Steingutgeschirr war der Renner auf der Maison et Objet und oft zu sehen

In der Fashionwelt gibt es jedes Jahr einen neuen Trend – das verlangen die Kundinnen, die Hochglanzmagazine, die Influencer, die Modeindustrie und Anna Wintour. In der Welt des Interiors verhält es sich ein wenig anders. Klar, was aktuelle Farbtrends betrifft, orientieren sich die Inneneinrichter gerne auch an den Vorlagen und dem gerade angesagten Farbspektrum der Fashiondesigner. Nur weiß man natürlich, dass der Kunde eher in eine neue Hose investiert, als in ein neues Sofa. Und darin liegt auch schon die Kernproblematik. Kaum einer tauscht pausenlos sein Inventar und schon gar nicht, wenn es sich um hochwertige Teile handelt. Ausnahme: Beim Mobiliar der berühmten, schwedischen Möbelmarke ist das Verfallsdatum vermutlich von vornherein einkalkuliert, was sich in Qualität und Preis dokumentiert. Zumindest habe ich schon mehrfach die Erfahrung gemacht, dass sich ein einmal auseinander genommenes Billy-Regal kaum ein zweites Mal widerstandslos zusammenbauen lässt.

Der holländische Anbieter Versmissen setzt auf Retroformen und feiert die neue Kollektion im Thonet-Stil, was seit dem Ablauf des Patentes auf die berühmten Bugmöbel mit ihrem Flechtwerk möglich ist

Wie also mobilisiert man die Kundschaft, in Wohnaccessoires oder gar in ein neues Möbelstück zu investieren? Selbst der Erwerb des x-ten Kerzenleuchters kommt bei den meisten auf den Prüfstand, denn die heimischen Schränke quellen eigentlich über von all dem Nippes und den Staubfängern.
Umso bewundernswerter ist es, dass den Kreativen immer wieder etwas einfällt, um die Käufer zu mobilisieren: Vom Minimalismus über den immer noch angesagten Landhaus-Chic bis hin zum Scandi-Look. Plötzlich war alles Hygge. Insofern war ich sehr gespannt auf die aktuelle Schau der Maison et Objet, der größten Lifestyle-Messe ihrer Art, die alljährlich in Paris stattfindet – und das gleich zweimal, im Januar und im September. Und ich muss gestehen, so richtig den bahnbrechenden, noch nie zuvor gesehenen Trend konnte ich nicht ausfindig machen.

Das ist doch mal ein Sofatisch, oder? Besonders schön in der Kombination mit den Lammfell bezogenen Sesseln

Die Branche setzt nach wie vor auf Naturmaterialien, schließlich will man auch hier in irgendeiner Form Nachhaltigkeit demonstrieren. Deshalb kommen Materialien zum Einsatz wie Wolle und Fell. Selbst Halbedelstein-Rohstücke vom Amethyst, Rosenquarz oder Achat, die jahrelang aus den Wohnzimmerschränken und damit von der Bildfläche verschwunden waren und allenfalls in Opas Mineraliensammlung ihr Dasein fristeten, feiern ein funkelndes Comeback. Ab sofort zieren sie wieder das heimische Sideboard.

Zwischendurch mal was Kurioses

Ein rückläufige Entwicklung muss der über Jahre gehypte Industrial-Style hinnehmen. Kaum eines der auf der Maison et Objet vertretenen Label schenkt dem mittlerweile überpräsenten Look noch große Bedeutung. Nachdem sich der Trend selbst über Coffeeshops in unser aller Wahrnehmung verankert hat – sogar unsere Kiez-Bäckerei präsentiert sich plötzlich in Metrofliesen, die von ausrangierten Fabrikleuchten erhellt werden – hat keiner mehr Lust darauf. Fazit: Eine wirklich revolutionäre Neuerung im Interiorbereich ist nicht in Sicht – weshalb ich heute die Dinge zeige, die mir auf der Maison et Objet aufgefallen sind oder/und mir einfach nur gut gefielen. Viel Spaß und Inspiration mit meinen ganz persönlichen Eindrücken. BvH

Maison et Objet – Meine Favoriten

Natur pur – gehüllt in ein Wald- und Wiesenszenario: Der begrünte Stand der belgischen Firma Sempre…

…auf dem verschiedene Wohnbereiche inszeniert wurden. Hier die Küche…

…der Wohnbereich, gemütlich mit vielen Kissen und Holzstämmen als Sofatisch…

Das Schlafzimmer mit Blick ins offene Bad…

…und einer traumhaften Steinbadewanne. Cool, oder?

Besonderer Eyecatcher: Ein Waschbecken XXL aus einem ausgehöhlten Holzstamm

Kerzenleuchter einmal auf eine andere Art, auch diese sind von Sempre

Für hungrige Maison et Objet-Besucher gab es bei Sempre auch ein kulinarisches Angebot, selbstverständlich im typischen Sempre-Look…

…und serviert auf schönem, schlichten Sempre-Geschirr

…das auf der Messe in nahezu allen Farbtönen von verschiedenen Herstellern angeboten wurde. Hier von l’Object

Und dieses schöne, hellgrau-melierte Steingutgeschirr aus England wird künftig meinen heimischen Esstisch zieren. Von Nkuku

Würde ich ein Restaurant oder Café einrichten, dann mit den spanischen Designern von Brucs…

Genau mein Ding!

Toll: Die gefliesten Tischplatten bei Zenza – sowohl für den Esstisch…

…als auch für den Couchtisch

Hallo Sommer!

Der Hängemattenmodus – und damit der Sommer – kann kommen mit Accessoires von Bed and Philosophy

Die holländische Erfolgsmarke Eichholtz präsentierte erstmalig eine Outdoor-Möbel-Kollektion

Themen auf der Maison et Objet

Alles „Organic“, oder was?

Mineralische Momente, Teil I

Mineralische Momente, Teil II

Das Duftkerzen-Label Oscar verpackt seine Produkte in Felloptik und Ton

Missoni ganz klassisch mit dem berühmten Zickzackmuster

Ein Material feiert sein Comeback: Grob gewebte Wollstoffe für Sitzmöbel wie hier bei Blanc Ivoire

Das Label Traces of Me zeigte in seiner neuen Kollektion farbenfrohe Lampenschirme aus bedruckter Seide

Zeitlose Klassiker

Gewohnte – aber von mir sehr gemochte – Opulenz beim französischen Label Labyrinthe

Kronleuchter „en nature“

Ich mag diese Zusammenstellung von alten Büchern und ausgesuchten, originellen Pretiosen

Große Keramikvasen und Steingutgefäße sind angesagt. Diese sind von der französischen Marke Asiatides

Mehr Artikel über die Maison et Objet findest Du hier.

Alles Wissenswerte über die Maison et Objet findest Du hier.

The post Maison et Objet: Bye, bye, Industrial-Style! appeared first on My Stylery.

„Das Bild mit den Eisblasen ist auf dem See „Lake Abraham“ in Kanada entstanden. Trotz der Warnungen des Lodge-Besitzers bin ich auf den See mit seinem fast schwarzen Eis gegangen. Das Bild ist ziemlich abstrakt, könnte auch Popart sein“, erzählt Tom Jacobi

Es ist Gallery Weekend in Berlin! Bereits in der vergangenen Woche eröffnete der Hamburger Fotograf Tom Jacobi seine Ausstellung „Into the Light“ in der Charlottenburger Galerie SR Contemporary Art. Einige seiner großformatigen, schwarz-weiß Fotografien wurden vom Pariser Luxuslabel Hermès auf Seide gedruckt, was bislang einzigartig ist. Tom Jacobi war Modefotograf und Art Director des Magazins „Stern“. Seine Leidenschaft für das Fotografieren hätte er dabei fast verloren.

