LVMH)

Max Beckmann: Abfahrt, 1932. Öl auf Leinwand, 1933 -1935

Barnett Newman: Onement III, 1949, Öl auf Leinwand

Georgia O’Keeffe: Fenster und Tür eines Bauernhauses, 1919, Öl auf Leinwand

Andy Warhol: Campbells Soup Cans, 1962, Acryl auf 32 Leinwänden

Roy Lichtenstein: Ertrinkendes Mädchen, 1963, Öl und Acryl auf Leinwand

In der Fondation Louis Vuitton werden meist Werke des 20. Jahrhunderts gezeigt

Sessel mit Lichtinstallation im Hintergund

Joseph Beuys: Filzanzug, 1970

Christopher Wool: Untitled, 1990, Lackfarbe auf Aluminium

Gerhard Richter: September, 2005, Öl auf Leinwand

Cindy Sherman: Untitled Film-Stills, 1977 – 1980

Kerry James Marshall: Untitled (Club Szene), 2013, Acryl und Glitter auf ungedehnter Leinwand

Lichtsäulen des Museumsgebäudes spiegeln sich im Wasser

Das Modell der Fondation Louis Vuitton erinnert mit seinen gläsernen Dächern an Schiffssegel. Das von dem amerikanischen Stararchitekten Frank Gehry erbaute Privatmuseum umfasst elf Galerien auf 11.000 Quadratmetern Fläche

Eine beeindruckende Konstruktion aus Holz, Glas und Stahl …

…deren Scheiben den Lichteinfall brechen und nicht direkt in die Räume leitet

Es gibt verschiedene Außenterrassen…

…von denen man einen Blick auf die Silhouette von Paris hat

Trotz nasskalten Wetters war ich beeindruckt von dieser fantastischen Architektur

Im Inneren des Gebäudes gibt es ein Auditorium mit 400 Plätzen, das auch für Konzerte genutzt wird…

…sowie ein Café

Tipp: Tickets am besten online erwerben. Das erspart stundenlanges Anstehen

Übrigens: Architekt Frank Gehry nennt sein Bauwerk Glaswolke

Kontakt Fondation Louis Vuitton

fondationlouisvuitton.fr

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Luciano Castelli vor einem Selbstportrait im Kaufhaus Jandorf

Das kommende Wochenende ist Auftakt zu einem einwöchigen Kunsthappening der besonderen Art: Am 28. Oktober 2017 startet das Kunstprojekt „From White to White“ im historischen Kaufhaus Jandorf in Zusammenarbeit mit der Galerie Deschler in Berlin-Mitte. Im Mittelpunkt stehen die monumentalen Wandmalereien des international bekannten Künstlers Luciano Castelli, der seine Kunst über zwei Etagen im legendären Jandorf eigens direkt auf die Wände bringt. Ergänzt werden Castellis Schwarz-Weiß Bilder durch seine Videoinstallationen aus den 80er Jahren und Fotografien.*

Work in Progress…

Wie kommt ein Künstler auf die Idee, die Wände direkt zu bemalen? Als Castelli 2016 in China im SPSI Art Museum in Shanghai ausstellen sollte, wurden seine Bilder nicht freigegeben und angeliefert. Tatenlos die Heimreise anzutreten, wäre ihm nie in den Sinn gekommen. Und so folgte er der Idee seiner Frau Alexandra und bemalte spontan das gesamte Innere des Museums und brach damit radikal aus dem konventionellen Rahmen der Bildpräsentation aus. „ Auf Leinwände zu malen ist nicht dasselbe, wie die Farbe direkt  auf die Wand aufzutragen“, sagt Luciano Castelli. „Nach 40 Jahren Leinwandbearbeitung musste was Neues kommen. Die gerahmte Leinwand hat ihre Grenzen und wurde mir einfach zu langweilig.“

Die große Halle im Kaufhaus Jandorf als Kulisse für Luciano Castellis monumentale Wandmalereien

Nach viermonatiger Vorbereitungszeit wird Castelli nun auch im Kaufhaus Jandorf wieder mit direktem Auftrag auf die baulichen Strukturen seine Malerei mit Treppen, Säulen und Wänden zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen. Die geschaffene Mehrdimensionalität mancher Werke lässt sich erst durch besondere Betrachtungswinkel erschließen und bindet so den Betrachter aktiv mit ein. Vollendet wird dieser Prozess nach Ablauf der einwöchigen Ausstellungszeit mit dem Übermalen der Werke: From White to White. Die entstandenen Arbeiten werden nach sieben Tagen gelöscht. Leinwände lassen sich verkaufen – und sind für die Ewigkeit. Tut ihm das nicht weh? Ganz und gar nicht, so Castelli, denn hier würde die Vergänglichkeit allen Schaffens thematisiert, als auch seine eigene Wandelbarkeit und Spontanität unter Beweis gestellt. Castellis besonderes Talent ist es, situativ zu reagieren und Neues zu kreieren, und sich dabei immer wieder selbst neu zu erfinden. Gefragt nach dem kommerziellen Aspekt, so ist sich Castelli sicher: „Klar, Bilder lassen sich verkaufen. Doch die alleinige Ausstellung meiner Bilder hätte nicht diese Präsenz und Wahrnehmung. Hier kommt der Erfolg durch die Hintertür.“  BvH

