„Das Bild mit den Eisblasen ist auf dem See „Lake Abraham“ in Kanada entstanden. Trotz der Warnungen des Lodge-Besitzers bin ich auf den See mit seinem fast schwarzen Eis gegangen. Das Bild ist ziemlich abstrakt, könnte auch Popart sein“, erzählt Tom Jacobi

Es ist Gallery Weekend in Berlin! Bereits in der vergangenen Woche eröffnete der Hamburger Fotograf Tom Jacobi seine Ausstellung „Into the Light“ in der Charlottenburger Galerie SR Contemporary Art. Einige seiner großformatigen, schwarz-weiß Fotografien wurden vom Pariser Luxuslabel Hermès auf Seide gedruckt, was bislang einzigartig ist. Tom Jacobi war Modefotograf und Art Director des Magazins „Stern“. Seine Leidenschaft für das Fotografieren hätte er dabei fast verloren.

MyStylery: Glückwunsch zu Deinem Coup mit Hermès! Wie kam es dazu?
Tom Jacobi: Fotos auf Papier machen ja alle und so kam mir die Idee, auf Stoff zu drucken, da ich ja auch immer einen Bezug zur Natur suche. Seide war ein naheliegender Gedanke. Es folgten Gespräche und Tests und Hermès gab mir eine unverhoffte Zusage. Nun werden die Bilder auf Originalseide von Hermès in Frankreich produziert.
MS: Wie alt warst Du, als Du das erste Mal eine Kamera in der Hand gehalten hast?
TJ: 14 oder 15. Ich bekam eine Novoflex geschenkt und fotografierte die Katze auf dem Fensterbrett und Sonnenuntergänge.

Tom Jacobi: Peaceful Mind

MS: Kam Dir damals schon die Idee, Fotograf zu werden?
TJ: Erst mit 17, als ein Foto von mir in einem Buch veröffentlicht wurde. Es zeigte einen Kendo-Meister beim japanischen Schwertkampf. Ein Sport, den ich damals auch selber praktiziert habe. Wenn man zum ersten Mal ein Bild von sich auf Papier gedruckt sieht, das ist eine Magie, die ich heute noch spüre.
MS: Druckst Du private Fotos noch aus?
TJ: Oh ja, ich habe einen schweren Fehler gemacht, als ich meiner Frau zu ihrem ersten Geburtstag nach unserem Kennenlernen ein Fotoalbum geschenkt habe, mit selbst eingeklebten Fotos, kreierten Layouts und handschriftlichen Kommentaren. Seitdem bin ich dazu verdonnert, unser gesamtes Privatleben und Reisen in altmodischen Fotoalben zu dokumentieren. (lacht)

Tom Jacobi: Black Line

MS: Dein Vater war der legendäre Journalist Claus Jacobi, Chefredakteur von Spiegel, Stern und BILD-Zeitung. Hat Dich das davon abgehalten, selber in den Journalismus zu gehen?
TJ: Total. Ich hätte mich ja dem ständigen Vergleich ausgesetzt. Durch meine Freundschaft zu Sven Simon, dem Sohn von Axel Springer, kam ich nach Bonn und arbeitete dort in seiner Fotoagentur. Ich habe in erster Linie Politiker fotografiert, zum Beispiel Willy Brandt, Helmut Schmidt und Helmut Kohl. Später war ich als Fotograf für den „Stern“ unterwegs. Mit allen Risiken. Während einer Reportage im Iran hat man mich an die Wand gestellt und wollte mich erschießen, da ich für einen Spion gehalten wurde.
MS: War das der Grund, dass Du 14 Jahre lang gar nicht mehr fotografiert hast?
TJ: Nein, das entwickelte sich in meiner Zeit als Mode und Werbefotograf. Dieses kommerzielle Arbeiten und die Wünsche der Kunden, den Mantel von links oder doch lieber von rechts zu shooten, das Auto von oben oder unten, hat mir die Leidenschaft damals komplett ausgetrieben. Und was nützt ein gutgefülltes Bankkonto, wenn jede Kreativität flöten geht. Ich war damit einfach nicht mehr glücklich und habe sogar alle meine Kameras verkauft, weil ich überzeugt war, dass ich nie wieder fotografieren würde.

Tom Jacobi: The Majestic

MS: Jetzt bist Du wieder mit der Kamera unterwegs. Für die aktuelle Ausstellung „Into the Light“ sogar zwei Jahre rund um den Globus, zusammen mit Deiner Frau Kati.
TJ: Das war eine spannende Zeit, auch für uns als Paar. Wir sind wahnsinnig gern zusammen. Kati hat auch großen Einfluss auf das, was ich fotografiere. Sie ist mein Korrektiv. (lächelt) Man wird demütig, wenn man in der Weißen Wüste Ägypten unterwegs ist, dort mit zwei Beduinen campt, ohne sich groß um Sicherheit Gedanken zu machen. Im Nachhinein betrachtet war es riskant.
MS: Es kommt vor, dass Du fünf Stunden auf einer Klippe sitzt, um auf das richtige Licht zu warten. Was ist das richtige Licht, der richtige Moment?
TJ: Das kann ich nicht sagen. Es ist ein Gefühl. Meine Arbeit hat viel mit Geduld und Disziplin zu tun, oft warte ich tagelang auf den passenden Moment, obwohl ich die Motive zuvor ja sehr genau recherchiert habe.

Tom Jacobi und ich vor einem Foto in der Charlottenburger Galerie SRC, das eine riesige Salzwüste in Bolivien in 4.000 Meter Höhe zeigt: Nur während der Regenzeit steht das Wasser auf dem Salz und erzeugt damit diesen perfekten Spiegeleffekt

MS: Du bist häufig fernab von allem. Wie erträgst Du Stille?
TJ: Ich mag das sehr gerne. Stille kann nicht jeder aushalten. Ich wurde mal von einem Freund begleitet, der schon nach kurzer Zeit nervös wurde, was mich wiederum gestresst hat. In dem Moment habe ich beschlossen, niemanden mehr mitzunehmen. Ich bin da komplett eins mit mir, das hat etwas sehr Kontemplatives.
MS: Gab es auf Deiner Reise eine gefährliche Situation?
TJ: Als Fotograf ist man auch immer ein Jäger, der Risiken eingeht. In Island wollte ich zu einem Wasserfall, wobei ich mehrfach über vereiste Fläche gestürzt bin und einen Abhang runterrutschte. Eine Einöde ohne Handynetz oder die Chance, gefunden zu werden. Danach habe ich mir ein satellitengestütztes Notrufsystem zugelegt. Denn wegen eines gebrochenen Knöchels zu sterben, ist doch ziemlich unnötig. BvH

Ausstellung „Into the Light“

Bis 20. Mai sind die Arbeiten Tom Jacobis in der Galerie SR Contemporary Art, Niebuhrstraße 11a in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Kontakt Tom Jacobi

tomjacobi.de

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Claude Monet in der Albertina in Wien – noch bis 6. Januar 2019

Alljährlich widmet die Albertina in Wien einem großen Thema oder Künstler eine Sonderausstellung. Seit 21. September 2018 werden einhundert Werke des wohl berühmtesten Impressionisten Claude Monet in einer großen Retrospektive gezeigt. Es ist die erste umfassende Präsentation mit Gemälden von Claude Monet (1840-1926) in Österreich seit über 20 Jahren. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt aller Schaffensperioden Monets, vom Realismus und seinen ersten vorimpressionistischen Werken bis hin zu seinen letzten Gemälden, die er in seinem Garten in Giverny in der Normandie malte.

Seerosen, 1914-1917

Seine wohl berühmtesten Motive – die Seerosen – entstanden, als Monet nahezu erblindet war. Ähnlich wie der im Alter gehörlose Beethoven Musik komponierte, malte Claude Monet nach seinen Instinkten und Erinnerungen und folgte dabei seinem inneren Auge. Damit entwickelte er einen Malstil, bei der sich die Farben und das Licht allmählich vom Gegenstand lösen sowie das Motiv von der Naturdarstellung. Dieses Spätwerk Claude Monets wurde erst nach seinem Tod als Wegbereiter für die Malerei des abstrakten Expressionismus im 20. Jahrhundert anerkannt.

Der Rosenweg in Giverny, 1918-1924

Claude Monet steht wie kein anderer für die Malerei des Impressionismus. Der französische „Meister des Lichts“ malte am Meer, an der Steilküste der Normandie und an den Ufern der Seine. Monets Licht und Farben wechseln auf der Leinwand mit der sich stets verändernden Natur und den atmosphärischen Eindrücken. Um sie in ihrer Erscheinungsvielfalt zu erfassen, malte er viele seiner Motive in Serien. Dem bislang wenig untersuchten Farbkonzept und der leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Pflanzen- und Wasserwelt im Garten seines Landhauses bei Giverny widmet sich die Albertina in dieser monografischen Ausstellung. Die Exponate stammen teils aus den eigenen Beständen bzw. sind Leihgaben internationaler Museen und Privatsammlungen.