MyStylery: Glückwunsch zu Deinem Coup mit Hermès! Wie kam es dazu?
Tom Jacobi: Fotos auf Papier machen ja alle und so kam mir die Idee, auf Stoff zu drucken, da ich ja auch immer einen Bezug zur Natur suche. Seide war ein naheliegender Gedanke. Es folgten Gespräche und Tests und Hermès gab mir eine unverhoffte Zusage. Nun werden die Bilder auf Originalseide von Hermès in Frankreich produziert.
MS: Wie alt warst Du, als Du das erste Mal eine Kamera in der Hand gehalten hast?
TJ: 14 oder 15. Ich bekam eine Novoflex geschenkt und fotografierte die Katze auf dem Fensterbrett und Sonnenuntergänge.

Tom Jacobi: Peaceful Mind

MS: Kam Dir damals schon die Idee, Fotograf zu werden?
TJ: Erst mit 17, als ein Foto von mir in einem Buch veröffentlicht wurde. Es zeigte einen Kendo-Meister beim japanischen Schwertkampf. Ein Sport, den ich damals auch selber praktiziert habe. Wenn man zum ersten Mal ein Bild von sich auf Papier gedruckt sieht, das ist eine Magie, die ich heute noch spüre.
MS: Druckst Du private Fotos noch aus?
TJ: Oh ja, ich habe einen schweren Fehler gemacht, als ich meiner Frau zu ihrem ersten Geburtstag nach unserem Kennenlernen ein Fotoalbum geschenkt habe, mit selbst eingeklebten Fotos, kreierten Layouts und handschriftlichen Kommentaren. Seitdem bin ich dazu verdonnert, unser gesamtes Privatleben und Reisen in altmodischen Fotoalben zu dokumentieren. (lacht)

Tom Jacobi: Black Line

MS: Dein Vater war der legendäre Journalist Claus Jacobi, Chefredakteur von Spiegel, Stern und BILD-Zeitung. Hat Dich das davon abgehalten, selber in den Journalismus zu gehen?
TJ: Total. Ich hätte mich ja dem ständigen Vergleich ausgesetzt. Durch meine Freundschaft zu Sven Simon, dem Sohn von Axel Springer, kam ich nach Bonn und arbeitete dort in seiner Fotoagentur. Ich habe in erster Linie Politiker fotografiert, zum Beispiel Willy Brandt, Helmut Schmidt und Helmut Kohl. Später war ich als Fotograf für den „Stern“ unterwegs. Mit allen Risiken. Während einer Reportage im Iran hat man mich an die Wand gestellt und wollte mich erschießen, da ich für einen Spion gehalten wurde.
MS: War das der Grund, dass Du 14 Jahre lang gar nicht mehr fotografiert hast?
TJ: Nein, das entwickelte sich in meiner Zeit als Mode und Werbefotograf. Dieses kommerzielle Arbeiten und die Wünsche der Kunden, den Mantel von links oder doch lieber von rechts zu shooten, das Auto von oben oder unten, hat mir die Leidenschaft damals komplett ausgetrieben. Und was nützt ein gutgefülltes Bankkonto, wenn jede Kreativität flöten geht. Ich war damit einfach nicht mehr glücklich und habe sogar alle meine Kameras verkauft, weil ich überzeugt war, dass ich nie wieder fotografieren würde.

Tom Jacobi: The Majestic

MS: Jetzt bist Du wieder mit der Kamera unterwegs. Für die aktuelle Ausstellung „Into the Light“ sogar zwei Jahre rund um den Globus, zusammen mit Deiner Frau Kati.
TJ: Das war eine spannende Zeit, auch für uns als Paar. Wir sind wahnsinnig gern zusammen. Kati hat auch großen Einfluss auf das, was ich fotografiere. Sie ist mein Korrektiv. (lächelt) Man wird demütig, wenn man in der Weißen Wüste Ägypten unterwegs ist, dort mit zwei Beduinen campt, ohne sich groß um Sicherheit Gedanken zu machen. Im Nachhinein betrachtet war es riskant.
MS: Es kommt vor, dass Du fünf Stunden auf einer Klippe sitzt, um auf das richtige Licht zu warten. Was ist das richtige Licht, der richtige Moment?
TJ: Das kann ich nicht sagen. Es ist ein Gefühl. Meine Arbeit hat viel mit Geduld und Disziplin zu tun, oft warte ich tagelang auf den passenden Moment, obwohl ich die Motive zuvor ja sehr genau recherchiert habe.

Tom Jacobi und ich vor einem Foto in der Charlottenburger Galerie SRC, das eine riesige Salzwüste in Bolivien in 4.000 Meter Höhe zeigt: Nur während der Regenzeit steht das Wasser auf dem Salz und erzeugt damit diesen perfekten Spiegeleffekt

MS: Du bist häufig fernab von allem. Wie erträgst Du Stille?
TJ: Ich mag das sehr gerne. Stille kann nicht jeder aushalten. Ich wurde mal von einem Freund begleitet, der schon nach kurzer Zeit nervös wurde, was mich wiederum gestresst hat. In dem Moment habe ich beschlossen, niemanden mehr mitzunehmen. Ich bin da komplett eins mit mir, das hat etwas sehr Kontemplatives.
MS: Gab es auf Deiner Reise eine gefährliche Situation?
TJ: Als Fotograf ist man auch immer ein Jäger, der Risiken eingeht. In Island wollte ich zu einem Wasserfall, wobei ich mehrfach über vereiste Fläche gestürzt bin und einen Abhang runterrutschte. Eine Einöde ohne Handynetz oder die Chance, gefunden zu werden. Danach habe ich mir ein satellitengestütztes Notrufsystem zugelegt. Denn wegen eines gebrochenen Knöchels zu sterben, ist doch ziemlich unnötig. BvH

Ausstellung „Into the Light“

Bis 20. Mai sind die Arbeiten Tom Jacobis in der Galerie SR Contemporary Art, Niebuhrstraße 11a in Berlin-Charlottenburg zu sehen

Kontakt Tom Jacobi

tomjacobi.de

Noch mehr zum Thema Kunst findest Du hier.

The post Tom Jacobi-Ausstellung „Into the Light“ appeared first on My Stylery.

Giovanni Battista Moroni: Portrait des spanischen Edelmannes Prospero Alessandri (ca. 1560)

Wien ist mir ja, wie Ihr wisst, immer eine Reise wert! Gerade zeigt die Albertina weit über einhundert herausragende Gemälde und Skulpturen aus den exquisiten Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein (bis 10. Juni) – prachtvolle Alte Meister von Rubens bis Makart. Ein guter Grund, die Donaumetropole zu besuchen. Für einen ersten Eindruck (und für diejenigen, die es nicht nach Wien schaffen) zeige ich hier eine Auswahl der schönsten Exponate.

Antico: Büste des Marc Aurel (ca. 1500)

Die prachtvollen Sammlungen des Fürstenhauses Liechtenstein zählen mit jenen des britischen Königshauses zu den bedeutendsten und größten Privatsammlungen der Welt. Sie vereinigen imposante Skulpturen und Gemälde der Frührenaissance und des Barocks von Adriaen de Vries, Peter Paul Rubens und Anthonis van Dyck. Großartige Arbeiten der italienischen und französischen Künstler Giambologna aka Giovanni da Bolgna, Giovanni Antonio Canal genannt Canaletto und Hyacinthe Rigaud; Meisterwerke des Wiener Biedermeiers von Friedrich von Amerling und Ferdinand Georg Waldmüller sowie erlesene Gemälde der Hans Makart-Zeit.

Hans Makart: Der Tod der Kleopatra (1875)

Das ursprünglich österreichische Adelsgeschlecht derer Liechtenstein verfügte im Mittelalter in Niederösterreich und Mähren über umfangreiche Besitzungen. 1599 konvertierte Karl I. von Liechtenstein vom Protestantismus zum Katholizismus. 1608 wurde er in den erblichen Fürstenstand erhoben und legte damit den Grundstein für den Aufstieg des Hauses Liechtenstein. Anfang des 18. Jahrhunderts wurden die in verschiedenen fürstlichen Schlössern und Palästen aufbewahrten Sammlungen in das Wiener Stadtpalais gebracht.