Luciano Castelli und ich

*From White to White im Kaufhaus Jandorf:

Neben den monumentalen Wandarbeiten Luciano Castellis werden im Ballsaal erstmalig 3 x 2 Meter große Arbeiten aus der bekannten Serie „Rudel“ des Berliner Fotografen und legendären Türsteher des Berghain Clubs Sven Marquardt inszeniert. Abends werden die eindrucksvollen Räumlichkeiten des Jandorf zum Schauplatz von Live-Konzerten der Yellow Lounge, der Gruppe Automat und Bettina Köster (ehemals Malaria), Filmpräsentationen von Miron Zownir, Keiichi Matsuda und anderen, sowie weiteren Aktivitäten. Für die Kulinarik sorgt ein Pop up-Restaurant.
Eröffnung: Samstag, den 28. Oktober 2017
Ausstellungsdauer: 29. Oktober bis 5. November 2017
Programm: www.kunstherbst-jandorf.de

Eigentlich schade, dass die Malereien nach einer Woche wieder entfernt werden…

Über Luciano Castelli:

Der Schweizer Künstler Luciano Castelli erlebte früh seinen künstlerischen Durchbruch und nahm als jüngster Teilnehmer 1972 an der Documenta 5 in Kassel teil. Nach seinem Umzug nach Berlin 1978 prägt er an der Seite von Salomé und Rainer Fetting die Malerei der sogenannten Neuen Wilden. Ihm gelang es, diese Malerei zu überwinden und aus ihr neue künstlerische Ansätze zu entwickeln. Mit dem Projekt „From White to White“ kehrt er an seine frühere Wirkungsstätte Berlin zurück. Castelli arbeitet in unterschiedlichen Medien, die sich gegenseitig ergänzen: Malerei, Fotografie, Film, Musik und Skulptur. Arbeitsschwerpunkt seines Werkes sind Selbstinszenierungen, in denen Eigenschaften, Emotionen und Rollen gegenständlich werden: Auf der von ihm gewählten Bühne ist er selbst Akteur und Subjekt zugleich.

Luciano Castelli bewältigt die große Herausforderung in der Malerei und Raumkonzeption mit dem für ihn typischen, bis ins Kalligraphische übergehend gestischen Pinselduktus

Tipp:

Luciano Castelli in der Galerie Deschler
Leinwände und Papierarbeiten aus drei Jahrzehnten
Ausstellungsdauer: 20. Oktober bis 31. Januar 2018, 19–21 Uhr
Kontakt: www.deschler-berlin.de

„Die Berliner wissen zu schätzen, was wir hier machen.“

Luciano Castelli mit seinem Sohn Leandro, der dieses Projekt maßgeblich unterstützt

„40 Jahre Leinwände innerhalb eines bestimmten Rahmens zu bemalen, wurde mir zu langweilig.“

„Die Idee ist, die privaten Wände von Sammlern und Liebhabern zu bemalen“, sagt Luciano Castelli über seine Wandbilder

Im Sommer 2018 wird Luciano Castelli auf Einladung des Leica-Museums die Außenwände des Museums gestalten

„Ich mache die Aktion in Berlin nur, wenn man eine verrückte Halle findet.“ Et voilà…

Stillleben à la Luciano: Bis Samstag ist noch einiges zutun

Außerdem zu sehen: Sven Marquardts eindrucksvolle Schwarz-Weiß-Portraits aus der Berliner Türsteherszene seiner bekannten Serie “Rudel”. Im Lichthof des Kaufhaus Jandorf sind seine auf große Planen gedruckten Fotografien ausgestellt

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Judith Milbergs Ausstellung „Aus der Mitte“ ist vom 18. Juli bis 10. August 2017 in der Hypo Vereinsbank, Leibnizstraße 100 in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Betrachtet man die Bilder der Münchener Künstlerin Judith Milberg, wandelt das Auge über feinziselierte Linien, die sich in Farbklecksen begegnen und von dort in pudrigen Farbverläufen wie Spinnenfäden fantastische Gebilde umkreisen. Man assoziiert Blüten, Äste, Früchte, Kristalle, Krebsscheren, Steine, Pusteblumen, Fabelwesen aus Unterwasserwelten. An Spitzendeckchen denke ich erst einmal gar nicht. Aber genau die verwendet Judith Milberg in den Werken ihrer aktuellen Ausstellung „Aus der Mitte“, die zunächst in München gezeigt wurde und ab dem 18. Juli in der Berliner HypoVereinbank zu sehen ist.