Ich vor Claude Monets „Trauerweide“ von 1918/1919

Für die Impressionisten – vor allem Claude Monet – habe ich mich schon immer begeistert. So war die Claude Monet-Ausstellung bei meinem letzten Wien-Besuch ganz oben auf der To-do-Liste. Es hat sich gelohnt, obgleich die Ausstellung mit keinen großen Überraschungen aufwartet. Für alle, die keine Gelegenheit hatten und haben, Claude Monet in der Albertina persönlich in Augenschein zu nehmen, zeige ich auf MyStylery 35 Bilder dieser umfassenden Schau, die noch bis zum 6. Januar in Wien zu sehen ist. BvH

Claude Monet in der Albertina

Die Portraits von Pierre Auguste Renoir zeigen Claude Monet lesend und rechts das Bildnis Madame Monets, beide um 1873

Quai du Louvre, 1867 – eines der Werke aus der vorimpressionistischen Ära Monets

Am Strand von Trouville, 1870

Der Landesteg, 1871

Das Seine-Ufer an der Brücke von Argenteuil, 1874

Wintermotive wie hier der „Schnee in Argenteuil“ (1874/1875) entstanden vorwiegend in der Zeit, als Claude Monet große, existentielle Probleme hatte und an der Armutsgrenze lebte

…dabei ist Schnee wohl nie so facettenreich dargestellt worden, wie von Claude Monet: „Eisenbahn im Schnee“ (1875)

Camille Monet mit Kind im Garten, 1875

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder: „Madame Monet mit rotem Kopftuch“ (1873)

Segelboot bei Petit-Gennevilliers, 1874

Eisgang, trübes Wasser, 1880

Raureif in Giverny, 1889

Pfad durch die Mohnblumen auf der Insel Saint-Martin, 1880

Die Kirche von Vétheuil, 1878

Apfelbäume, 1878

Blühender Obstgarten, Vétheuil, 1879

Frühling, Blick durch die Zweige, 1878

Segelboot im Abendlicht, 1885

Port-Coton, Löwenfels, 1886

Blick auf die Felsnadel durch die Porte d’Aval, 1886

Fischerhaus in Varengeville, 1882

Weg bei La Cavée, Pourville, 1882

Weiße Klematis, 1887

Pappeln am Ufer der Epte, 1891

Der Kolsas in Norwegen, 1895

Die Creuse bei Sonnenuntergang, 1889

Das Tal von Falaise, 1885

Portal und Albanturm in der Dämmerung, 1894

Houses of Parliament in London, Sonnenuntergang, 1900-1904

Seerosen, 1916-1919

Die japanische Brücke, 1918-1924

Und nach dem Kunstgenuss shop ‚til you drop: Einen der bestsortierten Museumsshops findet man in der Albertina

Info Claude Monet Ausstellung:

Albertina, Wien

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Der Kunstexperte, Managing Director und Chairman Europe des traditionellen Auktionshauses Sotheby’s trägt auch als Privatperson einen großen Namen: Dr. Philipp Herzog von Württemberg entstammt einem der ältesten deutschen Adelsgeschlechter, das sich 950 Jahre zurückverfolgen lässt.
1996 begann Philipp von Württemberg seine Karriere als Möbelexperte. Heute steuert der am Bodensee aufgewachsene Halbfranzose (seine Mutter ist Prinzessin Diane von Orléans) die Europa-Geschäfte von Sotheby’s auf dem Kontinent. Wenn er nicht in Frankfurt, Paris oder London weilt, fliegt der Herzog zum Bilderkaufen auch ans andere Ende der Welt. In Hamburg treffe ich den mit bayerischem Akzent parlierenden Kunst-Jetsetter auf eine entspannte Tasse Tee.

Philipp von Württemberg: „Ich bin ein Bauchmensch und finde alte Möbel wunderschön. Leider gibt es dafür heute keine Nachfrage, ausgenommen sind seltene hochwertige Stücke und damit ist der Markt selektiv.“

MyStylery: Sie sind 1996 als Experte für Möbel des 18. und 19. Jahrhunderts zu Sotheby’s gekommen. Doch für alte Möbel gibt es heute keinen Markt mehr. Warum?
Philipp von Württemberg: Die junge Generation stellt sich eine antike Bauernkommode allenfalls als Alleinstellungsmerkmal in die Wohnung. Während die Häuser unserer Großeltern voll waren von Antiquitäten, inklusive einer sehr steifen und unbequemen Sitzgarnitur. Heute ist der Zeitgeist ein anderer und traditionelle Möbel sind leider nicht mehr gefragt.
MS: Sie sagen leider…
PvW: Ja, denn ich finde alte Möbel wunderschön. Aber niemand putzt heute noch Silber. Selbst Porzellan muss spülmaschinenfest sein. Der schlossartige Lebensstil ist out.
MS: Sie selber sind in einem Schloss aufgewachsen.
PvW: Das stimmt, aber mit modernen Einflüssen. Meine Mutter, die eine Künstlerin ist, hat schon während meiner Kindheit Gegenwartskunst gesammelt. Ich hatte somit sehr früh einen Zugang zu moderner Kunst.
MS: Wie sind Sie heute eingerichtet?
PvW: Ich habe mich von vielen Möbeln im Laufe der Zeit getrennt. Statt Teppichen bevorzuge ich Holzböden. Der Umzug von London zurück nach Deutschland war das endgültige Aus von schweren, opulenten Vorhängen. Ein Raum ist allerdings immer noch sehr englisch eingerichtet, eine Art Reminiszenz an die Kindheit. Ich liebe den stilistischen Mix, weshalb es bei uns auch ein paar Alte Meister gibt. Zwischen zwei zeitgenössischen Bildern hängt ein ­­­­großer, goldener Barockspiegel und ich werde häufig gefragt, ob das ein Jeff Koons sei (lacht).
MS: Mit 14 wollten Sie Möbelrestaurator werden. Ein ungewöhnlicher Berufswunsch für einen Jugendlichen, oder?
PvW: Durchaus. Im Schloss meiner Familie gab es einige Möbel, an denen der Putz bröckelte. Für mich war das die Herausforderung. Bei einem Restaurator in Ludwigsburg lernte ich das grundliegende Handwerk. Vor allem aber habe ich die Möbel, ihren Aufbau und ihre Geschichte verstanden. Ich habe kein Problem damit, mir die Hände schmutzig zu machen. Irgendwann merkte ich, dass man mit dem Handel schneller Geld verdient. Auf Flohmärkten kaufte ich schöne alte Dinge für fünf Mark und verkaufte sie anschließend für‘s Doppelte. Ohne die Erfahrung mit dem Restaurieren von Möbeln hätte ich kein Möbelexperte werden können.

Dr. Philipp Herzog von Württemberg, bei Sotheby‘s Chairman Europa-Geschäftsführer Deutschland und ich bei einer Tasse Tee

MS: Der Kunstmarkt hat sich seit der Jahrtausendwende verändert. Kunst wird immer mehr zum Anlageobjekt.
PvW: Wenn man mit Herzblut und Überlegung sammelt, wird Kunst automatisch zum Anlageobjekt. Bei etablierten Künstlern sollte man genauer hinschauen, als bei jungen, in die man vielleicht 10.000 Euro im Jahr investiert. Bei namenhaften Künstlern ist man schnell mit 100.000 und mehr dabei. Hier sollte man sehr genau überlegen, ob das Künstler sind, die sich weiterentwickeln
MS: Woher weiß ich, ob und wie sich ein Künstler entwickelt?
PvW: Das weiß man nie. Man hat eine Ahnung, ein Gespür. Junge Künstler sollte man über ein paar Jahre beobachten und schauen, was passiert. Manche verschwinden nach zwei, drei Jahren wieder von der Bildfläche. Manche Künstler finde ich schirch…
MS: …schirch?
PvW: …schirch ist bayerisch und bedeutet scheußlich im Sinne von aufreiben (lacht). Was auf Jonathan Meese zutrifft. Den musste ich einfach haben. Mein Rat: von Künstlern ein großes und ein kleines Bild kaufen, dann kann man – wenn sich ein Künstler erfolgreich entwickelt – das größere verkaufen, das kleinere behalten. Nicht ratsam ist ein Kauf aus reinem Investment. Kunst kommt schließlich von Herzen und nicht aus Kalkül. Die Leute investieren in limitierte Uhren und seltene Luxuswagen und denken bei der Anschaffung nur über den möglichen Wiederverkaufswert nach. Das finde ich traurig.

„Von Herzen und nicht aus Kalkül…“

MS: Kunstsammeln gehört mittlerweile zum guten Ton und viele Sammler sind bereit, astronomisch hohe Summen zu bezahlen. Kann der Markt diesen Hype überhaupt noch bedienen?
PvW: Der Hype wird für Ewigkeiten weiterbedient werden. Früher gab es zwar weniger Künstler, aber auch weniger Sammler. Die Nachfrage heute ist riesengroß, entsprechend ist das Angebot, was sicher auch durch die Globalisierung begründet ist. Es gibt diverse Kunstakademien, ein Heer von Galeristen steht bereit, die jungen Absolventen zu etablieren. Und die bedienen dann diejenigen, die meinen, mitsammeln zu müssen. Vor 20 Jahren gab es vielleicht 100 Sammler in Deutschland, heute gibt es allein hierzulande 700 Topsammler.
MS: Der Kunstmarkt hat sich rasant und international entwickelt. Wo finden sich noch Nischen?
PvW: Der asiatische Markt ist interessant, sowohl für uns als Auktionshaus als auch für Sammler. Meine Frau und ich sammeln zeitgenössische, chinesische Künstler wie Kusama, Liu Ye, Czeng Fanzhi, Xu Bing, Yue Minjun und einige europäische Gegenwartskünstler wie Anselm Kiefer oder Gregor Hildebrandt, der mich schon früh begeistert hat. Ich kaufe Kunst nicht, weil sie von den großen Galerien gehyped wird, sondern weil sie mir gefällt.
MS: Unterscheiden sich die neuen von den alten Sammlern?
PvW: Ja, denn sie sind schneller, risikofreudiger, das Geld scheint lockerer zu sitzen. Da werden schnell 20.000 Euro ausgegeben, während unsere Großeltern bei einem so hohen Investment lange überlegt haben. Die Leute rasen heute über die großen Messen wie die Frieze und früher Art Forum, kaufen teilweise ohne die Künstler zu beobachten. Es fühlt sich an, wie im Winterschlussverkauf. Dabei fallen 70-80 Prozent aller Künstler durch das Raster.
MS: Haben Sie sich auch schon mal geirrt?
PvW: Ich habe Künstler gekauft, von denen ich überzeugt war. Plötzlich waren sie verschwunden, haben dem Druck vielleicht nicht standgehalten. Selbst wenn in so einem Fall das Investment in die Hose ging, liebe ich die Bilder immer noch. Nicht immer im Einklang mit der Vorstellung meiner Frau. Kunst, die meiner Frau nicht gefällt, hängt bei mir im Büro (lacht).