Salviati: Portrait eines Mannes (ca. 1543-48)

Vor 300 Jahren, im Jahr 1719, erhob Kaiser Karl VI. die benachbarten Besitztümer Vaduz und Schellenberg zum Reichsfürstentum. Liechtenstein wurde ein eigenständiger Staat innerhalb des Heiligen Römischen Reiches. Ab 1807 ließ Johann I. von Liechtenstein die umfangreiche Bildergalerie vom Wiener Stadtpalais in das vor den Stadtmauern gelegene Gartenpalais überführen. 1810 machte das Haus Liechtenstein seine Sammlung der Öffentlichkeit zugänglich, fünf Jahre nach Herzog Albert, dem Gründer der Albertina.

Lucas van Valckenborch der Ältere: Der Blindensturz (nach 1568)

Schon ein Jahr davor kämpfte Fürst Johann I. von Liechtenstein an der Seite des Generalissimus Erzherzog Carl in der Schlacht von Aspern (1809). Er ließ diesen ersten Sieg gegen die Truppen Napoleons von Johann Peter Krafft in einem monumentalen Gemälde festhalten (heute als Dauerleihgabe der Fürstlichen Sammlungen in den Prunkräumen der Albertina).

Quentin Massys der Ältere: Die Steuereintreiber (ca. 1525-30)

Fürst Alois II. und sein Sohn Johann II. wurden im 19. Jahrhundert zu den größten Auftraggebern und Sammlern des Wiener Biedermeiers. Hunderte Gemälde von Waldmüller, Fendi, Amerling und Rudolf von Alt in den Wiener Sammlungen gehen auf Schenkungen Johanns II. zurück. Den Ersten Weltkrieg und das Ende der Habsburger Monarchie überstanden die Sammlungen des Hauses Liechtenstein unbeschadet. In den letzten Wochen des Zweiten Weltkriegs wurden sie in das neutrale Fürstentum Liechtenstein in Sicherheit gebracht.

Osias Beert der Ältere: Großes Stillleben mit Äpfeln, Trauben und Blumenvase (ca. 1600-20)

In den Zeiten wirtschaftlicher Bedrängnis und der Enteignungen nach der Teilung Europas in Ost und West wurden viele Gemälde veräußert, darunter Hauptwerke von Leonardo, Canaletto und Rubens. Erst unter Fürst Hans-Adam II. von und zu Liechtenstein wuchs die Sammlung wieder in einem beträchtlichen Umfang. Mit den schönsten und bedeutendsten feiert die Albertina im Palais Herzog Alberts und Erzherzog Carls, die mit dem Haus Liechtenstein einst so enge Beziehung pflegten, den 300. Geburtstag des Fürstentums.

Text: Albertina Wien

Ich vor dem Rubens-Bildnis seiner Tochter Clara Serena (ca. 1616)

…nochmal aus der Nähe…

Franz Jansz. van der Uyl: Frühstück mit Zinnkanne (1635) – Faszinierende Details wie hier die Silberschale und die Lichtreflexe der Kanne

Jan van Huysum: Blumen in einer Terrakottavase (ca. 1725) …man beachte die plastische Darstellung der Putten auf der Vase

Peter Paul Rubens: Venus vor dem Spiegel (ca. 1614/15) …und hier die Armspange der Venus sowie die Spiegelperspektive!

Anthonis van Dyck: Portrait einer Frau (1618) …beeindruckend, die Filigranität von Spitze und Schmuck…

Anthonis von Dyck: Der heilige Hieronymus (ca. 1615/16)

Roelant Savery: Blumenbouquet (1612)

Guiseppe Arcimboldo: Terra (Die Erde) ca. 1570

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder dieser Ausstellung: „Landschaft mit dem jungen Tobias“ von Jan Brueghel dem Älteren (1598). Selbst in der Tiefe des Bildes entdeckt man feinste Detail-Darstellungen

Adriaen de Vries: Der heilige Sebastian (ca. 1613/14)

Peter Paul Rubens: Jan Vermoelen (1616)

Anthonis van Dyck: Maria de Tassis (ca. 1629/30)

Fünf Jahrhunderte Kunstgeschichte

Gerrit Adriansz. Berckheyde: Der Marktplatz von Haarlem (1661)

Frans Snyders: Liegende Löwin (ca. 1620/30)

Blick in die Ausstellungsräume der Albertina, im Hintergrund „Kampf der Römer gegen die Sabiner“ von Sebastiano Ricci (ca. 1700)

Domenico Guidi: Büste der Maria Annunciata (ca. 1670)

Franz Eybl: Die Erdbeerverkäuferin von Hallstatt (1844)

Friedrich Wilhelm Schadow: Felix Schadow (ca. 1830)

Ferdinand Georg Waldmüller: Rosen (1843)

Franz Anton Zauner: Sitzstatue der Klio (1779) – im Hintergrund Werke von Batoni

Ferdinand Georg Waldmüller: Blumen in der Porzellanvase mit Leuchter und Silbergefäßen (1839)

Friedrich von Amerling: Prinzessin Maria Franziska von Liechtenstein (1836)

Kontakt Albertina:

albertina.at

Mehr Artikel über Kunst und Kultur findest Du hier.

The post Von Rubens bis Makart – Ausstellung in der Wiener Albertina appeared first on My Stylery.

Claude Monet in der Albertina in Wien – noch bis 6. Januar 2019

Alljährlich widmet die Albertina in Wien einem großen Thema oder Künstler eine Sonderausstellung. Seit 21. September 2018 werden einhundert Werke des wohl berühmtesten Impressionisten Claude Monet in einer großen Retrospektive gezeigt. Es ist die erste umfassende Präsentation mit Gemälden von Claude Monet (1840-1926) in Österreich seit über 20 Jahren. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt aller Schaffensperioden Monets, vom Realismus und seinen ersten vorimpressionistischen Werken bis hin zu seinen letzten Gemälden, die er in seinem Garten in Giverny in der Normandie malte.

Seerosen, 1914-1917

Seine wohl berühmtesten Motive – die Seerosen – entstanden, als Monet nahezu erblindet war. Ähnlich wie der im Alter gehörlose Beethoven Musik komponierte, malte Claude Monet nach seinen Instinkten und Erinnerungen und folgte dabei seinem inneren Auge. Damit entwickelte er einen Malstil, bei der sich die Farben und das Licht allmählich vom Gegenstand lösen sowie das Motiv von der Naturdarstellung. Dieses Spätwerk Claude Monets wurde erst nach seinem Tod als Wegbereiter für die Malerei des abstrakten Expressionismus im 20. Jahrhundert anerkannt.

Der Rosenweg in Giverny, 1918-1924

Claude Monet steht wie kein anderer für die Malerei des Impressionismus. Der französische „Meister des Lichts“ malte am Meer, an der Steilküste der Normandie und an den Ufern der Seine. Monets Licht und Farben wechseln auf der Leinwand mit der sich stets verändernden Natur und den atmosphärischen Eindrücken. Um sie in ihrer Erscheinungsvielfalt zu erfassen, malte er viele seiner Motive in Serien. Dem bislang wenig untersuchten Farbkonzept und der leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Pflanzen- und Wasserwelt im Garten seines Landhauses bei Giverny widmet sich die Albertina in dieser monografischen Ausstellung. Die Exponate stammen teils aus den eigenen Beständen bzw. sind Leihgaben internationaler Museen und Privatsammlungen.