Das künstlerische Multitalent Judith Milberg erklärt ihre Werke gestikulierend mit Händen und – wenn’s sein muss – mit ganzem Körpereinsatz

MyStylery: Judith, was war der Impuls, Spitzendeckchen in Deinen Bildern zu verwenden?
Judith Milberg: Ich liebe die übersehenen, aus der Zeit gefallenen Dinge und ganz besonders gefällt mir die Philosophie der Spitzendecke: Aus einer Masche entwickelt sich eine komplexe, symmetrische Form, die den Gesetzen der Natur folgt, von einer Blume bis hin zum Universum.
MS: Mit derartigen Deckchen hatte meine Großmutter ihr Küchenbüffet dekoriert, was wir als Kinder belächelten.
JM: Ja, und das interessiert mich darüber hinaus. Das Handwerk, die Tradition und was ist die Geschichte dahinter. Mich interessieren generell alle handwerklichen Techniken, ich beherrsche auch sehr viele. Nur Schweißen kann ich nicht. Aber ich lerne es diesen Sommer. (lacht).

Die Gemälde von Judith Milberg faszinieren durch die Fülle und Vielfalt ornamentaler und floraler Motive

MS: Seit vielen Jahren sammelst Du Gegenstände, die in Deinen Bildern und Objekten Verwendung finden. Bei Dir hat selbst die ordinäre Plastik-Fliegenklatsche eine Chance.
JM: Die Kunst liegt darin, die Schönheit und Poesie der Gegenstände zu erkennen, ich transformiere sie dann in meiner künstlerischen Arbeit. Es ist meine Liebe und Affinität für das scheinbar Banale, das mich treibt, diese Dinge zu sammeln.
MS: Du hörst Farben und siehst Töne: Wann hast Du festgestellt, dass Du Synästhetikerin bist?
JM: Schon als Kind, nur kannte ich den Begriff dafür nicht. Ich dachte, alle sehen so. Für mich ist der Buchstabe ‚P‘ ein Taubenblau, ‚A‘ ein Dunkelblau und ‚U‘ ist Gelb. Auch beim Hören von klassischer Musik schießen mir die Farben in den Kopf. Darum kann ich beim Malen keine Musik hören. Ich glaube, dass das auch der Grund ist, weshalb ich meinen Bildern keine Titel geben kann. Ich finde dafür einfach keine Worte.

Im Arbeitsprozess überlagert und abstrahiert die Künstlerin Strukturen in vielen Schichten und verschmilzt sie miteinander zu poetisch-surrealen Werken

MS: Woran möchtest Du mit Deiner Kunst gemessen werden?
JM: Ich möchte als Künstlerin wahrgenommen werden, die unabhängig von Trends arbeitet. Ich bin sehr froh, mit meinen Bildern den ersten Schritt in die Öffentlichkeit gegangen zu sein und dankbar, dass die Menschen meine Bilder mögen und mit mir darüber sprechen wollen.
MS: Du malst seit vielen Jahren. Warum zeigst Du Deine Bilder erst jetzt?
JM: Ich wollte mir ganz sicher sein, zu wissen: Ich bin soweit. Das bin ich jetzt.  BvH

40 neue Gemälde und Arbeiten auf Papier umfasst die Berliner Ausstellung von Judith Milberg

Über Judith Milberg:

Geboren in München, studierte Judith Milberg Kunstgeschichte, Ägyptologie und Kommunikationswissenschaften. Noch während des Studiums gründete sie ihre Firma für Kunst-Management, kuratierte Ausstellungen, gab Bücher heraus und archivierte private Kunstsammlungen. Darüber hinaus konzipierte und realisierte Judith Milberg zahlreiche Kunst- und Kulturprojekte für Wirtschaft, Museen und Kultureinrichtungen. Es folgten Tätigkeiten als Autorin, Designerin und TV-Moderatorin. Mit Gemälden und Arbeiten auf Papier stellt sich nun die Künstlerin zum ersten Mal öffentlich vor.

Häufig verwendet Judith Milberg Acryl, Linolfarbe, Tusche, Spray und Kreide auf Leinwand

 In Judith Milbergs Atelier:

Judith Milberg: „Ich möchte Menschen anregen, Außergewöhnliches auch im scheinbar Unsichtbaren zu entdecken“.