„Deutschland ist ein tolles Land. Berlin gefällt mir sehr, was die Action betrifft. München steht für gesettelte Lebensqualität“, sagt Philipp von Württemberg, der privat in Frankfurt lebt

MS: Was empfehlen Sie jungen Sammlern?
PvW: Wer eine Sammlung aufbaut, muss sich Zeit nehmen und den Markt ständig beobachten und vergleichen. Das ist wie mit einem Aktienpaket, das man ja auch nicht sich selbst überlässt. Es gibt heute genügend Kunst für‘s kleinere Budget, zum Beispiel Editionen, fantastische Papierarbeiten, Fotografien. Trotzdem: Kauft nicht alles, was sich Kunst nennt. Die Gefahr für junge Künstler ist eher, dass sie zu schnell zu hoch gehen in ihren Preisen. Ein Künstler muss sich entwickeln dürfen und nicht gleich auf demselben Level sein, wie zum Beispiel ein Picasso.
MS: Gibt es neue Trends in der Sammler-Szene?
PvW: Die sogenannten Luxury Goods, wie Autos, Schmuck, Fotografie, Design. Ein Markt, der wahnsinnig schnell gewachsen ist. Auf der Frieze Masters in London war ich fasziniert von einer afrikanischen Maske, die in ihren klaren Linien sehr zeitgenössisch wirkte. Für 20.000 Euro wurde sie angeboten. Dagegen eine Arbeit von Tom Wesselmann aus der Serie „The Smoker“ für eine Million. Da kann man durchaus diskutieren, was qualitativ besser ist.
MS: Kann man das überhaupt miteinander vergleichen?
PvW: Nicht wirklich. Es zeigt aber, dass man das Gespür haben muss für Ästhetik. Das Schöne muss nicht immer teuer sein.

„Das Schöne muss nicht teuer sein.“

MS: Offenbar führt Unsicherheit dazu, sich hinter großen Namen zu verstecken, anstatt jenseits des Mainstream zu agieren.
PvW: Genau. Das gilt auch für Luxusautos. Ferraris, Mercedes, BMW, Porsche sind die vier Marken, die laufen.
MS: Ist der Markt bei Oldtimern nicht irgendwann abgegrast?
PvW: Es gibt eine ganz kleine Gruppe von Sammlern mit großen Garagen. Andere kaufen sich ein oder zwei Oldtimer, die sie dann auch fahren.
MS: Was fahren Sie?
PvW: Ich habe einen Mercedes 190, Jahrgang 1957. Wunderschön. Aber ich brauche weder einen Zweit- noch Drittwagen. Der Automarkt ist begrenzt. Bilder sammeln ist etwas anderes, denn Bilder kann man einlagern.

Philipp von Württemberg ist begeisterter Bastler: „In Portugal liebe ich’s, am Strand Muscheln zu sammeln und sie dann zu Hause auf Ikea-Bilderrahmen zu kleben.“

MS: Ihr spektakulärstes Erlebnis als Auktionator war 2010 Alberto  Giacomettis „L’Homme qui marche I“, das 104,6 Millionen Euro erbrachte. Die Skulptur war zu diesem Zeitpunkt das teuerste Kunstwerk, das jemals auf einer Auktion verkauft wurde. Gab es noch anderweitige Erlebnisse, an die Sie sich gerne erinnern?
PvW: Ich war anfangs als Experte für Kunst aus dem 19. Jahrhundert unterwegs und damit öfters in privaten Häusern und Schlössern bzw. auf deren Dachböden, wo ich mit einer Taschenlampe ausgerüstet die Bestände gesichtet habe. Dabei habe ich einen sogenannten ‚Sleeper‘ entdeckt. Mein erster spontaner Eindruck war, dass die blasse, grüngesichtige Maria auf Holz so 6.000 bis 8.000 Euro bringen könnte. Das Bild wurde dann von Topexperten als eines der seltenen Werke des spanischen Malers Luis de Morales identifiziert und ging nach London in die Oldmasters Auktion, wo es auf 200.000 bis 300.000 Pfund geschätzt wurde. Am Ende erhielt der Prado in Madrid für 550.000 Euro den Zuschlag. Und jedes Mal, wenn ich mit meinen Kindern davor stehe, sage ich, schaut her, das habe ich auf einem Dachboden gefunden.
MS: Gibt es enttäuschende Momente in Ihrem Business?
PvW: Es verwundert mich, dass ausgerechnet bei Charity-Auktionen die Leute zurückhaltend sind und nicht mitbieten. Ich stehe vor dem Publikum und es bleibt mir nichts anderes übrig, als mit einem Lächeln die Objekte einfach durchzuwinken. Die Wohltätigkeit bleibt auf der Strecke.
MS: Spüren Sie, zu welchem Zeitpunkt ein Objekt im Bieterverfahren ausgereizt ist?
PvW: Das merke ich mit der ersten Sekunde, in der das Objekt aufgerufen ist. Dem Raum fehlt jeder Sauerstoff, es wird gegähnt und nicht geboten. Wenn dann selbst die Charmeoffensive nichts mehr nützt, muss man als Auktionator cool bleiben: Verkauft und weg.
MS: Beim Giacometti haben Sie sogar eine Minute gewartet. Reglos.
PvW: Das waren gefühlte zehn Stunden (lacht). Die Anspannung war trotz absoluter Stille zu spüren. Genauso wie der Wille des einzelnen Bieters. Und dann ist da dieser eine entscheidende Moment. In dem Moment ist ihm alles egal. Dann passiert es, dass er noch einen oben drauf setzt. Beim Giacometti wurden somit aus siebzig über einhundert Millionen.

„Man sollte mit Kunst leben.“

MS: Die heutige Sammlerszene scheint sich manchmal gegenseitig die Butter auf dem Brot nicht zu gönnen.
PvW: Es geht mehr darum zu sagen, ich habe etwas, was du nicht hast. Ich hab’s zuerst entdeckt, zuerst gekauft. Ein Sammler, der gerade etwas Gutes erworben hat, ist verständlicherweise stolz und möchte es anderen zeigen.
MS: Sie haben sich noch nie von einem Teil Ihrer persönlichen Sammlung getrennt. Wo lassen Sie das alles?
PvW: Das ist tatsächlich ein Problem (lacht). Ich habe genug Platz im Haus, ein großes Büro und mittlerweile zwei Lager. Ein richtiger Sammler sagt nicht, dass er keinen Platz mehr hätte.
MS: Man solle mit der Kunst leben, sagten Sie. Das tut man aber nicht, indem man sie in der Garage abstellt.
PvW (lacht): Es ist das Prinzip des Sammlers zu wissen, man hat es. Zum Leidwesen meiner Familie versuche ich, hin und wieder Bilder umzuhängen. Für jeden Neuzugang finde ich einen Platz, um ihn zu bewundern. Wenn ich mir einen neuen Anzug kaufe, möchte ich den ja auch sofort anziehen. Ich habe mal ein Bild von Gregor Hildebrandt gekauft, das war so groß, dass ich’s nirgends hinhängen konnte. Darum mein Rat, ein Bild vorher im Original ansehen, ist das Wichtigste beim Kauf. Farben, Form und auch der Rahmen spielen eine Rolle. Ein schlechter Rahmen macht ein Bild kaputt. Ein guter Rahmen hingegen macht ein schlechtes Bild besser. Tee schmeckt aus einer schönen Tasse ja auch besser, als aus einem einfachen Glas.
MS: Lieben Sie Tee?
PvW: Ja, obgleich ich auch viel Kaffee trinke. Der Nachteil von Kaffee ist, dass ich ihn nur mit viel Milch und Zucker trinke. Während ich den Tee schwarz trinke, was gesünder ist. Als Kind habe ich Tee gehasst. In der Schule in Friedrichshafen gab es zum Essen immer Tee, vor allem Kräutertee. Warum trinken wir kein Wasser, fragte ich mich. Bis heute mag ich Kamillen- und Pfefferminztee überhaupt nicht. Erst in meiner Londoner Zeit in den 80er Jahren habe ich das Teetrinken wieder für mich entdeckt. Am liebsten habe ich Lapsang Souchong. Der wirkt auf mich beruhigend.