Ich vor Claude Monets „Trauerweide“ von 1918/1919

Für die Impressionisten – vor allem Claude Monet – habe ich mich schon immer begeistert. So war die Claude Monet-Ausstellung bei meinem letzten Wien-Besuch ganz oben auf der To-do-Liste. Es hat sich gelohnt, obgleich die Ausstellung mit keinen großen Überraschungen aufwartet. Für alle, die keine Gelegenheit hatten und haben, Claude Monet in der Albertina persönlich in Augenschein zu nehmen, zeige ich auf MyStylery 35 Bilder dieser umfassenden Schau, die noch bis zum 6. Januar in Wien zu sehen ist. BvH

Claude Monet in der Albertina

Die Portraits von Pierre Auguste Renoir zeigen Claude Monet lesend und rechts das Bildnis Madame Monets, beide um 1873

Quai du Louvre, 1867 – eines der Werke aus der vorimpressionistischen Ära Monets

Am Strand von Trouville, 1870

Der Landesteg, 1871

Das Seine-Ufer an der Brücke von Argenteuil, 1874

Wintermotive wie hier der „Schnee in Argenteuil“ (1874/1875) entstanden vorwiegend in der Zeit, als Claude Monet große, existentielle Probleme hatte und an der Armutsgrenze lebte

…dabei ist Schnee wohl nie so facettenreich dargestellt worden, wie von Claude Monet: „Eisenbahn im Schnee“ (1875)

Camille Monet mit Kind im Garten, 1875

Eines meiner absoluten Lieblingsbilder: „Madame Monet mit rotem Kopftuch“ (1873)

Segelboot bei Petit-Gennevilliers, 1874

Eisgang, trübes Wasser, 1880

Raureif in Giverny, 1889

Pfad durch die Mohnblumen auf der Insel Saint-Martin, 1880

Die Kirche von Vétheuil, 1878

Apfelbäume, 1878

Blühender Obstgarten, Vétheuil, 1879

Frühling, Blick durch die Zweige, 1878

Segelboot im Abendlicht, 1885

Port-Coton, Löwenfels, 1886

Blick auf die Felsnadel durch die Porte d’Aval, 1886

Fischerhaus in Varengeville, 1882

Weg bei La Cavée, Pourville, 1882

Weiße Klematis, 1887

Pappeln am Ufer der Epte, 1891

Der Kolsas in Norwegen, 1895

Die Creuse bei Sonnenuntergang, 1889

Das Tal von Falaise, 1885

Portal und Albanturm in der Dämmerung, 1894

Houses of Parliament in London, Sonnenuntergang, 1900-1904

Seerosen, 1916-1919

Die japanische Brücke, 1918-1924

Und nach dem Kunstgenuss shop ‚til you drop: Einen der bestsortierten Museumsshops findet man in der Albertina

Info Claude Monet Ausstellung:

Albertina, Wien

Mehr Artikel zum Thema Kunst findest Du hier.

The post Claude Monet Ausstellung in Wien appeared first on My Stylery.

Der zwölf Kilometer lange Große Wannsee in Berlin – so schön!

„Seid ihr eigentlich schon mal auf der Pfaueninsel gewesen“, fragte ich meine Lieben am Wochenende, während wir auf der Terrasse des 2015 wiedereröffneten Restaurants Wannseeterrassen saßen und die herrliche Aussicht auf’s Wasser und die vielen Segler genossen. War natürlich keiner von uns, denn wer ist schon als Tourist in der eigenen Stadt unterwegs, wenn nicht gerade auswärtige Freunde oder die angerückte Verwandtschaft entertaint werden wollen. Es folgte allgemeines Schulterzucken und dann auch noch eine Verwechslung mit der Villen-Insel Schwanenwerder. Hier schien nun Klärungsbedarf: Keine zehn Minuten später erreichten wir den Anleger der Fähre, die uns mit einer kurzen Fahrt über die Havel auf die Insel übersetzte.

Der bunt schillernde Pfau und die blassbraun gefiederte Gefährtin… glücklicherweise gilt diese Schönheitsklassifizierung nicht für uns Zweibeiner

An die hundert Pfauen leben zurzeit auf der Pfaueninsel und so verwundert es nicht, dass wir nach unserer Ankunft prompt auf einen solchen stießen. In Begleitung seiner eher blassbräunlich gefiederten Partnerin – ungerecht verteilt von der Natur, nebenbei mal bemerkt – zeigte uns der stolze Pfau leider trotzdem nicht sein buntgefiedertes Rad. Dafür ist die Natur, die Flora und Fauna dieser Insel einfach unfassbar schön: In dem 67 Hektar großen Landschaftspark, seit 1990 von der UNESCO als Weltkulturerbe deklariert, ist ein grünes Paradies und ein Hort seltener Pflanzen und Tierarten. Und die Pfaueninsel ist zudem eng verbunden mit der brandenburgisch-preußischen Geschichte.

Ich vor dem Schloss auf der Pfaueninsel, farblich abgestimmt auf die wunderschönen, blauen Hortensien

Einst diente die Pfaueninsel den Preußenkönigen als Rückzugsort. Friedrich Wilhelm II., der Neffe des Alten Fritz, ließ von 1794 an auf der Südwestspitze des Werders ein Lustschloss für sich und seine Geliebte Wilhelmine Encke – spätere Gräfin Lichtenau – erbauen. Damit begann die große Zeit des Eilands, das damit erst wirklich zur Pfaueninsel wurde. Sein Sohn Friedrich Wilhelm III. beauftragte die Vollendung des begonnenen Landschaftsparks im englischen Stil. Ein Meierhof zur Milchproduktion wurde angelegt und das für adlige Gäste vorgesehene Kavaliershaus mit gotischen Fassaden erweitert. Große Künstler ihrer Zeit wie Gartenarchitekt Peter Joseph Lenné und Baumeister Karl Friedrich Schinkel kreierten im 19. Jahrhundert unter Mithilfe des Hofgärtners Fintelmann aus der Insel ein künstliches Paradies. Es gab dort Kängurus, Bären und einen Löwen, Schattenpalmen und Götterbäume, den Südseeinsulaner Maitay, den man kurzerhand in Heinrich Wilhelm umbenannt hatte, einen Riesen namens Karl Friedrich Licht und Zwerge.

Mein Lieblingsplatz auf der Pfaueninsel: Die Gärtnerei

­­­­­­­­­­Und die Zwerge mit ihrer ganz eigenen Geschichte waren der Grund, weshalb ich schon länger den Wunsch hatte, die Insel und die damit verbundene Geschichte zu erkunden. Konkret, seitdem ich den Roman „Pfaueninsel“ von Thomas Hettche gelesen habe, in dem der Autor das Zwergen-Geschwisterpaar Christian und Maria Dorothea Strackon und die anderen genannten Figuren samt der Insel-Historie zum Leben erweckt. Ein Geschenk meiner Freundin Christine, das ich innerhalb weniger Tage verschlang und das mich in eine andere Welt entführte. Es ist die Liebesgeschichte der Zwergin Marie, dem historisch verbrieften Schlossfräulein, die als Waise im Alter von sechs Jahren samt Zwergenbruder Christian auf die Insel kommt. Die sich in Gustav, den Neffen des Hofgärtners verliebt, der mit ihr aufwächst. Der auch sie immer schon liebte, aber nicht mit ihr zusammen sein kann, weil ihre Kleinheit, ihre krummen Beine, die platte Nase und hohe Stirn sie nach und nach zu einer anderen machen, einer Fremden aus einer anderen Welt, die auch über die Liebe nicht mehr integrierbar ist in das Gefühlsleben des vernünftigen, mittlerweile erfolgreichen Mannes und nicht integrierbar ins immer vernünftiger werdende Zeitalter selbst, das beginnende Maschinenzeitalter.­­­­ Hettches ­­­­­­­­­­­­­­­­­­­­­Liebesgeschichte erzählt von der Zurichtung der Natur, der Würde des Menschen, dem Wesen der Zeit und der Empfindsamkeit der Seele und des Leibes – und nicht zuletzt von der Liebe in ihren mannigfaltigen Erscheinungen, auf deren Spuren ich nun also über die Insel gewandelt bin. Eintauchen in die Welt Maries, die Autor Thomas Hettche so einfühlsam und facettenreich in seinem Buch beschreibt.