Atelierbesuch in München-Nymphenburg: Hier entstehen die Arbeiten Judith Milbergs

Judith Milberg zeigt mir ihre Fundstücke, die oft in ihren Werken Verwendung finden, wie dieses Schatzkästchen mit alten Stiften

Auf langen Regalmetern verwahrt Judith Milberg ihre Raritäten

Oft sind es skurrile Alltagsfundstücke – wie dieser verrostete Spachtel – die Judith Milberg manisch sammelt und die sie inspirieren

Kontakt Judith Milberg:

judithmilberg.de

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Der Kreuzberg bei Krumau, 1910

Bei meinem letzten Besuch in Wien habe ich mir die derzeitige Sonder-Ausstellung des Malers Egon Schiele angesehen. Die Wiener Albertina verfügt über eine der größten Schiele-Sammlungen überhaupt. Zum Auftakt des Gedenkjahres 2018, in dem sich der einhundertste Todestag Schieles jährt, zeigt die Albertina nun eine umfassende Ausstellung aus ihrem Bestand von Egon Schieles Werk. Präsentiert werden 180 seiner schönsten Gouachen und Zeichnungen, die sich mit Themen wie der existenziellen Einsamkeit des Menschen im drastischen Gegensatz zu den Wertvorstellungen der Gesellschaft des Fin de Siècle auseinandersetzen.

Selbstbildnis mit Pfauenweste, 1911

Neben seinen Erinnerungen an die Zeit im österreichischen Krumau und diversen Selbstbildnissen beinhaltet die Schiele-Ausstellung  zahlreiche Darstellungen von Kindern und Akte junger Mädchen. Die Kinder stammten von der Straße, aus dem Arbeiter-Milieu und Schiele inszenierte sie in seinen Bildern wie „ästhetisches Material“, nicht als idealisierte Form der Erotik. Obgleich erstaunlich viele Künstler seiner Zeit – darunter die Maler Oskar Kokoschka und Gustav Klimt – dem Ideal der Kindfrau huldigten. Meiner Meinung nach hat diese Art der Darstellung eher etwas Verstörendes.

Sitzender Mädchenakt, 1911

Gleichzeitig offenbaren sich in Schieles Zeichnungen das Leid und die widrigen Lebensumstände der armen Bevölkerung im 19.Jahrhundert. Seine Bilder sind nicht gefällig, sondern gehen weg von der Ästhetik des Schönen hin zum Hässlichen. Während Schiele als Teil der künstlerischen und geistigen Elite der Wiener Jahrhundertwende betrachtet wird, folgt die Inszenierung der Ausstellung in der Albertina einem anderen Prinzip: Große, im Raum schwebende Fotografien konfrontieren die radikalen Arbeiten des Künstlers mit der Realität seiner Umwelt. Sie bilden den realen Hintergrund, der die Diskrepanz zwischen dem Schaffen Schieles und der ihn umgebenden Gesellschaft verdeutlicht. Und das ist in gleichem Maße beeindruckend wie schockierend. BvH

Über Egon Schiele:

Egon Schiele wurde 1890 im niederösterreichischen Tulln geboren. Schon früh zeigte sich sein malerisches Talent und er wurde 1906 – mit gerade 16 Jahren – an der Wiener Akademie der bildenden Künste aufgenommen. Nach zwei Jahren verließ Schiele die Akademie – enttäuscht vom starren Akademiealltag – und gründete mit einigen Kommilitonen die Wiener Neukunstgruppe. 1911 ging er von Wien nach Krumau, zusammen mit seinem wohl bekanntesten Modell, der damals 17Jährigen Wally Neuzil. Es begann eine künstlerisch überaus produktive Periode. Die Altstadt Krumaus wurde zu Schieles beliebtesten Motiv. Sein Lebensstil wurde jedoch wegen der „wilden Ehe“ mit Wally als anstößig empfunden. Die Besuche von Kindern in Schieles Atelier brachten ihn wegen angeblichen Missbrauchs für 24 Tage in Untersuchungshaft.

1912 kehrte er nach Wien zurück. Dank seines Gönners und väterlichen Freunds, dem Maler Gustav Klimt konnte er sich schnell in Wien re-etablieren und feierte in der österreichischen Kunstszene erneut große Erfolge. 1915 heiratete Schiele seine langjährige Freundin Edith Harms. Edith verlangte von Schiele den Bruch mit Wally Neuzil, dem er schweren Herzens nachkam. 1918 wurde Egon Schiele die 49. Ausstellung der Wiener Secession gewidmet, in der er 19 große Gemälde und 29 Zeichnungen ausstellte. Gegen Ende des I. Weltkrieges wurde die österreichische Hauptstadt von der Spanischen Grippe überrollt. Edith Schiele, im sechsten Monat schwanger, erlag dieser Krankheit im Herbst 1918. Schiele hatte sich angesteckt und verstarb nur drei Tage später mit erst 28 Jahren.