„Name verpflichtet. Wir verhalten uns entsprechend und sind bodenständig. Meinen Mitarbeitern gegenüber habe ich eine Vorbildfunktion, Motivator zu sein, gleichzeitig aber auch hinter ihnen zu stehen. Ich bin ein Teamplayer. Wenn etwas nicht rund läuft, nehme ich‘s auf meine Kappe,“ sagt Philipp von Württemberg

MS: Sie tragen den großen Namen eines ehemaligen, regierenden Hauses. Sie sagten, dass Ihnen Verantwortung und Tradition viel bedeutet. Wie äußert sich das im täglichen Leben?
PvW: Name verpflichtet. Meine Kinder haben das von klein auf vermittelt bekommen. Und da geht’s nicht nur um Dinge wie Tischmanieren. Trotzdem befinden wir uns heute in einem anderen Kontext, leben in der Großstadt und nicht in einem Schloss auf dem Land. Die Kinder waren in England auf Internaten und studieren in den USA. Sie kommen mit unterschiedlichsten Menschen zusammen und bekommen neue Impulse. Verbessern kann man sich nur, wenn man offen ist für Neues und bereit ist, an sich zu arbeiten.
MS: Sie selber haben innerhalb des Hochadels geheiratet, Ihre Frau ist Herzogin in Bayern. Sieht das Ihr Hausgesetz so vor?
PvW: Unser Hausgesetz war seit 1828 unverändert, bis wir es zusammen mit meinem Vater erstmalig 1994 geändert haben und das wird nicht die letzte Erneuerung gewesen sein. Meine Eltern sind sehr jung und offen in ihrem Denken, weshalb zwei meiner Brüder Bürgerliche geheiratet haben. Wir leben in einer anderen Zeit, die Monarchie existiert seit über einhundert Jahren nicht mehr. Auch Hausgesetze müssen sich der Zeit anpassen. Wir leben ja schließlich nicht mehr im Mittelalter.
MS: Was wären Sie geworden, wenn Sie nicht bei Sotheby’s Karriere gemacht hätten?
PvW: Künstler. Ich liebe es mit den Händen zu arbeiten. Ich würde gerne Metall schweißen und Skulpturen bauen. Wenn es bei uns im Haus etwas zu reparieren gibt, wandert es automatisch zu mir. Rumschrauben und sägen ist genau mein Ding. Mein liebster Markt ist der Baumarkt.  BvH

Kontakt Philipp von Württemberg

sothebys.com/de

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Pablo Picasso: „L’Atelier, 1927 -1929, Öl auf Leinwand

Anfang März ging eine der interessantesten Ausstellungen dieses Jahres zu Ende: Das MoMa – Museum of Modern Art New York – präsentierte einen Teil seiner Sammlung für fünf Monate in der ‚Fondation Louis Vuitton‘ in Paris. Darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Radierungen, Fotografien, Filme, digitale Werke, Installationen, Architektur- und Design-Objekte. Sie alle repräsentieren die vielfältigen Facetten der New Yorker Museumslegende, zu deren umfassender Sammlung mehr als 200.000 Werke zählen.

Paul Cézanne: Nature morte aux pommes (Stilleben mit Äpfeln), 1895 -1998, Öl auf Leinwand

Unter dem Titel „Etre moderne – le MoMa à Paris“ (Modern sein – das Moma in Paris) konnten die Besucher an die 200 Bilder, Skulpturen, Installationen und Filme, aufgeteilt in sechs Themenbereiche, des 20. und 21.Jahrhunderts bestaunen: Ein repräsentativer Querschnitt und eine Bandbreite an Kunst aus allen Dekaden der europäischen und amerikanischen Moderne. Darunter Werke der Künstler Cézanne, Calder, Picasso, Duchamp, Beckmann, Klimt, Kirchner, Kusama, Magritte, Hopper, Pollock, Brancusi, Signac und Warhol.

Edward Hopper: House by the railroad, (Haus an der Eisenbahn), 1925, Öl auf Leinwand. Dieses Bild des amerikanischen Künstlers Hopper war eines der ersten, mit dem das MoMa seine Sammlung startete

Außerdem widmete sich die Ausstellung der Geschichte des Museums selbst, das 1929 in Manhattan eröffnete, mit Alfred H. Barr als Gründungsdirektor und A. Conger Goodyear als Präsidenten. Mit im Board waren auch Josephine Boardman Crane und Paul Sachs. Dokumentiert durch zahlreiche Gegenstände, Fotografien und Architektur-Modellen, erhielt der Besucher Einblicke und Informationen über die Gründer, Mäzene und die anfänglich angemieteten Ausstellungräume des MoMa in einem Bürogebäude auf der Fifth Avenue. In Paris wurden die ersten Werke der Moderne, des Minimalismus und der Pop Art bis hin zu aktuellen digitalen Objekten gezeigt, von denen hier einige zum ersten Mal zu sehen waren.

Gustav Klimt: Die Hoffnung, II, 1907 – 1908. Öl, Gold und Platin auf Leinwand

Für mich war die Ausstellung „Etre moderne“ zudem eine gute Gelegenheit, mir endlich einmal das spektakuläre Gebäude der Louis Vuitton-Stiftung mit seiner faszinierenden Architektur anzusehen, die der Weltklasse-Architekt und Amerikaner Frank Gehry entworfen hat und die im eleganten Pariser Stadtteil Neuilly am Park ‚Bois de Boulogne‘ beheimatet ist. Für alle, die keine Gelegenheit hatten, diese einmalige Sammlung an Meisterwerken zu sehen, lasse ich auf MyStylery meine ganz persönlichen Highlights noch einmal Revue passieren. Viel Freude bei diesem Kunstgenuss!  BvH

Eine von insgesamt 4 Ebenen der Fondation Louis Vuitton in Paris, dem temporären Ausstellungsort des MoMa

Ernst Ludwig Kirchner: Straßenszene Berlin, 1913, Öl auf Leinwand

Henri Matisse: Goldfisch und Palette, 1914, Öl auf Leinwand

Pablo Picassos ‚Junge mit Pferd‘ (1905 – 1906, Öl auf Leinwand) war einer der Publikumslieblinge in der Pariser Schau

Paul Signac: Portrait des Monsieur Félix Fénéon, 1890, Öl auf Leinwand. Dieses Gemälde ziert auch das Cover des Ausstellungskatalogs

Sichtachse in den Ausstellungsräumen der Fondation Louis Vuitton

Salvador Dali: Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931, Öl auf Leinwand

René Magritte: Der falsche Spiegel, 1928, Öl auf Leinwand

Frida Kahlo: Selbstportrait mit kurz geschnittenem Haar, 1940, Öl auf Leinwand

Jackson Pollock: Echo, Nummer 25, 1951, Lackfarbe auf Leinwand

Mark Rothko: Nummer 10, 1950, Öl auf Leinwand

Die Stiftung Louis Vuitton wurde 2014 im Pariser Stadtteil Neuilly am Bois de Boulogne eröffnet auf Initiative von Bernard Arnault, dem Vorstandsvorsitzenden des französichen Luxusartikelkonzerns Moet Hennessy Louis Vuitton (LVMH)

Max Beckmann: Abfahrt, 1932. Öl auf Leinwand, 1933 -1935

Barnett Newman: Onement III, 1949, Öl auf Leinwand

Georgia O’Keeffe: Fenster und Tür eines Bauernhauses, 1919, Öl auf Leinwand

Andy Warhol: Campbells Soup Cans, 1962, Acryl auf 32 Leinwänden

Roy Lichtenstein: Ertrinkendes Mädchen, 1963, Öl und Acryl auf Leinwand

In der Fondation Louis Vuitton werden meist Werke des 20. Jahrhunderts gezeigt

Sessel mit Lichtinstallation im Hintergund

Joseph Beuys: Filzanzug, 1970

Christopher Wool: Untitled, 1990, Lackfarbe auf Aluminium

Gerhard Richter: September, 2005, Öl auf Leinwand

Cindy Sherman: Untitled Film-Stills, 1977 – 1980

Kerry James Marshall: Untitled (Club Szene), 2013, Acryl und Glitter auf ungedehnter Leinwand

Lichtsäulen des Museumsgebäudes spiegeln sich im Wasser

Das Modell der Fondation Louis Vuitton erinnert mit seinen gläsernen Dächern an Schiffssegel. Das von dem amerikanischen Stararchitekten Frank Gehry erbaute Privatmuseum umfasst elf Galerien auf 11.000 Quadratmetern Fläche

Eine beeindruckende Konstruktion aus Holz, Glas und Stahl …

…deren Scheiben den Lichteinfall brechen und nicht direkt in die Räume leitet

Es gibt verschiedene Außenterrassen…

…von denen man einen Blick auf die Silhouette von Paris hat

Trotz nasskalten Wetters war ich beeindruckt von dieser fantastischen Architektur

Im Inneren des Gebäudes gibt es ein Auditorium mit 400 Plätzen, das auch für Konzerte genutzt wird…

…sowie ein Café

Tipp: Tickets am besten online erwerben. Das erspart stundenlanges Anstehen

Übrigens: Architekt Frank Gehry nennt sein Bauwerk Glaswolke

Kontakt Fondation Louis Vuitton

fondationlouisvuitton.fr

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Die Albertina in Wien. Bis zum 7. Januar ist hier noch die großartige Raffael-Ausstellung zu sehen

Kunstfans müssen sich sputen: Nur noch bis zum 7. Januar 2018 ist in der Wiener Albertina die bis dato bedeutendste Ausstellung des italienischen Ausnahme-Künstlers zu sehen. Mit rund 130 Zeichnungen und 18 Gemälden versammelt die Schau sämtliche wichtigen Werke Raffaels: Von der frühen umbrischen Periode (bis 1504) über die Jahre des Florenz-Aufenthaltes (1504-1508) bis hin zur römischen Zeit (1508-1520) sind beeindruckende Arbeiten aus allen Schaffensphasen zu sehen. Sie sollen Raffaels penible Denk- und Arbeitsprozesse von ersten Ideenskizzen über Detail- und Kompositionsstudien bis hin zum endgültigen Gemälde erklären. Allein seine meisterhaften Zeichnungen machten ihn zu einem der größten Zeichner der Kunstgeschichte.

Die Madonna auf einer Steinbrüstung mit sitzendem Christuskind

Gemeinsam mit Leonardo da Vinci und Michelangelo – die er beide verehrte – bildet Raffael (1483-1520) das große Dreigestirn der Renaissance. Raffael, der 1483 als Raffaelo Santi in Urbino geboren wurde und mit nur 37 Jahren 1520 in Rom starb – gilt als ein wahres Universalgenie. Ob als Maler und Architekt in Florenz und Rom (u. a. als Bauleiter des Petersdoms) oder mit Auftragsarbeiten von Päpsten und Fürsten. Raffaels Zeichnungen wurden schon zu seinen Lebzeiten gesammelt und gelten wichtigen Sammlern auch heute noch als wertvollster Schatz. Der Gründer der Albertina, Herzog Albert von Sachsen-Teschen besaß allein über 50 Raffael-Zeichnungen.