Zum Gedenken an seine große Liebe Königin Luise ließ Preußenkönig Friedrich Wilhelm III. auf der Pfaueninsel den Luisen-Tempel errichten

Und so liefen wir vom Schloss bis hoch zur Meierei, vorbei am Kavaliershaus und der Picknickwiese, wo Erfrischungen angeboten werden. Am besten gefiel mir der Garten mit seinen Beeten und Stauden und den sanften Hügeln, die bis zu Havel hinunterführen. Hier möchte ich das nächste Mal meinen Picknickkorb aufklappen und einfach nur im Gras liegen. Und mich weiter in die Welt der Zwergin Marie und der Preußenkönige hineinträumen. BvH

Wie der prunkvolle Rahmen eines Gemäldes säumen die Bäume den Blick auf den Wannsee

Ich warte auf das prunkende Schreiten und das heisere Schreien des Pfauen. Leider vergeblich!

Festsaal oberhalb der Meierei

Die Fassade ließ König Friedrich eingefallener Gotik nachempfinden

MyStylery im Einsatz: Hallo, ist jemand zu Hause?

Preußisches Paradies

Wunderschöne Sichtachsen wie hier auf den Luisen-Tempel

Schön nostalgisch: Alte Scheune

Uralte Baumbestände prägen die Insel

Das Kavalierhaus mit seiner historisch gefakten, gotischen Fassaden wird noch heute bewohnt

Die Pfaueninsel wurde 1924 zum Naturschutzgebiet deklariert

Unesco Weltkulturerbe

Der Schauspielerin Mademoiselle Rachel – ein Star ihrer Zeit – wurde hier ein Denkmal gesetzt

Übrigens: Die Pfaueninsel ist auto- und rauchfrei. Auch das Mitführen von Fahrrädern und Tieren ist hier verboten

Hier geht’s in die Gärtnerei …

… mit Hanglage und direkter Sicht auf den Wannsee

Die Pfaueninsel – hier die Beete der Gärtnerei – liegt in der Havel im Südwesten Berlins…

Es grünt so grün

… Sie gehört gemeinsam mit den Schlössern und Parks von Sanssouci in Potsdam und mit dem Schloss Glienicke zur Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg ….

… und ist als Weltkulturerbe bei der UNESCO gelistet

Im Jahr 1821 gab Preußenköning Friedrich Wilhelm III. seinem Gartendirektor Peter Joseph Lenné den Auftrag, einen Rosengarten, ein Palmenhaus und eine Menagerie auf dem Areal zu errichten

Damit die seltenen Pflanzen und Tiere nicht auf dem Trockenen saßen, wurde im folgenden Jahr ein Pumpenhaus am Südufer installiert, dessen Dampfmaschine die Fluten der Havel durch Tonleitungen in alle Ecken der Insel lenkte

Der Rosengarten

Ehemaliger Stall

Der Duft von Lavendel

Der Duft von Lavendel – das ist für mich der Duft von Urlaub, Sonne, Sommer

Schon zu Zeiten der Zwergin Marie lebten hier Pfauen und Vertreter exotischer Flora und Fauna wie Kängurus, Schattenpalmen und ein Löwe

Mit dieser Fähre schippert man vom Festland zur Pfaueninsel

Vor dem Besuch der Pfaueninsel habe ich mich im Restaurant Wannseeterrassen gestärkt

… von dort aus hat man einen fantastischen Blick auf den Großen Wannsee

Info Pfaueninsel

Die Insel liegt im wald- und wasserreichen Ortsteil Wannsee ist 22 Kilometer von Berlins Stadtmitte und fünf Kilometer von Potsdams entfernt. Eingebettet in eine komplexe, historisch vielschichtige Kulturlandschaft ist die Pfaueninsel mit einer Fläche von 88 Hektar, davon 67 Hektar Landfläche, seit 1924 als Naturschutzgebiet ausgewiesen. Das Naturschutzgebiet ist als Fauna-Flora-Habitat gemeldet und Teil des EU-Vogelschutzgebietes. Die Pfaueninsel wird als „Preußisches Paradies“ bezeichnet.

Anfahrt Pfaueninsel

Von der Berliner Innenstadt mit der Buslinie 218 ab U-Bahnhof Theodor-Heuss-Platz durch den Grunewald und weiter über S-Bahnhof Wannsee. Anschließend erfolgt die kurze Fährüberfahrt zur Pfaueninsel.

The post Das Schlossfräulein von Berlins Pfaueninsel appeared first on My Stylery.

Der Salone del Mobile: Für viele Brancheninsider ist die Mailänder Designmesse DAS Trendbarometer

Vom 17. bis 22. April war es wieder soweit: Der Salone del Mobile öffnete seine Pforten und Heerscharen internationaler Einkäufer, Designer, Architekten, Journalisten, Designfans sowie die Stars und Sternchen des Social Media stürmten das Mailänder Messegelände. Die Modemetropole Mailand hat sich längst zum Designmekka erhoben und der Salone del Mobile gilt Brancheninsidern als wichtigste Designmesse weltweit. Kein Wunder also, dass zwischen Möbel- und Modeindustrie Allianzen geschmiedet werden: Ein absoluter Eyecatcher ist die inzwischen erweiterte Kooperation zwischen dem Fashionbrand Dolce & Gabbana mit dem Küchengerätehersteller Smeg. Die farbenfrohe Welt des italienischen Design-Duos ergießt sich über die gesamte Smeg-Palette und herausgekommen sind kunterbunte und wild gemusterte Kühlschränke, Wasserkocher, Dunstabzugshauben.

Farbenfrohes vom italienischen Design-Duo Dolce & Gabbana für Smeg: Kunterbuntes und wild Gemustertes wie Kühlschränke, Herde und Dunstabzugshauben

Aber nicht nur das Messegelände Rho Fiera Milano ist Anziehungspunkt während des Salone del Mobile. Die ganze Stadt erliegt dem Sog dieses Designhappenings, was Branchen, die auch nur ansatzweise mit Design zutun haben, auf den Plan ruft. Darunter auch die Automarke Audi mit großem Auftritt inmitten der Mailänder Innenstadt. Luxusbrands wie Louis Vuitton und Hermès mieten elegante Palazzi, in denen sie ihre Home Collections präsentieren. Auch klassische Möbelmarken wie das skandinavische Label Gubi haben längst erkannt, das es die mediale Aufmerksamkeit steigert, wenn man – anstatt in einer der Messehallen – im gediegenen Ambiente eines Palazzo die eigene Kollektion präsentiert. Bottega Veneta zeigt seit drei Jahren seine Home Collection in dem im 18. Jahrhundert erbauten Palazzo Gallarati Scotti auf der Via Borgospesso. Einen Abstecher zu dieser extravaganten Location kann ich jedem Mailand-Besucher nur empfehlen.

Bottega Veneta zeigt seit drei Jahren seine Home Collection in dem im 18. Jahrhundert erbauten Palazzo Gallarati Scotti auf der Via Borgospesso

Das besondere an diesen Palazzi ist nicht nur die üppige Ausstattung: Stuckverzierte Decken, barocke Malereien, verschwenderisches Dekor, beeindruckende Murano-Lüster sind die Zeitzeugen einer längst vergangenen Epoche, an deren Türen der normale Besucher meist vergeblich klopft. Diese Locations – manche noch in Privatbesitz oder unter der Obhut  von Stiftungen – sind oft nur im Rahmen besonderer Events dem Publikum zugänglich. Prunkräume, wie die hier gezeigten, ziehen mich immer in einen ganz besonderen Bann. Mit dem Ergebnis, dass sie einen (mich ;-)) vom Wesentlichen leider auch ablenken. Denn etwas Neues, Bahnbrechendes oder gar Preisverdächtiges gab es bei den Ausstellern nicht zu entdecken.