Sonnenblumen, 1911

Stehendes Mädchen, 1910

Blondes Aktmodell auf einem braunen Tuch, 1912

Triestiner Fischerboot, 1912

Alte Häuser in Krumau, 1914

Alte Giebelhäuser in Krumau, 1917

Edith Schiele, 1915 …

… und ihre Schwester Adele Harms

Weiblicher Akt

Liegender Frauenakt mit gespreizten Beinen, 1914

Drei Mädchen, 1911

Plakat der 49. Ausstellung der Secession, 1918

Anton Josef Trcka: Egon Schiele in Pose, 1914

Egon Schiele in der Albertina

„Zwischen Moderne und Tradition“: 22. Februar bis 18. Juni 2017

Kontakt Albertina:

albertina.at

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Alle wollen dabei sein und die Chance nutzen, einmal über Wasser zu wandeln

Es ist gut, überall Freunde zu haben. Insbesondere, wenn diese dann auch noch ein Haus am Lago D‘Iseo haben, wo der amerikanische Verpackungskünstler Christo gerade den halben See verhüllt hat. Lago was? Ich kenne zwar den Lago di Como und auch den Luganer See, muss aber gestehen, dass ich vom viertgrößten der oberitalienischen Seen zuvor noch nie gehört hatte. Am vergangenen Wochenende baten unsere Freunde also zum Terrassenfest in ihr Anwesen oberhalb des Sees, von wo aus wir Christos Kunst-Spektakel ‚The Floating Piers‘ auf dem Wasser aus optimaler Perspektive beobachten konnten. Ein Anlass, zu dem die internationale Kunstwelt anrückt und seit dessen Beginn am 18. Juni* bereits über 500.000 Kunstenthusiasten aus aller Welt in den beschaulichen Ort Sulzano pilgern ließ.

Blick auf den Iseosee, der an seiner tiefsten Stelle 250 Meter misst und sich über eine Länge von 25 Kilometer erstreckt

Seit Christos Projekten ‚The Gates‘ 2005 in New York und dem verhüllten Berliner Reichstag 1995, die er mit seiner 2009 verstorbenen Frau Jeanne-Claude realisierte, sind die Floating Piers das größte und vermutlich auch das letzte Verhüllungsprojekt des 81 Jahre alten Künstlers. 2014 fiel die Wahl von Christo und seinem Team auf den von Bergamasker Alpen umrahmten, malerischen Lago D’Iseo. Hier installierte Christo drei Kilometer lange Stege, die Sulzano mit den Inseln Monte Isola und  San Paolo verbinden. Das besondere Merkmal dieser schwimmenden Pontons ist der gelb-orangefarbene Stoff, der die Stege verhüllt und diese optisch mit dem Festland verbindet durch weitere eineinhalb Kilometer Fußgängerwege in Sulzano und der Monte Isola.

Majestätisch ragt die Monte Isola aus dem Iseosee, sie ist die größte Insel in einem südeuropäischen Binnensee

Der Besucheransturm ist – auch für die Veranstalter – größer als erwartet: mehr als 55.000 Besucher drängen täglich durch die schmalen Gassen Sulzanos, und warten geduldig bei Temperaturen von 35 Grad am vergangenen Wochenende teilweise bis zu vier Stunden, bevor sie die Floating Piers betreten dürfen. Am Abend entspannt sich die Lage ein wenig und so konnte ich die schwimmenden Pontons ohne stundenlanges Anstehen betreten. Was für eine tolle Stimmung! Die tiefstehende Sonne ließ das Gelb-Orange des von einer deutschen Firma gefertigten Stoffes leuchten. Wie die Gesichter der Besucher, die nach extremen Wartezeiten in der Hitze dankbar die erfrischende Brise genossen. Die Stimmung war so gelöst, alle irgendwie gut drauf: Was für ein Happening!

MyStylery im Einsatz

Ich bin barfuß über die Floating Piers gelaufen, wollte die griffige und trotzdem weiche Oberfläche des Stoffes spüren. Herrlich, dieses permanente, sanfte Schaukeln, das sich intensivierte, wenn die patrouillieren Rettungsboote vorbei fuhren. Die Aussicht auf das Bergpanorama und die Sichtachsen der Piers genießend, mit leicht schwankendem Seegang, obwohl ich doch schon längst wieder Festland unter den Füßen hatte. Die Floating Piers sind ein Appell an alle Sinne, ein absolutes Highlight, wenn auch ein temporäres, wie alle Events von Christo zeitlich begrenzt sind. Am 3. Juli ist die Show vorbei, dann werden die Floating Piers abgebaut und in dem idyllischen Sulzano – und dem Haus meiner Freunde – kehrt wieder Ruhe ein.  BvH

Blick aufs Ufer von Sulzano

Idyllisches Sulzano: Hier ist der Zugang zu den Floating Piers

*Info Floating Piers:

Insgesamt 16 Tage ist Christos Kunstinstallation ‚The Floating Piers‘ zu sehen. Wer von Sulzano die Insel Monte Isola und von dort die Insel San Paolo zu Fuß über die 16 Meter breiten, im Wasser schwimmenden Stege erreichen möchte, hat noch bis zum 3. Juli 2016 Gelegenheit. Danach wird das von Christo finanzierte, 15 Millionen teure Kunstwerk wieder abgebaut und recycelt. Der Eintritt ist frei.