Cecilie vor einem Modell en miniature: Die ausgemalten päpstlichen Gemächer des Vatikan-Palastes als Modell-Version geben eine Idee von Größe und Umfang einzelner Auftragsarbeiten Raffaels

Zahlreiche Werke aus der Sammlung der Albertina sowie Leihgaben weltberühmter Museen, darunter die Uffizien, der Louvre, die Vatikanischen Museen und die Royal Collection der britischen Königin Elizabeth II. lassen die Ausstellung zu einer der bedeutendsten überhaupt werden und veranschaulichen die Arbeit Raffaels, der in seinen Werken stets auf der Suche nach dem Gleichgewicht zwischen Naturnachahmung und Idealbild war.

Dieses um 1502/1503 entstandene Portrait eines Jünglings zählt zu den schönsten Portraitzeichnungen Raffaels

Die chronologisch angelegte Ausstellung ist, laut Albertina-Direktor Klaus Albrecht Schröder nach den Schauen über Van Gogh und Michelangelo, die dritt-teuerste in der Geschichte der Albertina. Und – wie ich finde – für jeden Kunstfan ein Must-See.  BvH

Besonders gelungen finde ich das rot-blaue Farbkonzept der Ausstellungsräume

Raffael zählt neben Leonardo da Vinci und Michelangelo zu den bedeutendsten Meistern der Kunstgeschichte

Portrait des bedeutenden Bankiers und Mäzens Bindo Altoviti im Alter von Anfang 20, das früher fälschlicherweise für ein Selbstbildnis Raffaels gehalten wurde

Raffaels Selbstportrait, das um 1506 entstanden ist

Detailreiche Rötelskizze der Cumäischen Sibylle

Die im Auftrag von Bindo Altoviti gemalte Madonna dell‘ Impannata: Das Gemälde wurde eigens für die Ausstellung restauriert, weshalb die Farben so ausdrucksstark leuchten. Allein für dieses Werk fertigte Raffael zahlreiche Skizzen und Entwürfe an, die ebenfalls in der Ausstellung zu sehen sind und einzigartig den kompositorischen als auch aufwendigen Arbeitsprozess dokumentieren

Kopf eines Cherubs (1509). Kohle auf Papier

Die Heilige Familie mit dem Lamm (1507). Öl auf Holz

Portrait eines ca. 14 jährigen Unbekannten. Öl auf Holz

Ich vor der Madonna mit Kind (1508). Allein die Tatsache, dass dieses Gemälde über 500 Jahre alt ist, finde ich schon bewegend

Albertina und die Raffael Ausstellung:

albertina.at

Mehr Wien-Tipps findest Du hier: Ein perfekter Tag in Wien,  Teil 1-3. Eine MyStylery-Serie

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Luciano Castelli vor einem Selbstportrait im Kaufhaus Jandorf

Das kommende Wochenende ist Auftakt zu einem einwöchigen Kunsthappening der besonderen Art: Am 28. Oktober 2017 startet das Kunstprojekt „From White to White“ im historischen Kaufhaus Jandorf in Zusammenarbeit mit der Galerie Deschler in Berlin-Mitte. Im Mittelpunkt stehen die monumentalen Wandmalereien des international bekannten Künstlers Luciano Castelli, der seine Kunst über zwei Etagen im legendären Jandorf eigens direkt auf die Wände bringt. Ergänzt werden Castellis Schwarz-Weiß Bilder durch seine Videoinstallationen aus den 80er Jahren und Fotografien.*

Work in Progress…

Wie kommt ein Künstler auf die Idee, die Wände direkt zu bemalen? Als Castelli 2016 in China im SPSI Art Museum in Shanghai ausstellen sollte, wurden seine Bilder nicht freigegeben und angeliefert. Tatenlos die Heimreise anzutreten, wäre ihm nie in den Sinn gekommen. Und so folgte er der Idee seiner Frau Alexandra und bemalte spontan das gesamte Innere des Museums und brach damit radikal aus dem konventionellen Rahmen der Bildpräsentation aus. „ Auf Leinwände zu malen ist nicht dasselbe, wie die Farbe direkt  auf die Wand aufzutragen“, sagt Luciano Castelli. „Nach 40 Jahren Leinwandbearbeitung musste was Neues kommen. Die gerahmte Leinwand hat ihre Grenzen und wurde mir einfach zu langweilig.“

Die große Halle im Kaufhaus Jandorf als Kulisse für Luciano Castellis monumentale Wandmalereien

Nach viermonatiger Vorbereitungszeit wird Castelli nun auch im Kaufhaus Jandorf wieder mit direktem Auftrag auf die baulichen Strukturen seine Malerei mit Treppen, Säulen und Wänden zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen. Die geschaffene Mehrdimensionalität mancher Werke lässt sich erst durch besondere Betrachtungswinkel erschließen und bindet so den Betrachter aktiv mit ein. Vollendet wird dieser Prozess nach Ablauf der einwöchigen Ausstellungszeit mit dem Übermalen der Werke: From White to White. Die entstandenen Arbeiten werden nach sieben Tagen gelöscht. Leinwände lassen sich verkaufen – und sind für die Ewigkeit. Tut ihm das nicht weh? Ganz und gar nicht, so Castelli, denn hier würde die Vergänglichkeit allen Schaffens thematisiert, als auch seine eigene Wandelbarkeit und Spontanität unter Beweis gestellt. Castellis besonderes Talent ist es, situativ zu reagieren und Neues zu kreieren, und sich dabei immer wieder selbst neu zu erfinden. Gefragt nach dem kommerziellen Aspekt, so ist sich Castelli sicher: „Klar, Bilder lassen sich verkaufen. Doch die alleinige Ausstellung meiner Bilder hätte nicht diese Präsenz und Wahrnehmung. Hier kommt der Erfolg durch die Hintertür.“  BvH

Luciano Castelli und ich

*From White to White im Kaufhaus Jandorf:

Neben den monumentalen Wandarbeiten Luciano Castellis werden im Ballsaal erstmalig 3 x 2 Meter große Arbeiten aus der bekannten Serie „Rudel“ des Berliner Fotografen und legendären Türsteher des Berghain Clubs Sven Marquardt inszeniert. Abends werden die eindrucksvollen Räumlichkeiten des Jandorf zum Schauplatz von Live-Konzerten der Yellow Lounge, der Gruppe Automat und Bettina Köster (ehemals Malaria), Filmpräsentationen von Miron Zownir, Keiichi Matsuda und anderen, sowie weiteren Aktivitäten. Für die Kulinarik sorgt ein Pop up-Restaurant.
Eröffnung: Samstag, den 28. Oktober 2017
Ausstellungsdauer: 29. Oktober bis 5. November 2017
Programm: www.kunstherbst-jandorf.de

Eigentlich schade, dass die Malereien nach einer Woche wieder entfernt werden…

Über Luciano Castelli:

Der Schweizer Künstler Luciano Castelli erlebte früh seinen künstlerischen Durchbruch und nahm als jüngster Teilnehmer 1972 an der Documenta 5 in Kassel teil. Nach seinem Umzug nach Berlin 1978 prägt er an der Seite von Salomé und Rainer Fetting die Malerei der sogenannten Neuen Wilden. Ihm gelang es, diese Malerei zu überwinden und aus ihr neue künstlerische Ansätze zu entwickeln. Mit dem Projekt „From White to White“ kehrt er an seine frühere Wirkungsstätte Berlin zurück. Castelli arbeitet in unterschiedlichen Medien, die sich gegenseitig ergänzen: Malerei, Fotografie, Film, Musik und Skulptur. Arbeitsschwerpunkt seines Werkes sind Selbstinszenierungen, in denen Eigenschaften, Emotionen und Rollen gegenständlich werden: Auf der von ihm gewählten Bühne ist er selbst Akteur und Subjekt zugleich.

Luciano Castelli bewältigt die große Herausforderung in der Malerei und Raumkonzeption mit dem für ihn typischen, bis ins Kalligraphische übergehend gestischen Pinselduktus

Tipp:

Luciano Castelli in der Galerie Deschler
Leinwände und Papierarbeiten aus drei Jahrzehnten
Ausstellungsdauer: 20. Oktober bis 31. Januar 2018, 19–21 Uhr
Kontakt: www.deschler-berlin.de

„Die Berliner wissen zu schätzen, was wir hier machen.“

Luciano Castelli mit seinem Sohn Leandro, der dieses Projekt maßgeblich unterstützt

„40 Jahre Leinwände innerhalb eines bestimmten Rahmens zu bemalen, wurde mir zu langweilig.“

„Die Idee ist, die privaten Wände von Sammlern und Liebhabern zu bemalen“, sagt Luciano Castelli über seine Wandbilder

Im Sommer 2018 wird Luciano Castelli auf Einladung des Leica-Museums die Außenwände des Museums gestalten

„Ich mache die Aktion in Berlin nur, wenn man eine verrückte Halle findet.“ Et voilà…

Stillleben à la Luciano: Bis Samstag ist noch einiges zutun

Außerdem zu sehen: Sven Marquardts eindrucksvolle Schwarz-Weiß-Portraits aus der Berliner Türsteherszene seiner bekannten Serie “Rudel”. Im Lichthof des Kaufhaus Jandorf sind seine auf große Planen gedruckten Fotografien ausgestellt

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Entrée des Musée des Arts Décoratifs in Paris mit der nachempfundenen Fassade des Hauses in der Avenue Montaigne, wo sich noch heute Atelier und Flagshipstore befinden: Bonjour, Christian Dior!

Als Teenager schwärmte ich für „Miss Dior“, ein Duft, den Christian Dior als erstes Parfum des Hauses Dior 1947 lancierte. Meine Patentante schenkte mir den Parfumklassiker zu meinem 16. Geburtstag. Mein erstes Luxus-Accessoire, dessen blumige Note ich heute noch in der Nase habe. Zurzeit läuft in Paris die Christian Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“, in der nicht nur an die Parfum-Historie Diors erinnert wird. Die Ausstellung widmet sich umfassend dem Leben und Werk des Haute Couture-Meisters, dessen Imperium am 5. Juli 70 Jahre alt wurde.