Dänisches Möbeldesign von Gubi im mailändischen Privat-Palazzo Serbelloni

Parallel zum Salone del Mobile findet in der Gegend rund um die Via Tortona die Parallelveranstaltung Fuori Salone statt, auf der der internationale Designer-Nachwuchs seine Entwürfe präsentiert. Hier werden ehemalige Fabrik- und Lagerhallen, versteckte Hinterhöfe und Lofts zu temporären Ausstellungs- und Partylocations. Die Veranstaltung hat mittlerweile Kultstatus und gleicht einer vielversprechenden Kontaktbörse: Hier wurden schon etliche junge Talente von etablierten Designern vom Fleck weg engagiert.

Appaloosa: Neuzugang im Luxus-Bettensortiment von Hästens

Alle zwei Jahre – so auch 2018 – werden zudem mit der EuroCucina die aktuellen Küchentrends gezeigt. Und der Salone del Bagno präsentierte die Neuheiten im Badbereich. Sowohl in Küche als auch im Bad war – wie schon in den Vorjahren – ganz klar Holz das Trendmaterial. So ist die Vollholzküche längst keine Ausnahmeerscheinung. Sehr schick finde ich den aufgelockerten Look, in dem Holz mit Marmor oder Naturstein kombiniert wird. Beginnen wir bei der EuroCucina: Während deutsche Hersteller wie Nolte und Leicht diesem Trend eher zögerlich folgen, gibt es unter den vorwiegend italienischen Anbietern keinen, der auf Holz verzichtet. Die Fingerabdrücke absorbierende Hochglanzfront spielt nicht mal mehr eine Nebenrolle. Holz ist eindeutig der Star, wovon Firmen wie Team7 oder Riva1920, die schon immer auf das Naturmaterial gesetzt haben, profitieren. Und zwar gerne rau und haptisch im Naturton der jeweiligen Holzart. Die klassischen Marmorfarben schwarz und weiß, aber auch grün oder braun erobern die Küchenwelt. Und das sieht mega (!!!) schick aus.

Das fand ich mal einen Hingucker: Futuristisches Bücherregal – natürlich aus Holz – auf rauer Betonoptik (von Mogg)

Fazit Salone del Mobile:

Obwohl der 57. Salone del Mobile – mit 1.841 Ausstellern in 22 Hallen und 434.509  Besuchern – ein Plus von 17 % vermelden konnte, fehlte mir das Innovative. Holz ist aus Bad und Küche nicht mehr wegzudenken. Stardesigner Matteo Thun, der für Riva1920 den Tisch ‚Icon‘ designte, sagte mir: „Holz ist die Antwort auf das lieblose minimalistische Design der 90er Jahre.“ Ich finde, er hat Recht. BvH

Am Stand von Riva1920 herrschte, wie auch schon in den Vorjahren, reger Andrang. Die Tischplatten – Giganten aus alten Holzwurzeln, die aufwendig geborgen und bearbeitet werden – waren ein Highlight

Die neuen Sofas

Die Hersteller setzen nach wie vor auf Grüntöne und Samt als Material wie hier bei Poliform

Geschwungener Velvet Charme von Marelli

Flexform Sofa-Design mit farbig abgesetzter Paspel

Der italienische Sofa-Spezialist Baxter präsentierte eine Kollektion aus Velourleder

Faltenreiche Entwürfe von Laura Meroni

XXL-Sofa in Grautönen von Meridiani

Sofas in allen Formen: Oval, geschwungen wie hier von Living Divani, in L-Form oder abgerundet

Klassisches Sofadesign wie dieses von Gervasoni – in gewaschener Leinenoptik – war eher die Ausnahme

Minotti zeigte anlässlich seines 70jährigen Bestehens auf großen Screens die Vielfalt seiner Kollektion

Zwischendurch mal eine kleine Pause, draußen in der Sonne

Nicht viel Neues am Mailänder Design-Firmament

Der Industrie-Look für die Küche…

…neu interpretiert von Diesel Living

Auch die moderne Küche (von AR-TRE Cucine) verzichtet nicht auf Holz

Arrivederci Kochfeld: Hier sind die Kochstellen direkt in die Marmor-Arbeitsplatte integriert

Küchen sind jetzt grau

Die Landhausküche (von Snaidero) feiert ein Comeback…

…gerne in Kombination mit Naturstein wie Marmor (Küche vom deutschen Hersteller Häcker)

…und unverkennbar in Grautönen. Küche von Cucine Lube

Revival des Landhausstils wie hier von Scavolini: Mir gefällt’s!

Praktisch: Dunstabzüge – wie hier von Siemens – sind im Ceran-Kochfeld direkt integriert

Wunderschöner, ovaler Esstisch mit rundem Marmorfuß von Roche Bobois, Paris

Der neue Look für’s Bad

Der Industrie-Look erobert auch das Badezimmer wie hier bei Fashiondesigner Diesel für Scavolini

Badimpressionen von Cielo…

…auch hier reduzierter Industrie-Schick…

Diesen ovalen Spiegel gefallen mir sehr…

Badarmaturen bekennen jetzt Farbe: Waschbecken in Blaugrau, Zartrosa, Schiefergrau oder Schokobraun (von Cielo)

Sehr elegant finde ich Bidet und Toilette in diesem Steingrau

Davon träumen viele: Vom Bett geht’s direkt in die Badewanne

Integriertes Gym im Bad: „Gym Space“ von Mattia Pareschi

Beeindruckender Messestand mit begrüntem Innenhof bei Poliform

Folgt mir in die Mailänder Palazzi…

Das skandinavische Label Gubi präsentierte seine Kollektion im gediegenen Ambiente eines Palazzo:

Dem Palazzo Serbelloni…

…mit einem geradezu märchenhaft, üppigem Ambiente…

Im Palazzo Bovara kuratierte die italienische Elle Decor die Ausstellung „On Life – Millennials at Home“ mit mehr als 40 Design-Partner und Google als Hauptsponsor. Es wurde der Frage nachgegangen, wie die Generation Y – die „Digital Natives“ – ihr häusliches Leben gestaltet

Im Hof des Palazzo Bovara hatte Elle Decor diesen herrlichen, temporären Garten gestaltet

Auch Louis Vuitton zeigte seine Kollektion „Objets Nomades“ in den gediegenen Räumen eines mailändischen Palazzo…

…darunter diese beiden Sitzmodelle in Flechtoptik

Hermès macht jetzt in Fliesen und präsentierte eine bunte Fliesenpalette in marrokanischer Optik. Die großflächig gekachelten Hallen boten den Hintergrund für ausgewählte Stücke der neuen Homecollection. Sehr cool!

Kontakt Salone del Mobile

salonemilano.it

Noch mehr MyStylery Design- und Interior-Stories findest Du hier.

The post Neues vom Salone del Mobile appeared first on My Stylery.

Pablo Picasso: „L’Atelier, 1927 -1929, Öl auf Leinwand

Anfang März ging eine der interessantesten Ausstellungen dieses Jahres zu Ende: Das MoMa – Museum of Modern Art New York – präsentierte einen Teil seiner Sammlung für fünf Monate in der ‚Fondation Louis Vuitton‘ in Paris. Darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Radierungen, Fotografien, Filme, digitale Werke, Installationen, Architektur- und Design-Objekte. Sie alle repräsentieren die vielfältigen Facetten der New Yorker Museumslegende, zu deren umfassender Sammlung mehr als 200.000 Werke zählen.