Der Lago D’Iseo liegt 100 Kilometer östlich von Mailand und 200 Kilometer westlich von Venedig

Tipp:

Keine Lust auf stundenlange Warterei? Dann heißt es früh aufstehen. Morgens um 6 Uhr oder nach 20 Uhr sind die Floating Piers weniger stark frequentiert. Gegen 22 Uhr werden die letzten Besucher auf die Stege gelassen. Es gibt die Möglichkeit, die Insel Monte Isola per Boot anzusteuern. Tickets hierfür unbedingt vorher im Internet buchen.

Das Haus meiner Freunde am Lago D’Iseo

Ich bin ganz verliebt in das satte Grün des Sees

Für Sulzano mit seinen 1917 Einwohner sind normalerweise zwei oder drei Carabinieri zuständig. Für Christos Kunst-Happening wurde die Polizeipräsenz erheblich aufgestockt

100.000 Quadratmeter des dahlien-gelben, schimmernden Hightech-Stoffes wurden verarbeitet …

… der zuvor in Münster gefertigt und von einer Lübecker Firma genäht wurde

Floating-Piers-Projektleiter Wolfgang Volz, der Christo schon seit vielen Jahren begleitet, fotografiert die Besucher und lässt sich feiern

Über Wasser wandeln

Das Örtchen Perschiera Maraglio – auf der übrigens autofreien Monte Isola …

… bezaubert mit romantischen Gassen und typisch italienischen Häusern …

… seinem pittoresken Hafen …

… und kleinen Cafés. Tipp: Sehr einladend wirkt das ‚Ristorante Al Castello‘ unterhalb des Hotels ‚Residence Castello Oldofredi‘

Die Insel San Paolo gehört der Familie Beretta, der großen italienische Waffenherstellerdynastie

Die Villa der Familie Beretta ist gesichert wie Fort Knox: Da sind natürlich alle neugierig, wie Waffenhändler wohl so wohnen

Ein gigantischer Besuchermagnet

Mal ein Auge zudrücken: Auf den 16 Meter breiten Stegen sorgen Ordner in ihren orangefarbenen Westen für geregelte Abläufe: Hinsetzen oder gar picknicken ist eigentlich nicht erlaubt

Und da ist der Maestro höchstpersönlich auf einem Spezialboot: Christo (mit seinen schlohweißen Haaren oben rechts) passiert die applaudierende Menge: Grazie und thank you, Christo!

Übrigens: The Floating Piers bestehen aus 220.000 Polyethylen-Kuben, die jeweils 35 Zentimeter hoch und am Boden des Sees mit tonnenschweren Gewichten verankert sind

Auch bei diesem gefiederten Seebewohner kommen die Floating Piers gut an

Ist das nicht die perfekte Farbkombi – mein pinkfarbenes Kleid und der orangeleuchtende Stoff der Floating Piers

Malerische Abendstimmung und ein wunderschöner Sonnenuntergang am Lago D‘Iseo: was will man mehr?

Kontakt:

www.thefloatingpiers.com

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Edvard Munch – Liebe, Tod und Einsamkeit. Die Ausstellung ist noch bis 24. Januar zu sehen*

Ich bin erklärter Kunstfreund und bekennender Kältehasser. Was macht man also bei einem akuten Wintereinbruch in Wien, wenn einem die Kälte allein schon beim Gedanken eine Dauer-Gänsehaut beschert? Ich empfehle einen Besuch in der Albertina, unter deren Dach eine der bedeutendsten grafischen Kunstsammlungen der Welt beherbergt wird.

Edvard Munch: ‚Zwei Menschen. Die Einsamen‘ (1899)*

Noch bis zum 24. Januar ist hier die Edvard Munch-Ausstellung ‚Liebe, Tod und Einsamkeit‘ zu sehen. Und die lohnt sich in jeder Hinsicht, denn mehr als 100 der wichtigen Werke des norwegischen Künstlers und großen Protagonisten der Moderne können bewundert werden, darunter Der Schrei, Madonna, Der Kuss und Melancholie. Alle Exponate der Schau stammen aus der weltweit größten Privatsammlung von Meisterdrucken Edvard Munchs.