Christian Dior liebte die Opulenz, sowohl im Interior als auch in seinen Kleider-Kreationen

Für mich war klar, auf nach Paris: Diese Schau kann man sich als kunst- und modeaffine Person nicht entgehen lassen. Von Freunden hatte ich gehört, das sich endlose Besucherschlangen um den nördlich Teil des Louvre winden, wo im Musée des Arts Décoratifs auf 3.000 Quadratmetern mehr als 300 Haute Couture Roben aus sieben Dekaden gezeigt werden. Mit meinem Online Ticket gelangte ich schnell vorbei an der Warteschlange und hinein in eine Ausstellung, die mich für Stunden auf eine spektakuläre Zeitreise durch die Jahrzehnte der französischen Luxusmode entführte.

Das Gartenthema mit Kleidern verschiedener Dior-Designer in floralen Prints und Applikationen. Das rosafarbene Bustierkleid (Mitte) ist eine Kreation von Christian Dior, links Raf Simons, ganz rechts Maria Grazia Chiuri

Eine Retrospektive der Geschichte eines der bedeutendsten Couture-Häuser mit persönlichen Briefen und Fotos – auch bislang unveröffentlichten Privatfotos – Christian Diors, ersten Modezeichnungen und Entwürfen, Kampagnenbildern und Videos, Accessoires wie Taschen, Schuhen, Schmuck und den legendären Parfumflakons. Die Ausstellung, die in verschiedenen Konzepträumen zu Themen wie Blütenträume, Boudoir oder der großen Abendrobe gegliedert ist, beginnt mit dem Kollektions-Debüt Christian Diors im Jahr 1947.

„Diablesse“: Rotes Kleid mit grünem Gürtel aus dem Kollektions-Debüt Christian Diors im Jahr 1947

Neben den teilweise erstmals gezeigten Roben des großen Meisters, der 1957 mit nur 52 Jahren unerwartet an einem Herzinfarkt in Südfrankreich starb, präsentiert die Schau auch die Nachfolger Diors. Im selben Jahr übernahm sein bisheriger Assistent Yves Saint Laurent das seit einem Jahrzehnt erfolgreich etablierte Modeimperium. Ihm folgten Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und die heutige Chefdesignerin Maria Grazia Chiuri. „Couturier du Rêve“ ist eine Hommage an einen der größten Mode-Kreativen aller Zeiten, das Vermächtnis Christian Diors, welches eindrucksvoll belegt, wie die Marke über Jahrzehnte die Modeindustrie und die Kultur beeinflusst hat. Ich bin beeindruckt. J’adore Dior.  BvH

In dieser einmaligen Retrospektive des Hauses Dior sind auch persönliche Briefe und Fotos Christian Diors zu sehen – inklusive bislang unveröffentlichter Privatfotos

Über Christian Dior

Geboren 1905 in der Normandie begann Dior, der eigentlich Architekt werden wollte, als Galerist in Paris mit finanzieller Unterstützung seines Vaters, einem Industriellen. Bedingt durch die Insolvenz des väterlichen Unternehmens infolge der Weltwirtschaftskrise 1931, gestaltete Dior zunächst Hutmode für die Modebeilage der Zeitung Le Figaro und schließlich Modeskizzen für Pariser Haute Couture Modehäuser. So wurde der Modeschöpfer Robert Piguet auf Dior aufmerksam und engagierte den begabten Maler und Zeichner 1938. Nach dem Zweiten Weltkrieg erhielt Dior 1946 von dem vermögenden Textilfabrikanten Marcel Boussac 60 Millionen Francs als Startkapital zur Gründung des Haute-Couture-Hauses Christian Dior. Im selben Jahr bezog er sein Atelier in der eleganten Avenue Montaigne in Paris, wo sich noch heute der Dior-Flagshipstore befindet. Schon die erste Modekollektion, die Dior im Februar 1947 präsentierte, geriet zur Sensation und wurde von amerikanischen Journalisten als „The New Look“ gefeiert. Nach der kargen, schlichten Damenbekleidung der Kriegsjahre kreierte Dior eine schmale Taille, figurbetonte Oberteile, weit schwingende, opulente Röcke aus edlen Materialien und kombinierte dazu elegante Wagenradhüte und lange Handschuhe. Kritiker bemängelten zwar den verschwenderischen Einsatz knapper Ressourcen und eine Rückkehr zu antiquierter Mode in Zeiten sich emanzipierender Frauen, aber Diors Einfluss war beträchtlich: Schnell wurden seine hochpreisigen Haute Couture Entwürfe vom Massenmarkt kopiert.

Schwarz-weiße Modefotografien mit Dior-Modellen

Mit jeder Saison präsentierte Dior einen neuen ‚Look‘, stets bejubelt von der Modeindustrie und den wohlhabenden Kundinnen. Der Blütenkelch-Linie folgten die Kuppel-, Maiglöckchen-, Bleistift-, H-, A- und Y-Linie. Diors Kreationen trugen maßgeblich dazu bei, dass Paris wieder Modehauptstadt wurde.

Mit zahlreichen, weltweiten Lizenzen – darunter Parfums – baute sich Dior in wenigen Jahren ein Imperium auf. Er galt als reserviert, schüchtern und bescheiden und fühlte sich bei öffentlichen Anlässen in Gesellschaft meist unwohl. Seine Homosexualität wurde in der damaligen Öffentlichkeit nicht thematisiert. Im Oktober 1957 starb Christian Dior, vermutlich an den Folgen eines Herzinfarktes. Er war einer der international renommiertesten Modeschöpfer und hinterließ eine Marke, die unter seinen Nachfolgern erfolgreich weiterentwickelt wurde.

Ein Thema der Ausstellung ist der Entwicklung und Entstehung der Dior-Parfums gewidmet – inklusive ihrer aufwendigen Flakons

Tipp:

Bucht Euer Ticket für die Ausstellung online. So vermeidet Ihr stundenlange Warterei. Geduld braucht Ihr trotzdem, denn vor den einzelnen Exponaten herrscht großer Andrang. Deshalb auch Vorsicht vor Taschendieben (ich bin seither um einen wunderschönen Cashmereschal ärmer). Ausreichend Zeit einplanen: Ich habe vier Stunden benötigt, um mir die Ausstellung anzusehen.

So schön: links ein Entwurf von Christian Dior von 1956, rechts von seinem Nachfolger Yves Saint Laurent aus dem Jahr 1960

Info Christian Dior-Ausstellung:

Die weltgrößte Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“  – dem Modeschöpfter der Träume läuft noch bis zum 7. Januar 2018 im Musée des Arts Décoratifs in Paris

Christian Dior wollte ursprünglich Architekt werden, begeisterte sich aber auch für Malerei und startete seine Karriere zunächst als Galerist

Anfangs gestaltete Dior Hutmode für die Modebeilage der Zeitung Le Figaro. Diese Entwürfe waren Auftragsarbeiten für den Modisten Claude Saint Cyr

Ein Kleid schöner als das andere

Persönlichkeiten wie die englische Prinzessin Margaret (Foto), Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Marlene Dietrich und Lady Diana wurden von dem Traditionshaus eingekleidet

Heute zählen Jennifer Lawrence, Natalie Portman und Rihanna zu den Fans der Marke Dior

Hier im Bild Entwürfe von John Galliano (ganz hinten) und Raf Simons (Mitte) mit einer Reminiszenz an Christian Diors Vorliebe für Opulenz

Dieser Teil der Ausstellung ist den Farben gewidmet: Accessoires und Kleidung in Weiß …

… Schwarz-Weiß …

… Grau … mit einem Mega-Collier von John Galliano und aufwendig gestalteten Mini-Modellen, die den jeweiligen Entwurf bereits im Detail zeigen

… Orange …

… Rot …

… Lila …

… in allen Nuancen und Schattierungen …

… sowie Blau …

… und Schwarz

„Parfum verleiht jedem Kleid den letzten Schliff.“

Eine meine Lieblingsroben

Aufwendig bestickter Abendschuh

Und immer wieder John Galliano …

… der mich mit seinen fantasievollen Kreationen wie hier zum Thema Fernost immer wieder begeistert. Ganz rechts im Foto ein Entwurf von Christian Dior

John Galliano: „Thamar“ und „Shéhérazade“, Frühling-Sommer 1998

Das Gartenthema in rosa Variationen

… und die Maiglöckchenlinie Diors (ganz hinten) interpretiert von seinen Nachfolgern

Dieser filigran bestickte Blütentraum ist ein Entwurf von Raf Simons

Und nochmal John Galliano: Wunderschön, oder?