Paul Cézanne: Nature morte aux pommes (Stilleben mit Äpfeln), 1895 -1998, Öl auf Leinwand

Unter dem Titel „Etre moderne – le MoMa à Paris“ (Modern sein – das Moma in Paris) konnten die Besucher an die 200 Bilder, Skulpturen, Installationen und Filme, aufgeteilt in sechs Themenbereiche, des 20. und 21.Jahrhunderts bestaunen: Ein repräsentativer Querschnitt und eine Bandbreite an Kunst aus allen Dekaden der europäischen und amerikanischen Moderne. Darunter Werke der Künstler Cézanne, Calder, Picasso, Duchamp, Beckmann, Klimt, Kirchner, Kusama, Magritte, Hopper, Pollock, Brancusi, Signac und Warhol.

Edward Hopper: House by the railroad, (Haus an der Eisenbahn), 1925, Öl auf Leinwand. Dieses Bild des amerikanischen Künstlers Hopper war eines der ersten, mit dem das MoMa seine Sammlung startete

Außerdem widmete sich die Ausstellung der Geschichte des Museums selbst, das 1929 in Manhattan eröffnete, mit Alfred H. Barr als Gründungsdirektor und A. Conger Goodyear als Präsidenten. Mit im Board waren auch Josephine Boardman Crane und Paul Sachs. Dokumentiert durch zahlreiche Gegenstände, Fotografien und Architektur-Modellen, erhielt der Besucher Einblicke und Informationen über die Gründer, Mäzene und die anfänglich angemieteten Ausstellungräume des MoMa in einem Bürogebäude auf der Fifth Avenue. In Paris wurden die ersten Werke der Moderne, des Minimalismus und der Pop Art bis hin zu aktuellen digitalen Objekten gezeigt, von denen hier einige zum ersten Mal zu sehen waren.

Gustav Klimt: Die Hoffnung, II, 1907 – 1908. Öl, Gold und Platin auf Leinwand

Für mich war die Ausstellung „Etre moderne“ zudem eine gute Gelegenheit, mir endlich einmal das spektakuläre Gebäude der Louis Vuitton-Stiftung mit seiner faszinierenden Architektur anzusehen, die der Weltklasse-Architekt und Amerikaner Frank Gehry entworfen hat und die im eleganten Pariser Stadtteil Neuilly am Park ‚Bois de Boulogne‘ beheimatet ist. Für alle, die keine Gelegenheit hatten, diese einmalige Sammlung an Meisterwerken zu sehen, lasse ich auf MyStylery meine ganz persönlichen Highlights noch einmal Revue passieren. Viel Freude bei diesem Kunstgenuss!  BvH

Eine von insgesamt 4 Ebenen der Fondation Louis Vuitton in Paris, dem temporären Ausstellungsort des MoMa

Ernst Ludwig Kirchner: Straßenszene Berlin, 1913, Öl auf Leinwand

Henri Matisse: Goldfisch und Palette, 1914, Öl auf Leinwand

Pablo Picassos ‚Junge mit Pferd‘ (1905 – 1906, Öl auf Leinwand) war einer der Publikumslieblinge in der Pariser Schau

Paul Signac: Portrait des Monsieur Félix Fénéon, 1890, Öl auf Leinwand. Dieses Gemälde ziert auch das Cover des Ausstellungskatalogs

Sichtachse in den Ausstellungsräumen der Fondation Louis Vuitton

Salvador Dali: Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931, Öl auf Leinwand

René Magritte: Der falsche Spiegel, 1928, Öl auf Leinwand

Frida Kahlo: Selbstportrait mit kurz geschnittenem Haar, 1940, Öl auf Leinwand

Jackson Pollock: Echo, Nummer 25, 1951, Lackfarbe auf Leinwand

Mark Rothko: Nummer 10, 1950, Öl auf Leinwand

Die Stiftung Louis Vuitton wurde 2014 im Pariser Stadtteil Neuilly am Bois de Boulogne eröffnet auf Initiative von Bernard Arnault, dem Vorstandsvorsitzenden des französichen Luxusartikelkonzerns Moet Hennessy Louis Vuitton (LVMH)

Max Beckmann: Abfahrt, 1932. Öl auf Leinwand, 1933 -1935

Barnett Newman: Onement III, 1949, Öl auf Leinwand

Georgia O’Keeffe: Fenster und Tür eines Bauernhauses, 1919, Öl auf Leinwand

Andy Warhol: Campbells Soup Cans, 1962, Acryl auf 32 Leinwänden

Roy Lichtenstein: Ertrinkendes Mädchen, 1963, Öl und Acryl auf Leinwand

In der Fondation Louis Vuitton werden meist Werke des 20. Jahrhunderts gezeigt

Sessel mit Lichtinstallation im Hintergund

Joseph Beuys: Filzanzug, 1970

Christopher Wool: Untitled, 1990, Lackfarbe auf Aluminium

Gerhard Richter: September, 2005, Öl auf Leinwand

Cindy Sherman: Untitled Film-Stills, 1977 – 1980

Kerry James Marshall: Untitled (Club Szene), 2013, Acryl und Glitter auf ungedehnter Leinwand

Lichtsäulen des Museumsgebäudes spiegeln sich im Wasser

Das Modell der Fondation Louis Vuitton erinnert mit seinen gläsernen Dächern an Schiffssegel. Das von dem amerikanischen Stararchitekten Frank Gehry erbaute Privatmuseum umfasst elf Galerien auf 11.000 Quadratmetern Fläche

Eine beeindruckende Konstruktion aus Holz, Glas und Stahl …

…deren Scheiben den Lichteinfall brechen und nicht direkt in die Räume leitet

Es gibt verschiedene Außenterrassen…

…von denen man einen Blick auf die Silhouette von Paris hat

Trotz nasskalten Wetters war ich beeindruckt von dieser fantastischen Architektur

Im Inneren des Gebäudes gibt es ein Auditorium mit 400 Plätzen, das auch für Konzerte genutzt wird…

…sowie ein Café

Tipp: Tickets am besten online erwerben. Das erspart stundenlanges Anstehen

Übrigens: Architekt Frank Gehry nennt sein Bauwerk Glaswolke

Kontakt Fondation Louis Vuitton

fondationlouisvuitton.fr

The post Das MoMa in Paris – ein Rückblick appeared first on My Stylery.

Wie Ihr wisst, ist „Der Berliner Salon“ im Rahmen der Fashionweek Berlin mein persönliches Highlight, seitdem er 2011 vom Fashion Council Germany ins Leben gerufen wurde. Zweimal im Jahr ist Der Berliner Salon DAS Forum für bereits etablierte Designer und den Nachwuchs. Dieses Mal präsentierten sich in den geschichtsträchtigen, opulenten Räumen des Kronprinzenpalais am Prachtboulevard Unter den Linden – im Herzen Berlins – insgesamt mehr als 40 Labels und Modetalente.

Schick in Strick mit Miami

Eine besondere Rolle nimmt hier der Vogue Salon ein, der von Vogue-Chefredakteurin Christiane Arp initiiert wurde und sich mittlerweile zu einem vielbeachteten Format entwickelt hat. Der Vogue Salon gibt ausgesuchten Modedesign-Talenten eine Plattform zur Präsentation ihrer Kollektionen und zur Knüpfung von Kontakten, was im Modezirkus ein unerlässliches Tool ist. Denn ohne Kontakte läuft – fast – nichts. Gezeigt wurden u.a. William Fan und Femme Maison, besonders gefallen hat mir das Design von Isabel Vollrath und Claudia Bertini. Grafische Details und schöne Materialien zeichnen auch die Plaids von Catharina Mende aus: Nach dem Motto „Label to watch“.