Klaus Albrecht Schröder, Direktor der Albertina Wien: „Munch hat eine Figur gefunden, die für die Angst vor dem Unbekannten steht, die Angst vor dem, was war und vor dem, was kommt.“ Der Schrei (1895), Lithographie mit Tusche

Interessant fand ich die Einblicke in Munchs experimentelle druckgrafische Ansätze und die Idee dahinter, damit Auflage und Einkommen zu erhöhen: nach dem Motto Kunst = Kommerz. Munchs Leben und Werk wurde von vielen existentiellen Krisen und Brüchen begleitet und gleichzeitig auch von einem gewissen Pragmatismus: So soll er in seinem chaotisch unordentlichen Atelier seine Drucke zeitweilig als Kochtopfdeckel verwendet haben. Anekdoten wie diese sorgen dafür, dass mir die teilweise morbide Stimmung der Ausstellung nicht total aufs Gemüt geschlagen ist. Fazit: ‚Liebe, Tod und Einsamkeit‘ ist ein Muss für Kunstenthusiasten. Übrigens auch – oder gerade bei strahlend schönem Wetter, denn dann hat man Räume und Bilder nahezu für sich allein. BvH

Als Vorläufer und Wegbereiter des Expressionismus beschreibt Munch eindringlich die Vergänglichkeit und das Verschwinden des Individuums im Zeitalter der Industrialisierung. ‚Tingeltangel‘ (1895), Lithografie, handkoloriert

Merkwürdig, dass Munch dieses Bild nach einem Schmuckstück benannte – die Frau ist doch der eigentliche Hingucker, oder? ‚Die Brosche – Eva Mudocci‘ (1903), Lithografie

Noch eine Schöne: ‚Madonna‘ (1895/1902), Farblithografie

Die ‚Madonna‘, hier mit grimmig dreinblickendem Embrio und – huch – Spermien am Bildrand …*

‚Angst‘ (1896), Lithografie: Arbeiten wie ‚Angst‘ illustrieren Munchs intensive Auseinandersetzung mit der Einsamkeit, der Liebe und dem Tod. Ein wenig gruselig, oder?*

Edvard Munchs Malerei und Grafik zählen zu den absoluten Höhepunkten der Kunst der Jahrhundertwende. Hier ‚Mondschein I‘ (1899 / 1906 – 1914), Holzschnitt*

Kontakt:

Albertinaplatz 1
1010 Wien, Österreich
www.albertina.at

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MyStylery on tour: Ich vor dem Château de Cheverny im Tal der Loire in der Nähe des idyllischen Städtchens Blois

Es war einmal … so könnte meine heutige Geschichte über das Château de Cheverny beginnen, das ich kürzlich während meines Wochenendes im Loire-Tal besucht habe. Das im Renaissance-Stil erbaute Schloss zählt zu den größten Loire-Schlösser und ist seit sieben Jahrhunderten in Familienbesitz. Allerdings mit einigen Unterbrechungen, Verwirrungen und Irrungen. Aber der Reihe nach.

Ich bin beeindruckt von den bemalten Holzdecken Jean Moniers. Wie lange er daran wohl gepinselt hat?

1624 bis 1640 von Graf Henri Hurault auf den Überresten der einstigen Burg erbaut, beschloss eine gewisse Madame Diane de Poitiers, das Château zu annektieren. Widerspruch zwecklos, denn Madame de Poitiers – die selber gerade von Katharina di Medici aus dem eigenen Schloss Chenonceau komplementiert wurde – war die Geliebte von König Henri II. und damit eindeutig am längeren Hebel. Ein Jahrhundert später fiel das zwischenzeitlich von der Familie Hurault zurück erworbene Schloss wieder in fremde Hände. Dieses Mal waren es die Erben, die gerade etwas klamm bei Kasse waren, um das kostspielige Erbe anzutreten. Sie verkauften.

Den Speisesaal dominieren schwere Eichenmöbel aus dem 19. Jahrhundert. Interessant: Die Wände sind mit Leder bespannt, auf dem das Wappen der gräflichen Familie Hurault geprägt ist. Der versilberte Bronze-Leuchter über dem Esstisch wiegt stattliche 100 Kilo*

1825 führte Victor Hurault, Marquis de Vibraye und Adjutant von König Karl X. das Anwesen wieder zurück in den Familien-Besitz, in dem seine Nachkommen heute noch leben. Und zwar im rechten Flügel des aus Tuffstein erbauten Schlosses. Der Rest – inklusive eines traumhaft schönen, 100 Hektar großen Parks im englischen Stil – ist der Öffentlichkeit zugänglich.