Das Reisethema mit unvergänglicher Mode aus allen Dior-Dekaden

Dior auf den Titeln internationaler Hochglanzmagazine: „Die Veröffentlichung meiner Entwürfe und Zeichnungen in Magazinen zeigten meine Kreationen in einem ganz neuen Licht.“

Die Nachfolger Diors prägten das Erbe Christian Diors und stehen für die Weiterentwicklung des Dior-Stils: Yves Saint Laurent

Marc Bohan

Gianfranco Ferré

John Galliano

Raf Simons

Maria Grazia Chiuri

„Meine Kleider beabsichtigen, den Proportionen des weiblichen Körpers zu huldigen.“

Atelieratmosphäre mit Entwürfen, die zunächst aus weißem Nesselstoff gefertigt werden, was in diesem Teil der Ausstellung von Näherinnen demonstriert wird

Am Ende der Ausstellung das eigentliche Highlight: Im spektakulären Ambiente eines Ballsaals erwartet den Besucher eine Inszenierung aus üppiger Eleganz, Licht- und Soundinstallation. Allein für diesen Raum sollte man eine halbe Stunde einplanen

MyStylery in Action   Die weltgrößte Dior-Ausstellung „Couturier du Rêve“ läuft noch bis zum 7. Januar 2018 im Musée des Arts Décoratifs in Paris

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Auf einen Tee mit Judith Milberg, die ich für die Fotos im Berliner „Regent“-Hotel getroffen habe

Judith Milberg ist multitasking und multitalentiert. Sie studierte Kunstgeschichte und Ägyptologie, war Kunstmanagerin und Designerin. Und hat ihre eigenen TV-Sendungen. Und ja, sie ist auch die Ehefrau von Schauspieler Axel Milberg und die Mutter von drei Söhnen. Gerade hat Judith Milberg in der Ausstellung „Aus der Mitte“ 40 ihrer Bilder der Öffentlichkeit präsentiert. Ich treffe die quirlige, gutgelaunte Künstlerin auf einen Tee in ihrem Zuhause in München. Vorbei an ihrem Atelier, mit dem sie sich im Laufe der Jahre über das gesamte Erdgeschoss ausgebreitet hat, geht’s hinauf in die Küche, in der Judith Milberg das Teewasser in ihre Lieblingskanne gießt. Im Wohnzimmer der Milbergs, das in einem kreativen Mix von alt und neu, mit vielen Büchern und Bildern eingerichtet ist, plaudert es sich wie mit einer vertrauten Freundin. „Meet me for Tea“ mit einer sehr sympathischen Frau.

Die studierte Kunsthistorikerin, Künstlerin und TV-Moderatorin Judith Milberg liebt Tee

MyStylery: Judith, Du bist ein typisches Münchner Kindl. Hast Du mal woanders gelebt?
Judith Milberg: Ich bin standorttreu wie ein Zaunkönig, wenn man von kurzen Aufenthalten in New York und Berlin absieht. Ich liebe mein München. Da kenne ich meinen Bäcker schon aus Kindertagen. Dieses Vertraute ist auch ein Gefühl von Heimat. Die Zeit von Monaco Franze und dem München der 80er Jahre finde ich immer noch  an vielen Orten wieder.
MS: Dein Mann ist aus Kiel.
JM: Axel ist aber schon seit 35 Jahren hier, eingebürgert sozusagen.

Frauengespräche bei einer Tasse Earl Grey Tee. Schwarz und ohne Zucker

MS: Wie spielt sich ein typischer Tag im Hause Milberg ab?
JM: Wenn mein Mann zu Hause ist, bedeutet uns das gemeinsame Frühstück das größte Glück. Wir genießen unsere gemeinsamen Momente, die von niemandem gestört werden. Schauspieler sind an drehfreien Tagen ja genauso am Arbeiten wie an Drehtagen. Pausenlos klingelt das Telefon mit Anfragen für Interviews und Synchronarbeiten. Nach dem Frühstück liest Axel neue Drehbücher und ich gehe in mein Atelier. Zum Mittag- und Abendessen kommen wir dann wieder zusammen. Das gemeinsame Essen spielt bei uns eine große Rolle. Da werden die Handys ausgeschaltet und erzählt.
MS: Euer jüngster Sohn lebt bei Euch. Deine älteren Söhne sind bereits erwachsen …
JM: … und sie sind riesige Kerle. Da werden schnell Rückschlüsse auf mein Alter gezogen. Ich sage dann immer: Der eine wird in zwei Wochen 14 und der andere 15. Die verdutzten Gesichter meines Gegenübers kannst du dir vorstellen. (lacht)

Typisch Judith: Temperamentvoll, gutgelaunt, schlagfertig und sehr humorvoll

MS: Mit meinen Töchtern geht‘s mir so, dass die Blicke nicht mehr mir, sondern meinen Mädels gelten. Auch gewöhnungsbedürftig.
JM: Oh, das ist bitter. Aber dann kommen doch Komplimente: wer ist die Mutter und wer die Tochter.
MS: Stimmt, aber ich bin mir nicht sicher, ob ich das hören möchte. Übrigens, wenn man Dich googelt, poppen interessante Begriffe auf: Patchwork-Familie, Multitalent, Promi-Ehefrau. Du scheinst nicht der Typ zu sein, der sich auf Letzteres reduzieren lässt.
JM: Überhaupt nicht. Axel und ich sind in jeder Hinsicht auf Augenhöhe.
MS: Ihr seid jetzt 25 Jahre zusammen. War Dein Mann damals schon so prominent wie heute?
JM: Als wir uns kennenlernten war Axel an den Münchner Kammerspielen und hatte als Schauspieler hier in München einen Namen. Ich bin stolz und demütig über seinen großen Erfolg, Axel ist einfach ein Könner.

Pausenlos was zu lachen: Judith Milberg und ich

MS: Ihr wurdet damals von einer Freundin verkuppelt und habt 2004 geheiratet, da ward Ihr schon elf Jahre zusammen. Habt Ihr so lange gebraucht, um Euch einander sicher zu sein?
JM: Axel hat mir jedes Jahr einen Heiratsantrag gemacht. Und ich ihm auch. Aber jedes Mal kam etwas dazwischen. Das wurde dann schon zum ‚Running Gag‘. Als unser Sohn August schon auf der Welt war, wollten wir Ende Dezember 2004 heiraten. Dann gab’s diesen schrecklichen Tsunami. Wir dachten: Es geht nicht und sagten alles ab. In letzter Minute haben wir uns dann aber doch im kleinen Kreis getraut.
MS: Viele Promi-Ehen gehen auseinander. Was ist Euer Geheimnis?
JM: Wir sind uns gegenseitig die wichtigsten Menschen. Partner im Gedankenaustausch, Vertraute, Berater in allen Themen. Mit Axel fühle ich mich komplett. Das Leben ist ein einziger Wahnsinn, umso wichtiger ist uns das gemeinsame Innehalten und der Austausch. Und wir kommen rasch auf den Punkt.

Stillstand ist für sie ein Fremdwort: Judith Milberg ist immer in Bewegung

MS: Dein Mann ist eine sogenannte Person des öffentlichen Lebens. Wie ist das, wenn Ihr zusammen unterwegs seid?
JM: Er ist jemand, der sich öffentlich nahezu unsichtbar macht. Er braucht nicht den großen Auftritt. Wenn er einen Raum betritt, dann eher still. Ich bin bei uns die Extrovertierte, die Laute, bin immer gleich mittendrin und im Gespräch. Mein Mann schaut sich alles erstmal von der Seite aus an, sehr neugierig allerdings.
MS: War es schwierig, Dich selber zu finden und zu positionieren mit einem so erfolgreichen Partner?
JM: Wir haben so unterschiedliche Berufe und ich bin mit einem gesunden Selbstvertrauen ausgestattet, so dass es für mich nie eine Konkurrenzsituation gegeben hat. Das liegt aber auch an ihm und seiner Einstellung zu sich und seinem Beruf.
MS: Misst man sich am Erfolg des anderen?
JM: Ich glaube, dass das für viele Paare ein Problem ist. Ich habe das Glück, dass mein Mann sehr wertschätzt, was ich tue, mich in meinen Projekten als Künstlerin, Kunsthistorikerin und in meinen Sendungen wie „Milberg & Wagner“ unterstützt und ermutigt. Wenn ich morgen beschließen würde, Milchbäuerin zu werden, dann würde Axel auch diesen Weg freudig mit mir gehen. Wir sind leidenschaftlich aneinander interessiert.

Hier findet Ihr den Artikel über Judith Milbergs Kunst und ihre Ausstellungen

MS: Du malst seit vielen Jahren, gerade konnte man Deine Bilder erstmalig in Ausstellungen in München, Kiel und Berlin sehen.
JM: Tatsächlich erstaunlich, denn ich beschäftige ich mich mein ganzes Leben mit Kunst und male schon seit meiner Kindheit.
MS: Bist Du mit Deiner Malerei angekommen oder kommt nun etwas Neues?
JM: Die Malerei war’s schon immer. Obwohl ich beruflich auch andere Wege gegangen bin, beispielsweise als Kunstmanagerin, bleibt unterm Strich aber immer meine Leidenschaft für Bilder.

„Bei Baselitz krieg‘ ich Schnappatmung.“

MS: Hast Du ein künstlerisches Vorbild?
JM: Ich verehre Baselitz. Und das ist nicht verhandelbar. Wenn ich ihn treffe, kriege ich Schnappatmung. (lacht)
MS: Teilt Dein Mann Deine Leidenschaft für Kunst?
JM: Seitdem Axel und ich uns kennen, gehen wir in jedes Museum und reden über Bilder. Er sieht die Bilder oft anders, nähert sich ihnen intuitiv, manchmal aber auch streng logisch, wie einem Tatort. Wir stehen oft stundenlang vor einem einzigen Bild, reden darüber und gehen dann wieder.

Judith Milberg ist begeistert von den Office-Tassen von KPM: „Endlich mal eine gute Größe für eine Teetasse.“

MS: Seid Ihr in allem so harmonisch?
JM: Axel trinkt keinen Tee. Das nervt mich. Früher habe ich immer gedacht, ich kann nie mit einem Mann zusammen sein, der erstens raucht und zweitens keinen Tee trinkt.
MS: Und, raucht er?
JM: Nein.
MS: Als ich meinen Mann kennenlernte, war er Kettenraucher mit bis zu vier Schachteln am Tag. Kannst Du Dir das vorstellen?
JM: Wahnsinn. Als jüngerer Mensch ist man wahrscheinlich suchtaffiner. Ich habe nie geraucht.
MS: Ich auch nicht. Nie.
JM: Ich konnte auch nie kiffen. Ich kann nicht mal inhalieren.