Neuzugang im Vogue Salon ist die Berliner Designerin Catharina Mende mit ihren graphischen, farbenfreudigen Luxusplaids aus feiner Merinowolle, Kid Mohair, Seide und Yakhaar, die hier an Puppen zu einem Gesamtkunstwerk drapiert wurden

Die Mercedes Benz Fashionweek zeigt seit einigen Jahren nicht mehr unterhalb des symbolhaften Brandenburger Tors und musste auf immer neue Schauplätze wie das legendäre Kaufhaus Jandorf ausweichen. Mittlerweile finden viele Runway-Shows wie die von den Designern Irene Luft, Riani und Ewa Herzog im E-Werk statt. Eine an sich historisch und coole Industrie-Location, aber komplett ungastlich, da die wartenden Showbesucher in Ermangelung ausreichender Räumlichkeiten im wahrsten Wortsinn im Regen stehen gelassen werden. Ist dieses Abspeckprogramm mit ein Grund dafür, dass verschiedene Labels wie Laurèl oder Michalsky dieses Jahr in Berlin nicht mehr präsent waren? Selbst das beliebte Fashionbrunch der Zeitschrift Gala – einst der krönende Abschluss einer jeden Berliner Fashionweek im Ellington Hotel – fiel dieses Mal aus. Für Berlin als Modestandort hoffentlich kein schlechtes Omen. Vielleicht haben Verantwortliche in Wirtschaft und Politik zu lange gezögert, um Berlin in seinem Bestreben zu unterstützen, sich als Modemetropole zu etablieren. Bleibt nur zu hoffen, dass der Fashion Council Germany mit Der Berliner Salon an der Hauptstadt festhält. BvH

MyStylery in action: Ich bin ein großer Fan von Der Berliner Salon und dem Vogue Salon

Sehr schön finde ich die puristischen Entwürfe der Zürcher Designerin Claudia Bertini. Ihre Mode zeichnet sich durch lässige Schnitte und ungewöhnliche Materialmixe aus. Sehr schön: Der kimonoartige Blazer zu einer zweifarbigen Leinenhose

Bereits 2009 wurde das Wiener Label „Femme Maison“ von Franziska Fürpass und ihrem Mann gegründet. Mittlerweile ist die Mode sogar bei Harvey Nichols in Hongkong erhältlich. Mir gefallen die fließenden Stoffe und raffinierte Draperien besonders

Es ist schon auffällig, dass mich jedes Mal der Stand von William Fan magisch anzieht. Dieses Mal überzeugte mich der Hannoveraner mit asiatischen Wurzeln durch seine zweifarbigen Lammfellkreationen. Und ein bisschen Glitzer (links im Bild) kann ohnehin nicht schaden…

Der Vogue Salon ist als langfristige Förderung konzipiert und begleitet die jungen Kreativen über mehrere Saisons. Ausgewählte Jungdesigner werden im Mentoring-Programm des Fashion Council Germany beraten und unterstützt. Hier das Label „Horror Vacui“

Diese Teller waren der Hingucker in Der Berliner Salon: Entwurf von „Odeeh“ für die Staatliche Porzellan-Manufaktur Meissen

Dorothee Schumacher’s Kollektion für Herbst-Winter 2018: cool in schwarz-weiß…

… und in blau-weiß

Kuschel-Strick von der Hamburger Cashmere-Queen Iris von Arnim

In Der Berliner Salon zeigen auch etablierte Designer wie Talbot Runhof ihre wunderschönen Roben

Echte Eyecatcher sind die aus antiken Seiden gefertigten Modelle des Berliner Designduos Rianna & Nina…

…ein einzigartiger Farbrausch mit folkloristischen Elementen

Längst in der Topliga der hiesigen Designer angekommen: Die Österreicherin und Wahl-Berlinerin Marina Hoermanseder…

…mit ihren futuristisch anmutenden Entwürfen

Schönes und Tragbares von Lala Berlin

Super finde ich die klassisch-elegante Mode von Strenesse

Sie alle waren in Der Berliner Salon präsent. Ich freue mich schon auf die Fortsetzung im kommenden Sommer…

Kontakt Der Berliner Salon:

derberlinersalon.com

The post Der Berliner Salon – eine Nachlese appeared first on My Stylery.

„Grand Paris“ – Savoir vivre für Insider und solche, die es werden wollen – von Stefanie v. Wietersheim mit Illustrationen von Maria Kleinschmidt. 176 Seiten, 11 Illustrationen, erschienen im Lifestyle Busse Seewald/Frechverlag, ISBN 978-3-7724-7450-7

Ihr wisst, ich liiiebe Paris und kenne die Stadt schon seit meiner Aupair-Zeit – long time ago. Die Idee, dort eines Tages einmal richtig zu leben, hat sich bislang noch nicht realisieren lassen. Für die Buchautorin Stefanie von Wietersheim hingegen hat sich der Traum vom Leben in Paris erfüllt. Sie kennt die Stadt wie keine andere – mit all ihrer Schönheit und all ihren Macken. In ihrem neuen Buch flaniert sie durch ihr „Grand Paris“, verrät dabei wunderbare Insidertipps und beschreibt ganz en passant ihren Pariser Alltag, von der Wohnungssuche, Einkaufserlebnissen wie beispielsweise auf ihrem Lieblingswochenmarkt garniert mit privaten Einblicken in ihr Familienleben. Viele ihrer Tipps sind auch für mich sowohl Neuentdeckung als auch Anregung, denn ich kehre jedes Jahr in die Stadt an der Seine zurück und finde es herrlich, immer wieder auf Entdeckungstour zu gehen.

Ach, Paris!

Paris ist eine einmalige Bühne für Schönheit und Eleganz, ein Lebensraum für Künstler, ein Paradies für Meisterköche und Shopaholics. Paris ist die schönste Stadt der Welt! Doch darf man diesem Mythos glauben? Wie sieht das Leben dort jenseits eines romantischen Wochenendtrips aus? Stefanie von Wietersheim erzählt in „Grand Paris“ über den Alltag voller Rätsel, Komik und dem einmaligen Glanz der Stadt, den es nur hier gibt. Sie nimmt ihre Leser mit in eine Welt voll rauschhafter Eleganz und zu den schönsten Plätzen, Parks, Cafés, Boutiquen und Bäcker zum Glücklichsein in Paris. Wer darüber hinaus wissen möchte, wo sich das schickste Kaufhaus-Klo der Stadt befindet und wo man /Frau die schönsten Dessous ersteht, dem sei die Lektüre dieses Büchleins dringend empfohlen.  BvH

Besonders gut gefallen mir die elf charmanten Illustrationen von Maria Kleinschmidt, die das französische Lebensgefühl einfangen und das Buch „Grand Paris“ zu einem Bijou für Paris-Liebhaber machen

Gewinne das Buch „Grand Paris“:

MyStylery verlost fünf Exemplare von „Grand Paris“. Beschreibe hier kurz in einem Kommentar Deine ganz persönliche Paris-Sehnsucht und folge mir auf Instagram. Bist Du schon mal in der Stadt der Liebe gewesen? Vielleicht hast auch Du einen Tipp für die Seine-Metropole? Ich bin gespannt.
Die Gewinner entscheidet das Los und werden per Email benachrichtigt. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen.

Über die Autorin:

Stefanie von Wietersheim, geboren 1970, ist Kulturjournalistin und Buchautorin. Nach ihrem Studium der Kulturwirtschaft in Passau und Tours und einem Zeitungsvolontariat bei der „Passauer Neuen Presse“ arbeitete sie als Autorin für AZ, SZ und in der Filmproduktion. Außerdem schrieb und produzierte sie Interior-, Mode- und Gartengeschichten für Hochglanzmagazine. Aktuell schreibt sie regelmäßig zum Thema Kulturgeschichte, Wohnen und Design in der „Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung“.
Stefanie von Wietersheim lebte sieben Jahre in Paris und Toulouse. Heute geht sie von ihrem Landhaus in Niedersachsen aus auf Reportage – wenn sie nicht gerade in ihrer Pariser Zweitwohnung sitzt und aus dem offenen Fenster die Passanten beobachtet. Ihre Bildbände Frauen & ihre Refugien, Vom Glück mit Büchern zu leben und Mütter & Töchter wurden zu Bestsellern ihres Genres.

The post „Grand Paris“ für Insider appeared first on My Stylery.