Die Ehrentreppe erbaut im Stil Ludwig des XIII. mit Girlanden- und Früchte-Motiven verziert, den Sinnbildern der schönen Künste und einer 25 Kilo (!) schweren Ritterrüstung aus dem 16. Jahrhundert

So ein Schloss sieht nicht nur schön aus. Es kostet. Und zwar fortlaufend. Um die Kosten zu tragen, entschied Philippe de Vibraye, der Großonkel des aktuellen Besitzers bereits 1922, das Schloss für Besucher zu öffnen. Damit war er ganz weit vorne. Andere Adelsfamilien verscherbelten in regelmäßigen Abständen ihr Tafelsilber, um von dem Erlös die Löcher im Dach zu stopfen. Cheverny ist seither an 365 Tagen geöffnet und mit seinen von Jean Monier prächtig ausgestatteten, größtenteils original möblierten Räumen eine Reise wert. BvH

Schönes Detail

Tipp:

Die „Tim-und-Struppi“-Ausstellung
Schloss Cheverny hat den belgischen Komik-Zeichner Hergé zu seinem ‚Château de Moulinsart‘ (Mühlenhof) inspiriert. 1942 erstmals in einem Abenteuer des Reporters „Tintin“ erwähnt, wird Schloss Moulinsart zur Heimat von Tim, Struppi, Professor Bienlein, Kapitän Haddock und Nestor, dem Hausdiener. In der in Cheverny beheimateten Dauerausstellung wird seit 2001 das Zimmer von Tim, das Labor von Professor Bienlein sowie der Keller des Schlosses Moulinsart gezeigt.

Im großen Salon eine Harfe aus dem 18. Jahrhundert, auf der man heute noch spielen kann. Das Portrait über dem Kamin zeigt Marie Johanne de la Carre Saumery, Gräfin von Cheverny

Kaminsims in der Waffenkammer

Der Waffensaal präsentiert sich in originalem Zustand. Er wurde noch nie restauriert. Die Sammlung von Waffen und Rüstungen stammt aus dem 15., 16. und 17. Jahrhundert. Zu den weiteren Schloss-Schätzen zählt der Gobelin-Wandteppich aus dem 17. Jahrhundert

Auch hier prächtige Deckenmalereien

Königliche Gemächer

Das königlich ausgestattete Gemach – hier der mit kostbaren Stoffen versehene Bett-Baldachin – das ausschließlich dem König vorbehalten war, wenn dieser die Schlossherren mit seinem Besuch beehrte

Ob diese Decken-Bildnisse dem König wohl süße Träume bescherten?

Das Tafelservice ‚Ein Herbst in Cheverny‘ wurde eigens für die gräfliche Familie entworfen. Die Idee, Gabeln mit den Zinken nach unten einzudecken, stammt übrigens von König Ludwig XV. Damit wollte er verhindern, mit seinen Spitzenärmeln an den Zinken hängen zu bleiben. Clever, oder?

Übrigens: Die Betten dieser Zeit sind nicht deshalb so kurz, weil die Menschen damals kleiner waren. Man schlief im Sitzen, da die liegende Stellung den Toten vorbehalten war. Außerdem befürchtete man, im Liegen die Zunge zu verschlucken

Das Kinderzimmer mit Spielzeug und Holzpferden aus der Zeit Napoleons III.

Hochzeitskleid der Gräfin Constance

Das gräfliche Schlafgemach mit dem Brautkleid der heutigen Marquise Constance de Vibraye, einer geborenen Barbat du Closel, die darin 1994 Charles-Antoine de Vibraye ehelichte*

Das Boudoir

Im Geburtszimmer präsentierten die Mütter den neugeborenen Nachwuchs. Die Mahagoni-Wiege ist ein seltenes Empire-Relikt …

… mit Schreibpult …

Die Bibliothek umfasst 2.000 Bände*

Die schlosseigene Kapelle

Der Marquis und seine Familie

Heute leben hier der Marquis Charles-Antoine de Vibraye, die Marquise Constance und ihre Kinder

Château de Cheverny war in seiner gesamten Geschichte nie unbewohnt

Blick von der Südfassade in den Park

Der englische Park mit beeindruckenden und seltenen Baumarten, die Paul de Vibraye von 1820 bis 1860 pflanzte:

Linden, Mammutbäume und Zedern

Beeindruckende Parkanlage

Im ‚Garten der Lehrlinge‘ erstreckt sich seit 2006 zeitgenössisch konzipierte Gartenarchitektur

Das Schloss ist täglich geöffnet und wurde nur dreimal stundenweise geschlossen: 1963 während des Besuchs der Königinmutter von England, 1976 zur Beisetzung des Marquis de Vibraye und 1994 anlässlich der Hochzeit des heutigen Schlossherrn Marquis Charles-Antoine de Vibraye

In der Orangerie aus dem 18. Jahrhundert ist heute ein schönes Café für die Schlossbesucher untergebracht

Zur Zeit präsentieren sich die Gartenanlagen in einem herbstlichen Farbrausch: Wunderschön

Die Südfassade des Schlosses ist mit Büsten römischer Kaiser dekoriert, die Nordfassade ist im Stil Louis XIII. mit verputzten Mauern gehalten

Kunst vorm Schloss

Moderne Kunst im Grünen

Die Stallungen von Cheverny

Die letzten Hortensien des Sommers

Zum Abschied sagen die Pferde „adieu“

Kontakt:

Château de Cheverny
41700 Cheverny
www.chateau-cheverny.fr

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