„Ich habe nie gekifft.“

MS: Haha, geht mir genauso. Für mich ist Tee meine Alltagsdroge. Wie trinkst Du Deinen Tee am liebsten?
JM: Ich trinke ihn schwarz, ohne Milch und Zucker. Ich trinke allerdings zu verschiedenen Tageszeiten unterschiedliche Tees. Momentan habe ich eine ganz schlimme Sucht, die hält auch schon sehr lange: Der „BB Detox“-Tee von Kusmi. Ich glaube, da ist etwas drin, was abhängig macht. Es muss immer genug von diesem Tee im Haus sein. Grünen Tee mag ich auch sehr, nachmittags trinke ich Earl Grey und am Abend ayurvedischen Kräutertee. Wenn Axel in Kiel dreht, lasse ich mir diesen Tee extra bei Paul Heyck, einem herrlichen Kieler Teeladen mischen, eine Kombination aus den Sorten „Wohlfühlen“ und „Seelenharmonie“. Du wusstest vorher nicht, dass ich so teeverrückt bin, oder?
MS: Nein und ich bin total happy, in Dir eine Seelenverwandte gefunden zu haben.
JM: Echt zu komisch. Du und ich, wir sind der gleiche Jahrgang, die Kerle haben wir auch beide gleich lang, wir haben beide nie geraucht und nie gekifft, beide lieben wir Tee. Das kann kein Zufall sein.  BvH

Judith Milberg beim Teekochen in ihrem Münchener Zuhause: „Ich habe eine Thermoskanne gesucht, die aussieht wie eine Teekanne. Die Minuet-Teekanne von Bredemeijer ist formschön und tropft nicht. Sie begleitet mich durch den Tag.“

Kontakt Judith Milberg:

judithmilberg.de

Die Interview-Reihe „Meet me 4 Tea“ wird gesponsort von KPM – Königliche Porzellan Manufaktur.

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Giganten aus Stahl: Die 200 Tonnen schwere Installation „Effondrement of Arcs“

Als ich kürzlich mit meinen Freunden, Kunstsammler und Mäzene aus Recklinghausen, ein Geburtstagswochenende in Südfrankreich verbrachte, kam es zu einer besonderen Begegnung: Ich lernte den französischen Künstler Bernar Venet kennen, einen der international herausragenden Bildhauer der Gegenwart. Seine monumentalen Stahlskulpturen zieren weltweit die Metropolen – von New York bis Paris. In Berlin steht seit 1987 der Stahlbogen „Arc de 124,5°“ an der Urania, ein Geschenk Frankreichs zur 750-Jahr-Feier der Stadt.

Wenn ich die kolossalen Stahlskulpturen Bernar Venets betrachte, stellt sich mir sofort die Frage, wie die einzelnen, tonnenschweren, ineinander verschlungenen Fragmente gebogen werden. Wohl kaum per Hand. Bernar Venets Antwort: „Mit dem Kran.“ Begleitet mich und Bernar Venet auf einen exklusiven Spaziergang durch seine Kunststiftung in der Provence.

In der ehemaligen Fabrikhalle sind frühe Werke von Bernar Venet aus den Jahren 1961 bis 1966 zu sehen, Bilder und Reliefs von 1976-1984 sowie die „Indeterminate Surfaces“, die zwischen 1995 und 1999 entstanden sind

Vor drei Jahren gründete Bernar Venet, der sich 1963 entschloss, das „d“ aus seinem Vornamen zu streichen, seine Stiftung. Das künstlerisches Refugium des Bildhauers, der neben Pierre Soulages, Martial Raysse oder Robert Combas zu den Nachkriegskünstlern Frankreichs mit den höchsten Auktionsergebnissen zählt, liegt abseits vom Trubel der Côte d’Azur in Le Muy, einem kleinen Ort oberhalb von Cannes und Saint-Tropez.

„Ich arbeite 28 Stunden täglich, neun Tage die Woche“, sagt Bernar Venet, der 1977 auf der Documenta in Kassel ausstellte und im Jahr drauf auf der Bienale in Venedig

Auf dem Gelände einer ehemaligen Fabrik und einer Wassermühle aus dem 16. Jahrhundert fand Bernar Venet einen Ort, der es ihm ermöglichte, drei Dinge zu verbinden: Erstens seine gigantischen Arbeiten in einer hangarartigen Halle und einem Skulpturenpark auszustellen. Zweitens seine bedeutende, minimalistische Kunstsammlung erstmals öffentlich zu zeigen. Und drittens so große Formate zu produzieren wie noch nie zuvor.

Meine Gastgeber Bernar und Diane Venet

Bernar Venet und seine Frau Diane haben es sich mit der „Venet Foundation“ zur Aufgabe gemacht, auch Arbeiten anderer befreundeter Künstler wie Donald Judd, Sol Lewitt, Dan Flavin der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und zu zeigen. Auf unserem Spaziergang durch das fünf Hektar große Anwesen, das er 1989 kaufte, schlendern wir vorbei an Arbeiten von Anthony Caro, Carl Andre, Richard Long, Tony Cragg, Tony Smith, Philip King, Robert Morris, Larry Bell and Ulrich Rückriem – und der Kapelle, die Frank Stella für den Skulpturenpark baute und mit Reliefs aus Metallfragmenten ausstattete.

2017 wird zudem der US-Künster Fred Sandback mit der Einzelausstellung „Pedestrian Space“ geehrt. Und gelegentlich wird die Sammlung Bernar Venets um neue Exponate ergänzt. Wobei das größte Werk im Park von Venet selbst geschaffen wurde: eine 200 Tonnen schwere Skulptur aus Stahlbögen, die übrigens nicht das Ergebnis einer mathematischen Berechnung sind, sondern dem Zufall folgen. Da stehe ich also, tauche ein in die südfranzösische Landschaft, lausche dem Rauschen des Flusses Endre, bemerke das Zirpen der Grillen und kann meinen Blick nicht abwenden von diesen Giganten aus Stahl.  BvH

In der Fabrik erschließen sich dem Besucher immer wieder überraschende Sichtachsen

Besuch der Bernar Venet-Stiftung:

Geführte Touren werden im Sommer (bis 15. September) Donnerstagnachmittag und ganztägig Freitag angeboten. Dauer der Führungen ca. 1,5 Stunden. Nur mit Online-Voranmeldung zu vorgegebenen Terminen möglich. Eintritt 15 Euro. Weitere Informationen unter venetfoundation.org.

Die Einzelausstellung 2017:

In der Galerie wird 2017 die Einzelausstellung „Pedestrian Space“ des US-Künstlers Fred Sandback gezeigt …

… der Blick aus der Galerie gibt den Blick frei auf die monumentalen Arbeiten Bernar Venets

Der Skulpturenpark:

Blick auf die ehemalige Fabrik, die heute Zentrum der Bernar Venet Stiftung ist – davor Arbeiten des Künstlers

Der Pool im Park ist ein Entwurf des befreundeten Künstlers François Morellet von 2008

„Jede meiner Arbeiten beginnt mit einem 30 bis 40 Zentimeter großen Modell. Daran sehe ich, was künstlerisch interessant ist. Ich suche Aspekte, die es vorher noch nicht gegeben hat und wie ich damit die Grenzen der Bildhauerei ein wenig verschieben kann.“

Palmen und Pinien bilden den Rahmen für die Skulpturen und die ehemalige Fabrik. Venet, der fast fünf Jahrzehnte in New York lebte, bezeichnet seine Grundkonzeption als „unbestimmte Linien“

Eingebettet in eine romantische Parklandschaft im Süden Frankreichs …

… liegt die Mühle aus dem 16. Jahrhundert, die Teile der Sammlung Bernar Venets enthält sowie seine Privaträume

Sorgt für kräftiges Rauschen: Die Endre, ein 29 Kilometer langer Fluss in der Provence. In dem kleinen Ort Le Muy erstreckt sich zu beiden Uferseiten der fünf Hektar große Park der Bernar Venet Stiftung

Ein Tunnel mit „Aha-Effekt“: Durch den hallenden Gang aus rostrotem Corten-Stahl gelangt der Besucher über den Fluss Endre, der an der fünf Hektar großen Parkanlage entlangrauscht

Der Tunnel von innen: „Wenn die Sonne im richtigen Winkel steht, glitzern im Inneren Hunderte Lichtsprenkel“, beschreibt Bernar Venet die von Löchern durchsiebten Wände

Im Atelier von Frank Stella begeisterten Bernar Venet sechs imposante Wandreliefs: „Ich hatte einen Riesenrespekt vor ihm, er war schon damals ein Gigant. Ich habe eine Zahl auf einen Zettel geschrieben, Stella addierte 40 Prozent, und ich kratzte die Summe innerhalb eines Jahres zusammen.“

Jetzt sind die Reliefs Teil dieser Kapelle im Skulpturenpark und Stella der beste Freund Venets

„Die Sammlung repräsentiert die Geschichte unserer Leben“, sagt Venet über die hier gezeigten Werke – seine eigenen und die seiner Künstlerfreunde, die allesamt unverkäuflich sind

„Es gibt viele Menschen, die den Zugang zur Kunst erst im öffentlichen Raum erleben und mit Freude entdecken, was zeitgenössische Kunst ist und kann.“

Ein Neuzugang: Dieses Kunstwerk wird seinen Platz im Skulpturenpark noch finden

Larry Bell: Something Green, 2017, Laminiertes Glas, 244 x 1219 x 244 cm

Robert Morris: Labyrinth, 2012, Maschendrahtzaun, 213 x 1371 x 427 cm

Ein Werk aus Eisenketten des mittlerweile verstorbenen, französischen Künstlers Arman, einem engen Freund Bernar Venets – im Hintergrund die Mühle aus dem 16. Jahrhundert

Giganten aus Stahl: Das größte Werk im Skulpturenpark stammt von Bernar Venet selbst

Die Baumstämme werden in China mit einer Bleilegierung gefertigt, jeder ist sechs Tonnen schwer. Seine Werke werden aber auch in Frankreich und Ungarn produziert

Es ist angerichtet: Ein Lunch mit Freunden an einem perfekten Sommertag in Südfrankreich

Bernar et moi: Merci beaucoup!

Kontakt Bernar Venet:

bernarvenet.com

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